DYSMORFIC – To The Usual Atomic Rhetoric, Vol.1: quando il grind implode e rinasce rumore

C’è un momento in cui il grindcore smette di correre a testa bassa e decide di guardarsi allo specchio. I DYSMORFIC quel momento lo hanno preso, smontato vite per vite e trasformato in detonazione controllata. To The Usual Atomic Rhetoric, Vol.1, uscito il 28 febbraio 2026 per Love Earth Records, non è un semplice nuovo capitolo: è una mutazione dichiarata.

Nati nel 1998 come trio grindcore, oggi duo composto dai fondatori Buccia alla batteria e Thomas al basso, i Dysmorfic hanno attraversato quasi tre decenni di traiettoria irrequieta. Dal rispetto dei dogmi del genere alla loro demolizione creativa, il passo è stato lungo ma inevitabile. La svolta era già emersa con Movements nel 2022 e si era consolidata con To Defy The Laws Of Grindcore nel 2024, ma qui la frattura diventa architettura.

Il titolo è un manifesto. “To The Usual Atomic Rhetoric” suona come un atto d’accusa contro la ripetizione sterile, contro la retorica dell’estremo fine a sé stesso. L’album spinge l’“avant-grind” verso territori di ambient noise grazie alla collaborazione con +DOG+, artista sperimentale di Boston e mente dietro l’etichetta. Il risultato è un organismo sonoro che alterna implosioni fulminee a dilatazioni atmosferiche, scosse telluriche a corridoi di rumore bianco che sembrano sospesi nel vuoto cosmico.

L’influenza dei Man Is The Bastard è dichiarata ma mai imitativa. Qui l’eredità viene filtrata, frantumata e ricomposta in una lingua personale. Il grind diventa materia plasmabile, quasi jazzistica nell’approccio, progressiva nelle strutture, ma senza perdere l’urgenza primordiale.

Produzione fuori dal recinto estremo

Coerenti con la loro etica indipendente, i Dysmorfic scelgono ancora una volta di affidarsi a professionisti lontani dal circuito della musica estrema. Le registrazioni ai Dude Studios di Correggio sono state curate da Stefano Riccò, ingegnere del suono che ha lavorato con Elisa, Elio e le Storie Tese e Ligabue. Produzione, mix e mastering portano la firma di Cristiano Roversi, collaboratore tra gli altri di Vinicio Capossela, John Wetton e Anthony Phillips.

Una scelta che si traduce in un suono stratificato, chirurgico quando serve e volutamente abrasivo altrove. 

La batteria di Buccia è un motore a combustione nervosa, mentre il basso, sia fretless che fretted, diventa colonna vertebrale melodica e distorsione liquida. Il noise di +DOG+ non è ornamento ma sostanza, una nebbia radioattiva che avvolge e amplifica.

L’artwork firmato Fetusk completa un’esperienza che vuole essere totale. Non solo un disco, ma una dichiarazione di intenti. Dopo tour in Europa, USA, Messico e Canada e presenze a festival come Obscene Extreme e Giants Of Grind, i Dysmorfic dimostrano che l’indipendenza può essere un laboratorio, non un limite.

To The Usual Atomic Rhetoric, Vol.1 è un attacco alle convenzioni e una promessa.

Entro fine 2026 è previsto il Vol.2, segno che questa traiettoria non ha alcuna intenzione di atterrare.

Il grind, nelle loro mani, non è più solo esplosione. È linguaggio in evoluzione, un campo magnetico che attrae jazz, prog, rumore e li costringe a convivere nello stesso spazio instabile. E in quell’instabilità, i Dysmorfic trovano la loro forma più autentica

ASCOLTA L'ALBUM: https://dysmorfic.bandcamp.com/album/to-the-usual-atomic-rhetoric-vol-1

I Mother Giraffe tornano con “House of Bondage”: la sottomissione come rito di trasformazione

5 marzo i Mother Giraffe, band crank-wave da Catania, pubblicano il nuovo singolo “House of Bondage”, un brano che non cerca conforto ma frizione. Niente carezze, solo attrito.

“House of Bondage” affronta il tema della sottomissione in senso ampio. Non soltanto quella fisica o sessuale, ma anche quella sociale, religiosa e culturale. È una stanza senza finestre dove il potere cambia forma di continuo: a volte è un dogma, a volte un’abitudine, a volte siamo noi stessi a chiuderci dentro.

Il dolore, nel brano, non è semplice sofferenza. È un dispositivo di trasformazione. La conoscenza passa attraverso il corpo, attraversa la carne, lascia un segno. Non c’è redenzione facile, ma un processo: si cade, si stringono i denti, si muta.

Sul piano sonoro, il pezzo prosegue coerentemente il percorso tracciato nel disco in uscita. Tensione costante, suoni ruvidi, strutture essenziali. L’approccio è diretto e ripetitivo, quasi rituale. Le chitarre lavorano per sottrazione, la sezione ritmica costruisce una pressione continua, come un battito che non concede tregua. È una spirale ipnotica che non esplode mai del tutto, ma continua a stringere.

Il singolo anticipa “Food is a Necessity”, album composto da nove tracce che esplorano ossessione e alienazione nella vita moderna. Un disco crudo, a tratti psichedelico, dove il rumore diventa linguaggio e la ripetizione si fa mantra urbano. Il titolo sembra rassicurante, ma dentro si parla di fame diversa: di riconoscimento, di senso, di identità.

Con “House of Bondage”, i Mother Giraffe confermano una poetica che non fa sconti e un suono che preferisce graffiare piuttosto che sedurre. Un passo ulteriore in un percorso che mette al centro il disagio contemporaneo e lo trasforma in materia viva.

Il brano è disponibile dal 5 marzo su tutte le piattaforme digitali.

Ascolta "House of Bondage" 

https://youtu.be/i3xpplCHtZY

IESSE tornano con “The Way You Are”

Dal cuore romagnolo di Cesena, gli IESSE riaccendono i motori e lo fanno senza mezze misure. Il 28 febbraio è uscito “The Way You Are”, primo estratto dal nuovo EP Tell Your Mom We Are Still Alive. Un titolo che suona come un messaggio lasciato sul frigo prima di uscire a suonare: siamo ancora qui, più rumorosi di prima.

Per la band ska-core italiana è il primo materiale inedito dopo Dirty Dreams del 2018. Anni di silenzio discografico che non hanno spento la miccia, anzi. “The Way You Are” riparte da dove li avevamo lasciati: punk rock veloce, sezione fiati che taglia l’aria come una lama lucida, e quella miscela ska-punk che non chiede permesso ma prende spazio.

Il brano fonde la furia melodica del punk anni ’90 con l’energia solare e combattiva delle horn section tipiche dello ska-punk. Il risultato è un pezzo potente e immediatamente riconoscibile, radicato nella tradizione ma con lo sguardo ben piantato nel presente. Ritmi serrati, ritornelli che si stampano in testa e un equilibrio riuscito tra aggressività e sensibilità melodica.

Dal punto di vista lirico, “The Way You Are” è una dichiarazione netta. Parla di identità, accettazione e del coraggio di vivere senza maschere in un mondo che spesso preferisce etichette comode alla complessità delle persone. È la storia di chi smette di nascondersi, affronta discriminazioni e pregiudizi, e rivendica la propria libertà con schiena dritta e voce alta. Il messaggio è limpido: non c’è nulla di sbagliato nell’essere se stessi.

Il singolo anticipa l’EP di cinque tracce Tell Your Mom We Are Still Alive, prodotto al Seahorse Studio di Ravenna con Matteo Rossi dei Sunset Radio e masterizzato da Giovanni Versari presso La Maestà. Un lavoro che segna una naturale evoluzione nel percorso della band, aprendo un nuovo capitolo senza tradire lo spirito originario.

Dopo oltre vent’anni di attività, gli IESSE continuano a portare avanti la loro visione indipendente con coerenza e passione. Ska-core diretto, autentico, ancora capace di parlare al presente e di trasformare rabbia e orgoglio in energia condivisa sotto palco.

Ascolta "The Way You Are”

Voider è l’album d’esordio dei Newt., in uscita il 27 febbraio per Ostia Records.

Newt. nasce nel 2024 tra Bologna e Gradara da quattro musicisti con esperienze maturate in diverse realtà della scena italiana, tra cui Antares, ED e Marnero. Un incontro geografico e umano che diventa subito laboratorio sonoro, una stanza con gli amplificatori accesi e le finestre chiuse per non disperdere vibrazioni. Nessuna nostalgia da cartolina, nessuna operazione vintage di facciata, ma l’urgenza concreta di rimettere le mani nel fango elettrico di un certo modo di intendere il rock, quello che sporca e illumina allo stesso tempo.

Il progetto sviluppa un suono diretto e analogico, radicato nel rock alternativo e noise degli anni ’90, con riferimenti dichiarati a Pixies, Melvins, Tad, Mudhoney, Nirvana e Motorpsycho. Non si tratta di citazioni ornamentali, ma di coordinate emotive: dinamiche che si contraggono e si dilatano, distorsioni che respirano, silenzi che preparano lo strappo successivo.

Le chitarre alternano fendenti secchi e aperture oblique, costruendo trame che si muovono tra tensione e rilascio. La sezione ritmica non si limita a sostenere, ma spinge in avanti, graffia, strattona, tiene il pezzo per il colletto finché non dice quello che deve dire. La scrittura è essenziale, quasi chirurgica, taglia il superfluo e lascia nervi scoperti, ma sa accendersi all’improvviso in melodie che restano addosso come polvere magnetica, difficili da scrollare via.

I Newt. rielaborano queste influenze in una forma personale e contemporanea, 

evitando l’effetto museo o la semplice riproduzione filologica. Il loro è un linguaggio che parla con accento novantiano ma respira nel presente, dove tensione e immediatezza convivono in equilibrio instabile, sempre a un passo dalla detonazione.

Ascolta "Voider"

Talco pubblicano il nuovo singolo e video “Banality DeathMatch”

Ci sono band che suonano, e poi ci sono band che accendono micce. I Talco appartengono alla seconda categoria.

Dopo aver aperto la narrazione con “Dalla Mia Parte Della Strada”, la formazione veneziana torna con un nuovo capitolo: “Banality DeathMatch”, singolo accompagnato da un videoclip ufficiale già online. Un brano che non si limita a colpire, ma punta dritto al bersaglio grosso.

Nel primo episodio avevamo incontrato un protagonista intrappolato in una gara di nuoto, costretto a rincorrere vasche su vasche mentre il sogno del mare aperto si allontanava. Ora l’inquadratura cambia prospettiva: chi organizza quella gara? Chi costruisce la piscina, impone le regole e decide quando applaudire o fischiare?

Con “Banality DeathMatch” la band sale su un ring surreale che richiama ironicamente certi immaginari televisivi anni Novanta, ma qui il combattimento è tra coscienze, tra esposizione e vigliaccheria, tra chi giudica e chi viene giudicato.

Il bersaglio non è soltanto l’odio digitale, facile e rumoroso. Il colpo è più ampio, più scomodo. È rivolto a un’umanità che si sente arbitro universale, pronta a emettere sentenze attraverso slogan accattivanti e retorica da tastiera, senza mai mettere davvero qualcosa in gioco. È il paradosso dell’apparire impegnati restando al sicuro, dell’indignazione senza rischio.

Musicalmente, il brano conserva l’inconfondibile marchio di fabbrica della band: quell’esplosiva miscela di punk rock, folk, ska e suggestioni latin, il loro celebre “punkchanka”, capace di unire energia e profondità.

Con oltre vent’anni di carriera e centinaia di concerti in tutta Europa, i Talco continuano a interrogare il presente con la loro musica. E la storia iniziata con “Dalla Mia Parte Della Strada” è solo all’inizio.

GUARDA IL VIDEO:

https://www.youtube.com/watch?v=rothlPNj0f8

Double Swindle: fuori oggi il video di “There Was a Time”, quando la comfort zone diventa una gabbia

C’è stato un tempo in cui tutto sembrava al suo posto. Ordinato. Stabile. Quasi perfetto. Ma a volte la perfezione è solo un salotto con le finestre chiuse.

I Double Swindle, band punk rock dalla provincia di Treviso, pubblicano oggi il video di “There Was a Time”, un brano che scava sotto la superficie di quella stabilità apparente per raccontare il momento esatto in cui la sicurezza si rivela per quello che è: una gabbia+ comoda, imbottita di abitudini e illusioni.

Il pezzo attraversa una fase della vita in cui pensi di avere tutto sotto controllo, di stringere il mondo tra le dita, mentre in realtà stai solo interpretando una versione di te che non respira davvero. È il classico equilibrio che non scricchiola… finché non ti accorgi che non sei tu a tenerlo in piedi, ma lui a tenere fermo te.

Musicalmente, i Double Swindle spingono sull’acceleratore emotivo: chitarre tese, batteria che pulsa come un pensiero fisso e una linea vocale che alterna consapevolezza e frattura. Il suono accompagna il risveglio raccontato nel testo, passando dalla patina nostalgica alla vertigine della confusione. Eccessi, errori, ricordi sfocati: la fase in cui rompi lo specchio e ti trovi davanti pezzi sparsi di identità.

Poi arriva la lucidità. Non è una fanfara trionfale, è un respiro lungo. È quel momento in cui smetti di idealizzare il passato e scegli il presente, con tutte le sue imperfezioni. “There Was a Time” non demonizza ciò che è stato, ma lo rimette al suo posto: non un paradiso perduto, ma una stanza da cui uscire.

Il video amplifica questo percorso interiore, trasformando il brano in un piccolo film di transizione, tra memoria e consapevolezza. Un nuovo capitolo per la band trevigiana, che continua a raccontare crepe emotive con l’energia diretta e senza filtri del punk rock.

Per chi è

 cresciuto credendo di avere tutto sotto controllo e poi ha dovuto imparare a ricominciare da sé.

Guarda il video di "There Was a Time"

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Instagram: instagram.com/double_swindle/

Spotify: spoti.fi/3ydOTun

Youtube: youtube.com/@doubleswindle

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NOTHING OFF MIRROR - “DIGITAL CHAINS” Il primo singolo dall’EP di debutto “Blackout Therapy”

C’è un momento preciso in cui ti accorgi che il rumore non è libertà ma prigione. I Nothing Off Mirror lo trasformano in suono e lo chiamano “Digital Chains”, primo singolo ufficiale estratto dall’EP di debutto “Blackout Therapy”, in uscita il 15 maggio.

Il brano è disponibile dal 20 febbraio con videoclip ufficiale su YouTube e dal 25 febbraio su tutte le piattaforme digitali. È il primo passo di una band nata a Ferrara nel dicembre 2024 ma già con le idee scolpite nel cemento.

“Scrolling down I feel so numb…”

Fin dall’incipit, “Digital Chains” è una dichiarazione di guerra all’alienazione da schermo. Non una predica, ma un pugno. Non una morale, ma uno specchio. Il pezzo fotografa una generazione ipnotizzata dalle notifiche, incastrata in una routine di scroll infinito che svuota più di quanto riempia.

Musicalmente, i Nothing Off Mirror intrecciano riff serrati e taglienti a breakdown che sembrano crepe nell’asfalto. L’impronta è quella del metalcore dei primi anni Duemila, ma la produzione inserisce elementi elettronici e atmosfere quasi cinematografiche che amplificano il senso di oppressione. È come se ogni strofa stringesse il nodo, ogni ritornello provasse a spezzarlo.

“This ain’t the life that we claimed / Tied to these digital chains”

Il chorus è pensato per esplodere sotto palco, ma funziona anche in cuffia, quando la rabbia diventa personale. È uno di quegli hook che ti si incolla addosso e non chiede permesso.

Identità chiara, zero compromessi

La line-up vede Daniele Finardi alla voce, Nicola Giovanardi alla batteria, Nicola Bentivoglio e Simone Cavicchi alle chitarre e Federico Zappaterra al basso. Cinque musicisti con background metalcore e post-hardcore che hanno deciso di tornare alle radici senza suonare nostalgici.

Dopo un anno dedicato interamente alla scrittura, la band ha autoprodotto un EP di cinque tracce che promette di andare oltre il singolo. “Blackout Therapy” non è solo un debutto, ma una presa di posizione: nessuna maschera, nessuna scorciatoia, nessuna catena.

Il videoclip: estetica industriale e identità in frantumi

Il video di “Digital Chains” traduce il concept in immagini fredde, industriali, tagli di luce netti e interferenze visive che richiamano la dipendenza digitale e la perdita di identità. Schermi, glitch, ambientazioni claustrofobiche: musica e immagine viaggiano nella stessa direzione, costruendo fin da subito un immaginario coerente e riconoscibile.

“Digital Chains” è solo il primo capitolo. L’EP in arrivo il 15 maggio approfondirà i temi della disconnessione emotiva e dell’alienazione sociale, ma con uno spiraglio: la possibilità di un risveglio collettivo.

Se questo è l’inizio, i Nothing Off Mirror non stanno bussando alla porta del metalcore italiano. La stanno prendendo a spallate.

https://youtu.be/jyyxRQQN5y8?si=9P1KFIr9ORRPUbwc

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LOW-L FEST 2026: svelata la lineup completa della settima edizione

C’è chi teme la crisi del settimo anno. Il LOW-L FEST la prende, la guarda negli occhi e le ride in faccia. Dal 19 al 21 giugno 2026 il festival piacentino torna con una nuova casa, il rinnovato TOO di via 24 Maggio 51, e con una lineup che non chiede permesso a nessuno.

A guidare le danze tre headliner che sembrano scelti con il righello dell’intensità. I Nothing porteranno dal vivo il nuovo e attesissimo A Short History of Decay, un titolo che promette malinconie elettriche e muri di suono capaci di piegare l’aria. Dalla Svezia arrivano i Thrown, tra le realtà più incandescenti del metalcore contemporaneo, freschi di sold out al Legend Club di Milano. E poi loro, i newyorkesi Show Me The Body, che trasformano ogni palco in un campo magnetico fuori controllo.

Il resto del bill è un mosaico costruito con cura chirurgica dal collettivo LOW-L. Da Boston arrivano gli Haywire, hardcore nudo e nervoso, lanciati anche dallo split con i Dropkick Murphys. Tornano i Raein, nome che è già storia dell’underground italiano. Dagli Stati Uniti gli Excide porteranno la miscela di grunge, alternative e nu metal del nuovo Bastard Hymns.

E ancora: Jaguero, If I Die Today, la furia grind degli Spleen Flipper, l’impatto di Ozone Dehumanizer, l’hardcore senza filtri di Colliders e Confine, fino alla sperimentazione tagliente del duo Gom Jabbar. E molti altri nomi pronti a completare una tre giorni che si preannuncia come un piccolo atlante dell’urgenza contemporanea.

LOW-L FEST però non è solo palco e sudore. A impreziosire il programma ci sarà Fabio Bortolotti, in arte Kenobit, con la presentazione del suo libro Assalto Alle Piattaforme. Attorno, la consueta galassia di distro, food truck, talk e incontri che trasformano il festival in una comunità temporanea, rumorosa e accogliente.

I Three Day Pass sono già disponibili in tiratura limitata su BigCartel, mentre i biglietti giornalieri arriveranno nelle prossime settimane su DICE.

Segnate le date: 19, 20 e 21 giugno 2026. Piacenza si prepara a diventare un epicentro. E la settima volta, qui, non è una crepa: è un’esplosione controllata.

Altri link utili:

EVENTO FB: https://www.facebook.com/search/top?q=low-l%20fest%202026%20

INSTAGRAM: https://www.instagram.com/lowl_fest/

ABBONAMENTI: https://lowlfest.bigcartel.com/product/low-l-fest-2026-three-day-pass 

The Last Confidence tornano con “Lei”: il lato più pop del loro cuore punk

C’è un momento, nella vita di ogni band punk, in cui invece di tirare pugni al muro decide di scriverci sopra un nome. I The Last Confidence quel nome lo trasformano in un singolo: Lei, fuori dal 24 febbraio, secondo estratto dal nuovo album in arrivo in primavera.

Dopo la carica frontale di Botta, il quartetto bergamasco cambia traiettoria ma non identità. Lei è il brano più immediato e luminoso del disco: meno distorsioni serrate, più spazio alle melodie, un ritornello che si incolla addosso come una toppa cucita male ma con orgoglio. Punk spensierato, sì, ma con quella consapevolezza di chi ha imparato a trasformare l’irrequietezza in coro da urlare sotto palco.

Il pezzo è una dichiarazione d’amore in versione pop punk, costruita su poche parole scelte con precisione chirurgica. Basta un “è un anti-social” per immaginarsi già sotto al palco, sudati, stonati, felici. La band dimostra ancora una volta di saper restare dentro il perimetro delle sonorità che ama, trovando però un varco melodico più ampio, accessibile, quasi radiofonico, senza perdere credibilità.

Alla produzione torna Luca Incerti (Ince) dei WEL, che leviga il suono senza sterilizzarlo. Il risultato è un brano che guarda apertamente a nomi come blink-182, New Found Glory, Neck Deep e No Pressure, ma con un’identità ormai riconoscibile nel panorama italiano.

Ad accompagnare l’uscita, un video diretto da Hélio Gomes, chitarrista della band, che traduce in immagini quell’equilibrio tra leggerezza e nostalgia che attraversa il brano.

Attivi dal 2013, i The Last Confidence hanno costruito negli anni un percorso coerente tra EP, album e un’intensa attività live che li ha portati a dividere il palco anche con realtà internazionali. Dopo aver festeggiato i dieci anni di carriera con 10 YEARS, la band è pronta a voltare pagina con un nuovo disco che promette energia e maturità.

Il prossimo appuntamento dal vivo è fissato per il 21 marzo 2026 al Rock’n’Roll Club di Milano. Se Lei è l’anticipazione, la primavera potrebbe arrivare con chitarre accordate alte e cuori ancora più rumorosi.

Il punk, a volte, sa anche sorridere. E quando lo fa, canta forte.

Thunder Bomber: la rabbia elegante di “A Little Sadness” anticipa il nuovo album “Boys Alive”

C’è una tristezza che non piange. Stringe i denti. Si infila sotto pelle e resta lì, come un motore acceso in folle. I Thunder Bomber la trasformano in carburante nel nuovo singolo “A Little Sadness”, ora disponibile su tutte le piattaforme digitali.

Il brano è il secondo estratto da “Boys Alive”, in uscita il 10 aprile 2026 per Cheat Records e Total 13 Records. E se il titolo potrebbe suggerire malinconie sussurrate, la realtà è ben diversa: questo è probabilmente il pezzo più feroce mai pubblicato dalla band mantovana.

“A Little Sadness” è uno sfogo diretto, nervoso, senza anestesia. Racconta la frustrazione di inciampare sempre negli stessi errori, di rifugiarsi in zone di comfort che promettono protezione e invece diventano gabbie dorate. È quella sottile angoscia che scava lentamente, un tarlo che non fa rumore ma lascia segni profondi. I Thunder Bomber la affrontano a testa bassa, con un brano che suona come una resa dei conti personale e collettiva.

Musicalmente il pezzo è un ritorno alle origini: riff taglienti, attitudine hard rock e un’anima hardcore punk dichiarata, quasi un tributo agli eroi che hanno acceso la miccia nel loro immaginario sonoro. C’è il gusto per l’immediatezza, per la botta secca che arriva dritta allo stomaco, ma anche una consapevolezza maturata nel tempo. È la chiusura di un cerchio che parte dai primissimi brani della band e trova oggi una nuova forma, più compatta e determinata.

Nati a Mantova nel 2009, i Thunder Bomber hanno attraversato cambi di formazione, demo, EP e brani sparsi in compilation, fino alla pubblicazione di “Dan4gerous Pills” nel 2022, raccolta di singoli registrati tra il 2016 e il 2020. Con “ r Alive” la band apre un nuovo capitolo, pronto a confermare la loro identità: sporca il giusto, sincera fino all’osso, allergica ai compromessi.

Ascolta "A Little Sadness"

https://thunderbomber.bandcamp.com/track/a-lit4tle-sadness

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https://www.instagram.com/thunderbomberband

https://thunderbomber.bandcamp.com

Jaguero: identità senza compromessi nel nuovo singolo “Twentyfour7”

I Jaguero tornano con “Twentyfour7”, brano che anticipa il primo full length Make Me Feel Alive Again, in uscita il 10 aprile 2026 per Anchors Aweigh Records.

Ed è uno di quei pezzi che non bussano alla porta. Entrano.

Dopo aver mostrato le due facce della medaglia con “Hold Me Close / Monday”, la band vicentina scava ancora più a fondo, abbandonando ogni comfort zone sonora per inseguire qualcosa di più personale, più crudo, più necessario. “Twentyfour7” nasce da un conflitto che conosciamo bene: restare fedeli a sé stessi mentre il mondo attorno prova a limare gli angoli, addolcire gli spigoli, normalizzare l’anomalia.

Il brano si muove su una linea tesa tra autodeterminazione e bisogno di ricucire. Non è rabbia fine a sé stessa. È tensione emotiva che pulsa sotto pelle, è quel momento in cui scegli di non abbassare la voce per essere più digeribile. Forse è il pezzo più distante dalle coordinate abituali dei Jaguero, ma proprio per questo è quello che oggi li rappresenta meglio: meno etichette, più verità.

Il videoclip, realizzato da Catrame e diretto da Roberto Graziano Moro in collaborazione con Lorenzo Scudiero, amplifica questa dimensione interiore trasformandola in immagini cariche di inquietudine e ricerca. Non semplice accompagnamento visivo, ma estensione emotiva del brano.

Bio:

Nati a Vicenza nel 2021 da membri di Slander, Regarde e La Fortuna, i Jaguero hanno già lasciato tracce importanti con gli EP Worst Weekend Ever (2022) e New Love (2023), prodotti da Maurizio Baggio presso La Distilleria e pubblicati da Epidemic Records. Un percorso che li ha portati dai piccoli club ai festival, sempre con quello spirito viscerale che tiene insieme punk, emo e grunge senza bisogno di dichiarazioni d’intenti.

Con Make Me Feel Alive Again promettono di spingersi ancora oltre, lasciandosi alle spalle i confini di genere per suonare semplicemente ciò che sentono più urgente. Energia, melodia e intensità emotiva restano il loro triangolo sacro, ma il fuoco adesso brucia con una consapevolezza diversa.

“Twentyfour7” è un manifesto personale. È la scelta di camminare a testa alta, anche quando sarebbe più facile adattarsi. E nel 2026, in mezzo a rumori di fondo e copie sbiadite, l’autenticità suona ancora come l’unica vera rivoluzione.

Guarda il video su YouTube.

L’album è già disponibile in preorder sul sito di Anchors Aweigh Records

Fuori “Milano Chiama”, il nuovo singolo di ×hellsanti×

Fuori dal 20 febbraio 2026, “Milano Chiama” è il nuovo singolo di ×hellsanti× e anticipa l’EP in arrivo a marzo. Un titolo che suona come una notifica alle tre di notte: lampeggia, vibra, promette tutto. E forse chiede più di quanto dia.

×hellsanti×, classe ’91, continua a scolpire il suo percorso nell’emo punk italiano con un brano che corre senza guardare il semaforo. Chitarre serrate, batteria che pesta come se avesse un conto in sospeso, un ritornello che si incolla alla testa con la stessa ostinazione delle grandi hit pop punk dei primi Duemila. Ma sotto la superficie catchy si muove una corrente più scura.

“Milano Chiama” è uno sfogo lucido. Rabbia e disillusione si intrecciano nella metafora della città che può consacrarti o consumarti. Milano diventa simbolo di un’industria musicale che promette visibilità e sogni, salvo poi presentare il conto in insonnia, solitudine e instabilità. Non è solo una geografia urbana, è uno stato mentale.

Lo spirito è dichiaratamente DIY, ma non acerbo. Il brano mantiene quella ruvidità sincera che è marchio di fabbrica del genere, senza rinunciare a una scrittura più matura. In questo percorso si inserisce la collaborazione con Hypeless Studio e con Andrea Barone, che accompagna l’artista verso una maggiore coerenza sonora, lasciando intatta la spontaneità delle origini.

Dal debutto nel 2023 con “Non Cambierai”, passando per “Pop-Punk” e “Crush”, ×hellsanti× ha costruito un’identità riconoscibile: diretto, emotivo, allergico ai filtri. Tra il 2023 e il 2025 arrivano “Cado In Piedi”, distribuito da Visory Records, “Alla Fine” e “Mai Come Voi”, brano ispirato alle manifestazioni per la pace in Palestina. Un percorso che alterna introspezione e sguardo sul mondo, sempre con il cuore in mano e l’amplificatore acceso.

Con “Milano Chiama” la città diventa spazio di passaggio. I problemi restano sospesi come cartelloni pubblicitari illuminati nella notte, mentre la musica si trasforma nell’unica direzione possibile. Non c’è una soluzione, ma c’è un’urgenza. E nel pop punk, a volte, è tutto ciò che serve.

Ascolta "Milano Chiama"

 

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È uscito V_WEIRD, il quinto album di Solo1981

C’è un momento in cui le parole non bussano più, sfondano la porta. È da lì che nasce V_WEIRD, quinto album di Solo1981, progetto solista di Stefano Giambastiani, in uscita venerdì 20 febbraio 2026 per Karma Field Records in CD e digitale.

Otto brani, sei in italiano e due in inglese, tra cui due poesie in musica, compongono un disco che attraversa elettronica, post punk e alternative rock con spirito libero e identità marcata. Atmosfere oscure e introspettive si alternano a riff rabbiosi e tastiere visionarie, in un equilibrio instabile che tiene l’ascoltatore sempre sul filo.

V_WEIRD non è un esercizio di stile ma un’esposizione totale. Solo1981 si mette a nudo con un linguaggio che sa essere poetico o diretto, ma mai artificiale. Le liriche scavano nell’animo umano, osservano la società contemporanea e trasformano esperienze personali in materia sonora viva, tra cadute e risalite, errori e consapevolezze.

Su Bandcamp il disco sarà disponibile in digitale con un libretto PDF di 12 pagine contenente i testi completi, per chi vuole entrare ancora più a fondo nelle pieghe delle parole. La promozione estera è affidata a Wanikiya Records & Promotion, partner di Karma Field Records per questa uscita.

«L’obiettivo di questo disco, fortemente emotivo e senza filtri, è lasciare qualcosa e dare una scossa all’ascoltatore. Per me la vita è musica e parole: se le sento dentro, devono uscire», racconta Solo1981.

V_WEIRD è proprio questo: un’urgenza trasformata in suono. Un disco che non cerca di piacere a tutti, ma di arrivare a chi è disposto ad ascoltare davvero. 

Ascolta V_WEIRD

SOLO1981

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Bandcamp: https://solo1981.bandcamp.com/

SoundCloud: https://soundcloud.com/soloproject1981

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“Tense Resistance” il nuovo singolo dei Good morning Cernobyl

“Tense Resistance” è l’ultimo singolo dei Good Morning Cernobyl', e suona come un pugno di nervi scoperti nel petto. 

La canzone è un’esplosione nervosa di chitarre taglienti, batteria incalzante e voce che non conosce mezze misure: è un attacco frontale alla staticità, un richiamo alla resistenza individuale in un mondo che tenta di imbrigliarti. In pochi minuti i punk perugini condensano tutta la loro energia cruda e feroce in un mantra di ribellione sonora.

Il brano non cerca compromessi melodici ma vuole farsi sentire, scuotere e lasciare un segno – proprio come fa la scena DIY della band dal 2018, quando i GMC hanno iniziato a portare il loro punk diretto tra Perugia e Milano.

“Tense Resistance” è un esempio di tensione e attitudine: nervi tesi, ritmo che non rallenta mai, e quella sensazione che qui non si cede nemmeno un centimetro. È un singolo che pulsa, vibra e punta dritto alle corde più sensibili di chi ama il punk senza fronzoli.

Ascolta “Tense Resistance”

Already Buried – “Nice Shoes” Fuori il nuovo singolo che anticipa l'EP di debutto

Due minuti e ventuno secondi. Tanto basta agli Already Buried per trasformare l’aria in cemento armato e le casse in un campo di battaglia. “Nice Shoes”, secondo singolo della band milanese, è hardcore brutale come un pugno in faccia dato senza preavviso, con riff metal che ringhiano e breakdown pronti a far collidere le spalle sotto palco.

Il brano corre veloce, nervoso, costruito su groove pesanti e stacchi taglienti. I ritornelli sono ritmati, ossessivi, da urlare a squarciagola mentre il pavimento vibra sotto lo slam dancing. 

Nel testo si respira un immaginario urbano cupo e decadente, un paesaggio fatto di fantasmi digitali e fede ridotta a notifica push:

“The streets are fucking full of ghosts

I breathe the last remains of God

you have to read his message on your phone”

Ripetizione e martellamento amplificano il senso di disagio e disconnessione. “Nice Shoes” è uno statement chiaro: nessun compromesso, nessuna nostalgia patinata.

Solo avanzare, a testa bassa.

Nati a Milano nell’aprile 2024 dopo un lungo periodo di inattività, gli Already Buried riuniscono membri già coinvolti in realtà influenti della scena hardcore italiana come Abel Is Dying e To The Embers. Il loro obiettivo è stato fin dall’inizio quello di lasciarsi alle spalle il passato musicale per costruire qualcosa di nuovo, ispirato all’hardcore anni ’90 e 2000 ma contaminato da groove metal e da un approccio moderno, dinamico, progressivo

.

Il risultato prende forma in sei tracce registrate in modalità DIY durante il 2025, poi mixate e masterizzate presso SPVN Studio. Un suono pesante, diretto, che fonde l’aggressività cruda dei primi Duemila con riff metallici più massicci e breakdown pronti a esplodere live. Una rivisitazione contemporanea dell’intensità old school, alimentata dall’energia delle nuove generazioni hardcore.

“Nice Shoes” anticipa l’EP di debutto previsto per questa primavera e sarà disponibile dal 20 febbraio su tutte le piattaforme di streaming e su Bandcamp. Contenuti visual su YouTube e Instagram seguiranno il lancio.

Se questo è solo il secondo colpo, l’EP promette di essere una detonazione controllata nel cuore della scena

Ascolta "Nice Shoes"

Spaventapassere – “Enoclitech”: dodici dosi di punk rock terapeutico dalla Valle del Rubicone

C’è chi va in terapia. C’è chi corre. E poi ci sono gli Spaventapassere, che dal 2010 trasformano la quotidianità in chitarre sparate e ritornelli da urlare sotto palco. Il 18 febbraio 2026 segna il ritorno della band romagnola con “Enoclitech”, quarto album in studio, fuori per Arrosti Records, Flamingo Records, Rumori in Cantina Records e Decibel Records.

Dodici tracce, dodici fendenti melodici, dodici storie che raccontano la vita di provincia con ironia affilata e zero filtri. Il loro marchio di fabbrica resta intatto: punk rock melodico, testi in italiano, attitudine DIY cucita addosso come una toppa sulla giacca di jeans.

Punk rock terapeutico, ma senza ricetta medica

Gli Spaventapassere lo chiamano “punk rock terapeutico”. Non è uno slogan, è un metodo di sopravvivenza. Dentro Enoclitech convivono sarcasmo, frustrazione, leggerezza e quella capacità tutta romagnola di sdrammatizzare anche quando la realtà prova a farti lo sgambetto.

L’album era stato anticipato dai singoli “Romualdo” (2025) e “Maremmano” (2026), entrambi accompagnati da videoclip, che avevano già acceso la miccia tra fan storici e nuovi curiosi. Brani diretti, ritmiche serrate e cori che sembrano nati per essere cantati con una birra in mano e la voce un filo troppo alta.

Nel disco trova spazio anche un featuring che allarga il respiro sonoro: nella traccia 11, La burdela de bosch, entra la sezione fiati di Iesse, aggiungendo una sfumatura skacore che fa vibrare il pezzo come una festa di paese finita bene.

Nati a Cesena nel 2010, gli Spaventapassere hanno costruito il loro percorso passo dopo passo, palco dopo palco. Dal primo demotape del 2013 fino a dischi come L’Importante è sborrare, Addosso o Contro e Coppe da Bancomat, la band ha macinato oltre 150 concerti in tutta Italia, isole comprese, consolidando una presenza solida nella scena indipendente.

Autoproduzione, supporto di etichette underground, split, compilation, aperture importanti: il loro cammino è quello tipico delle realtà che crescono dal basso, senza scorciatoie, ma con convinzione.

Release party e nuove date

“Enoclitech” è disponibile su tutte le piattaforme digitali e in formato CD. 

La presentazione ufficiale dal vivo è fissata per il 27 febbraio al Resina Drink Lab di Longiano (FC), data che darà il via ai concerti promozionali.

La line up resta quella che negli anni ha cementato il suono della band:

Gianpi – voce, chitarra

Sarti – chitarra, voce

Jek – basso, voce

Tava (Mr X) – batteria, cori

Con Enoclitech, gli Spaventapassere non reinventano il punk rock. Lo abitano, lo lucidano, lo riempiono di storie vere e lo restituiscono con la stessa energia di sempre. È un disco che non pretende di salvarti la vita, ma può sicuramente migliorarti la serata. E a volte basta quello. 

- Enoclitech Spotify https://open.spotify.com/int.../album/0Rt7BstH7XhgeE2SJoZYkO

- Enoclitech Bandcamp: https://spaventapassere.bandcamp.com/album/enoclitech

- Sito web: www.spaventapassere.com

- Instagram: https://www.instagram.com/spaventapassere_punkrock/

- Facebook: https://www.facebook.com/gli.spaventapassere

- YouTube: https://www.youtube.com/@spaventapasserepunkrock

Récord Mundial: il nuovo disco ora vive anche in CD e cassetta

Ci sono dischi che nascono per lo streaming. E poi ci sono dischi che pretendono di pesare tra le mani, di graffiare le dita con il cartoncino del digipack, di frusciare dentro un mangianastri come un animale notturno. 

I Récord Mundial hanno deciso di stare dalla parte della materia. Dopo mesi di lavoro sul lancio digitale, la band annuncia l’uscita fisica del loro ultimo lavoro, disponibile ora in CD e in una tiratura limitatissima su cassetta, con distribuzione completamente indipendente.

Un gesto che è quasi una dichiarazione politica: la musica non è solo un file, ma un oggetto da custodire, scambiare, spedire, infilare nello zaino prima di un concerto. 

Full Length in CD Digipack

Il disco esce in formato CD digipack, coeditato da:

Chivani Records

Zaragoza Desorden

Tasty Records

La produzione è stata curata da Factoría del Ruiu, a garanzia di un’edizione pensata nei dettagli, non come semplice supporto ma come estensione visiva e tattile delle canzoni.

Singles in cassetta – edizione molto limitata

Per chi ama il romanticismo magnetico del nastro, arrivano anche i singoli in cassetta, coeditati da:

Chivani Records

Tasty Records

Le cassette sono state realizzate da Cintas Nómadas e saranno disponibili in quantità ridottissime. Oggetti per collezionisti, ma anche per chi considera il “click” del tasto play un piccolo rito personale.

Dove trovarlo

Il disco è acquistabile tramite lo shop online di Tasty Records, con spedizioni in tutta la Spagna. Per invii o scambi internazionali è possibile contattare direttamente l’etichetta.

In un’epoca che consuma tutto con uno swipe, i Récord Mundial scelgono la lentezza, il dettaglio, il peso specifico delle cose. E ricordano che il punk, prima di essere playlist, è sempre stato carta stampata, mani sporche di colla, pacchi spediti con amore e ostinazione.

https://tastyrecords.bigcartel.com/product/un-tenso-optimismo

Kauz Of Affliction, ritorno a quattro zampe con “I Just Wanna Hang With My Dog”

Ci sono giorni in cui il mondo sembra un open space pieno di notifiche, aspettative e conversazioni inutili. 

E poi c’è il cane, che ti guarda come se fossi l’unico essere umano degno di esistere. È da questo cortocircuito emotivo che nasce “I Just Wanna Hang With My Dog”, il nuovo singolo dei Kauz Of Affliction: una scheggia punk cruda e senza filtri, che preferisce l’odore del pelo bagnato al profumo stantio delle convenzioni sociali.

Il brano è corto, veloce, diretto. Nessun giro di parole, nessun compromesso. Chitarre serrate, voce aggressiva, sezione ritmica che corre come un levriero liberato dal guinzaglio. L’attitudine è quella di sempre, viscerale e onesta, ma con una vena sarcastica ancora più marcata. Il titolo suona quasi come una battuta, ma dentro c’è tutto: burnout, disconnessione, voglia di sparire dal radar collettivo e restare solo con chi ti è fedele senza chiedere spiegazioni.

“I Just Wanna Hang With My Dog” è un dito medio alle aspettative sociali, ma anche una dichiarazione d’amore alla forma più semplice e pura di lealtà. In un’epoca che ti vuole sempre performante, social, presente, i Kauz Of Affliction scelgono la fuga domestica, il divano sfondato, la passeggiata al parco come atto politico.

Il singolo è stato mixato e masterizzato da Riccardo Daga presso i Titans Lab Recording Studio, garanzia di un suono potente e compatto, che colpisce duro senza perdere nitidezza. L’uscita è targata Too Loud Records, consolidando la sinergia tra band, etichetta e studio.

Ad accompagnare il brano arriva anche un video ufficiale che promette di tradurre in immagini la stessa energia ruvida e senza compromessi della traccia, trasformando il disagio quotidiano in narrazione visiva cruda e coerente con lo spirito del pezzo.

Con “I Just Wanna Hang With My Dog”, i Kauz Of Affliction ribadiscono la loro identità: niente maschere, niente filtri, solo punk rock onesto, suonato forte e chiaro. E se proprio dobbiamo scegliere con chi passare la serata, forse la risposta è già lì, scodinzolante, che aspetta alla porta.

Ascolta: " I Just Wanna Hang With My Dog"

17 artisti reinterpretano i Bright Eyes per Waddafuzz Records

Ci sono band che si ascoltano. E poi ci sono band che si abitano. I Bright Eyes appartengono alla seconda specie: rifugio per giorni storti, specchio incrinato in cui guardarsi senza filtri, voce capace di pronunciare quello che resta bloccato in gola. Da oltre vent’anni il loro songwriting ci ricorda che la fragilità non è un difetto di fabbrica, ma un carburante potentissimo: può diventare rumore, sussurro, catarsi.

Da questa eredità emotiva prende forma un nuovo album tributo pubblicato da Waddafuzz Records: diciassette brani affidati ad artisti italiani e internazionali che hanno scelto di spogliarsi, prima ancora che reinterpretare. Qui le cover non indossano abiti eleganti. Camminano scalze. Sono riletture intime, registrazioni emotive spesso lo fi nello spirito, che trattano le canzoni dei Bright Eyes come pagine di diario da riscrivere nel cuore della notte, con la stanza illuminata solo da una lampadina stanca.

La compilation, curata da Carlo Pinchetti, riunisce un mosaico di sensibilità: Urali, Lowinsky, Andy Kaam, Gigi Giancursi, Right Profile, Dan on the Moon, Soviet Malpensa, Jim Mannez, Bleak Streak, Tum, Carlo Pinchetti, Ed, Jet Black Hair, Long White Clouds, swan•seas, Girless. Un elenco che sembra una costellazione indie, dove ogni nome brilla con una luce diversa ma partecipa alla stessa orbita emotiva.

C’è chi asciuga gli arrangiamenti fino a lasciarne solo l’ossatura, chi dilata i silenzi, chi sporca le melodie con una grana più ruvida. L’obiettivo non è replicare la forma originale, ma custodirne l’essenza. È un disco coeso nella sensibilità, ma vario nei linguaggi: folk che si fa confessione, indie rock che vibra sottopelle, ballate che respirano lente come polmoni dopo un pianto liberatorio.

Tra i brani già ascoltabili spiccano “Jejune Stars” nella versione di Lowinsky e “You Will” reinterpretata da Ed, due esempi di come queste canzoni possano cambiare pelle senza perdere anima. Non si tratta di nostalgia, ma di continuità emotiva: le canzoni dei Bright Eyes diventano materia viva, attraversano nuove mani, nuove stanze, nuove solitudini.

Artwork firmato da Giorgia Barbieri, perfettamente in linea con l’atmosfera raccolta e viscerale del progetto.

Un album da ascoltare in cuffia, quando il mondo fuori sembra troppo silenzioso o eccessivamente rumoroso. Un omaggio che non celebra soltanto una band, ma un modo di sentire, fragile e feroce insieme.

Ascolta "Waste of paint"

PUNK IN VALLEY #4: Sabato 21 Febbraio l’underground piemontese infiamma la Val di Susa

In Val di Susa il punk non è solo un genere, è una scossa tellurica che risale i tornanti e fa vibrare i vetri. E sabato 21 febbraio quella scossa avrà un nome preciso: PUNK IN VALLEY #4.

FMS Fck MainStream e la Taverna Tortuga tornano a unire le forze per il quarto capitolo di un appuntamento che, stagione dopo stagione, si sta ritagliando uno spazio necessario per chi vive l’underground come linguaggio quotidiano. Dalle realtà emergenti alle firme che hanno scritto pagine importanti della scena piemontese e nazionale, l’attitudine resta la stessa: palco basso, volume alto, zero compromessi.

Direttamente da Torino, gli OH DiE! arrivano alla loro prima data ufficiale con la nuova formazione. E basta leggere i nomi per capire che non si tratta di un progetto qualsiasi: Paolo degli Arturo, Tino dei C.O.V. e Nitto dei Linea 77. Una sorta di supergruppo sabaudo che mette insieme esperienza, visione e una fame ancora intatta.

Il loro primo disco, “OH DiE! OR DiE!”, ha già messo in chiaro le coordinate: brani in larga parte strumentali, batteria e basso a guidare la carica, un tessuto elettronico a saldare rock pesante, new wave e pulsazioni techno. Una miscela densa, che non si limita a spingere ma stratifica.

Ora la band è al lavoro sul nuovo album, in uscita nel 2026, che vedrà Nitto alla voce in pianta stabile. L’ingombro sonoro si allarga, le linee vocali oscillano tra rap serrato ed esplosioni melodiche, e da quello che si è potuto ascoltare in anteprima il risultato promette di essere una detonazione controllata. Dal vivo, il rischio di crepe nei muri del Tortuga è tutt’altro che simbolico.

A condividere il palco ci saranno i THE SOFT SEERS, quattro ragazzi di Bra (CN), vincitori del contest al Torino Comix ideato dal Joey’s Garage. Post punk e alt rock che guardano a The Velvet Underground, Joy Division e The Cure senza trasformare le influenze in reliquie.

C’è tensione, c’è atmosfera, ma anche una freschezza che evita la nostalgia da museo. La loro presenza aggiunge un contrappunto interessante alla furia più contaminata degli OH DiE!, costruendo una line up che gioca su dinamiche diverse ma complementari.

Info utili

PUNK IN VALLEY #4

Sabato 21 febbraio

Taverna Tortuga – fraz. Vernetto 18q, Chianocco (Valle di Susa, Torino)

A pertura locale ore 18.30

Inizio live ore 22.00

Ingresso libero

Possibilità di prenotare cena

Prenotazioni cena (solo WhatsApp):

351 3993564 / 345 3758402

Info line: 377 3172575 (RENO)

Mail: punkreno@yahoo.it

In un’epoca in cui tutto tende a diventare algoritmo e playlist, serate come questa ricordano che il punk resta soprattutto una questione fisica. Sudore, casse che tremano, sguardi che si incrociano sotto il palco. In Valle, per una notte, l’underground torna a essere superficie viva.