Coconut Planters: “One More Day” è il nuovo singolo che apre le porte a Unpopular Opinion

C’è un attimo sospeso tra il rumore del mondo e il primo colpo di rullante. Un attimo in cui tutto sembra franare… finché non attacchi il primo accordo. È lì che nascono le canzoni che contano davvero. Ed è esattamente lì che prende forma “One More Day”, il nuovo singolo dei Coconut Planters.

Primo estratto dal prossimo album Unpopular Opinion, il brano è un concentrato di energia e verità, una scarica di melodic hardcore punk che mescola impatto emotivo e tensione catartica. È il suono di una band che ha attraversato cambiamenti, pause forzate e traiettorie divergenti, ma che ha scelto di ritrovarsi dove tutto ha senso: sul palco.

“One More Day” è una dichiarazione d’intenti che colpisce in due direzioni opposte e complementari: pugno nello stomaco e abbraccio collettivo. Racconta il ritorno, la resistenza, il bisogno quasi fisico di continuare a esserci. Ancora un giorno. Ancora più forte.

Dal punto di vista sonoro, i Coconut Planters affondano le mani nella tradizione anni ’90 di Fat Wreck Chords ed Epitaph, ma senza suonare nostalgici. Qui c’è evoluzione, c’è compattezza, c’è una scrittura più matura. La sezione ritmica corre senza guardarsi indietro, mentre le linee vocali si fanno più stratificate e incisive. E poi c’è la chitarra solista, precisa e affilata come una lama ben oliata.

Non è solo una questione di suono. È anche un passaggio chiave nella storia della band: “One More Day” è il primo singolo con Thomas alla voce solista, affiancato da Teo alla chitarra ritmica e seconda voce. Una scelta che ridefinisce gli equilibri interni e permette a ogni elemento di respirare meglio, sia in studio che dal vivo. Il risultato è tangibile: più dinamica, più profondità, più identità.

Eppure, questo è solo un assaggio. Unpopular Opinion promette di espandere ulteriormente il linguaggio della band, mantenendo intatta quella fame viscerale che li accompagna fin dagli inizi.

Attivi dal 2018, i Coconut Planters nascono dall’incontro tra amici cresciuti a pane e punk rock anni ’90. Dopo l’EP omonimo del 2020 e il primo LP Upset Hopes del 2021 (Flamingo Records), hanno continuato a macinare chilometri e palco, recuperando il tempo perso e costruendo passo dopo passo una credibilità solida, senza scorciatoie. Dal Punk Rock Raduno alle ultime release, il loro percorso è sempre stato coerente, diretto, reale.

Con “One More Day” entrano ufficialmente in una nuova fase: stessa anima, ma con una spinta diversa, più consapevole, più affilata.

E se questo è solo l’inizio, conviene restare nei paraggi.

Perché la sensazione è una sola: stavolta potrebbero davvero fare il salto.

Ancora un giorno. Ancora più forte.

LINK AL SINGOLO

https://youtu.be/yeFhJ6uzxRM?si=L0Ic2Sxr7P_2sBf0

Gab De La Vega torna in Canada: 26 date in puro spirito DIY per “Life Burns”

C’è chi fa tour e chi costruisce ponti. Gab De La Vega rientra decisamente nella seconda categoria. Il cantautore bresciano annuncia un nuovo, intenso tour solista in Canada a supporto del suo ultimo album Life Burns, confermando un legame ormai profondo con il Paese nordamericano.

Il viaggio partirà il 17 maggio dal Pouzza Fest di Montreal, uno degli appuntamenti più importanti per la scena punk internazionale, per poi snodarsi tra Quebec e Ontario con una lunga serie di concerti in solo acustico. Tra le tappe più significative spicca Toronto, città che Gab considera ormai una seconda casa, dove tornerà a esibirsi alla storica Horseshoe Tavern, locale simbolo della musica canadese. Il tour proseguirà poi verso ovest, segnando anche il debutto in Alberta. In totale: 26 concerti in circa un mese, come una lunga corsa contro il tempo, chitarra in spalla e chilometri negli occhi.

“È sempre speciale tornare in Canada. Questo tour rappresenta molto per me, soprattutto perché mi porterà anche in luoghi dove non ho mai suonato prima”, racconta Gab.

Interamente autoprodotto, il tour è l’ennesima dimostrazione dell’etica DIY che accompagna da sempre il percorso dell’artista. Un lavoro costruito pezzo dopo pezzo, tra contatti diretti, amicizie e collaborazioni nate lungo la strada. Un approccio autentico che rende ogni data qualcosa di unico, lontano dai meccanismi più patinati dell’industria.

“È incredibile pensare che canzoni scritte a Brescia possano viaggiare così lontano e prendere quasi vita propria.”

Nel corso degli anni, Gab De La Vega ha portato la sua musica in oltre 20 Paesi tra Europa, UK, Nord e Sud America, condividendo il palco con nomi del calibro di Frank Turner, Against Me!, Laura Jane Grace, PUP, Chuck Ragan e molti altri. Parallelamente al percorso solista, continua anche l’attività con la sua band, The Open Cages.

Pubblicato nel marzo 2024, Life Burns ha raccolto ottimi riscontri e rappresenta una sintesi potente del suo percorso artistico: radici punk e hardcore, attitudine folk e un’urgenza espressiva che trova nella dimensione acustica una nuova profondità. Non a caso, durante questo tour, i brani verranno riproposti in versioni alternative, più intime e dirette.

Ad accompagnarlo in alcune date ci saranno anche Fast Eddie (dal 21 al 24 maggio) e James Renton per le tappe in Alberta (dal 9 all’11 giugno), a rendere il viaggio ancora più condiviso.

Di seguito tutte le date del tour canadese:

TOUR DATES 17.5 Montreal, QC – Pouzza Fest

18.5 Montreal, QC – City Sessions MTL

20.5 Toronto, ON – The Horseshoe Tavern

21.5 London, ON – Supply and Demand

22.5 Windsor, ON – Meteor

23.5 Cambridge, ON – The Odd Farm Festival

24.5 Niagara Falls, ON – No Tell Cocktail

25.5 St Catherines, ON – Dive Pub

26.5 Guelph, ON – Royal Cat Records

27.5 Millbrook, ON – TBD

28.5 Hamilton, ON – Doors Pub

29.5 Deseronto, ON – Upper Canada Opera House

30.5 Belleville, ON – The Belle Pub

31.5 Vankleek Hill – Beau's Brewery

2.6 Cornwall, ON – Buds Records

3.6 Quebec City, QC – Le Knock-Out

4.6 Trois Rivieres, QC – Cafe Bar Zenob

5.6 Thetford Mines, QC – Des Haldes

6.6 Sherbrooke, QC – Le Murdoch

7.6 Ottawa, ON – Avant-Garde

9.6 Edmonton, AB – The Buckingham

10.6 Red Deer, AB – Vin L Den

11.6 Drumheller, AB – TBD

12.6 High Rivers – The Vinyl Cafè

13.6 Medicine Hat – Alternative Waves Music Fest

14.6 Medicine Hat – The Yard

Nel frattempo, è disponibile anche il suo ultimo singolo acustico, una cover di “No Cigar” dei Millencolin, che anticipa perfettamente l’atmosfera di questo tour: essenziale, diretto, senza filtri.

Guarda il video di “No Cigar” qui:

https://youtu.be/ELVX3ur6xRg

Un tour che non è solo una serie di concerti, ma una traiettoria viva: da Brescia al Canada, passando per ogni palco disposto ad accogliere storie vere, suonate senza rete.

SHONAN: doppio singolo “All I Know” e “I Don’t Wanna Be Here”

C’è un momento preciso in cui una band decide di smettere di girarci intorno e tornare a colpire dritto allo stomaco. Per gli  quel momento ha una data: 6 maggio. Dopo due anni di silenzio discografico, il trio parmigiano riaccende gli amplificatori e annuncia l’uscita di due nuovi singoli, “All I Know” e “I Don’t Wanna Be Here”, primo capitolo di una serie di quattro release previste nei prossimi mesi.

Il messaggio è chiaro fin dal primo accordo: ritorno al punk rock più diretto, nervoso, essenziale. Ma non aspettatevi un’operazione nostalgia. Dentro questi due brani scorre ancora quella vena irrequieta che ha sempre spinto gli Shonan a sporcarsi le mani con influenze alternative e soluzioni meno scontate. Il risultato? Due pezzi che mordono e allo stesso tempo si divertono a cambiare traiettoria mentre corrono.

“I Don’t Wanna Be Here”, come racconta Arcu, è probabilmente il brano più veloce mai pubblicato dalla band: una scarica di adrenalina che non lascia spazio al respiro.

 “All I Know” invece è un treno lanciato senza freni, carico ed energico, costruito per non fermarsi mai. Entrambi i singoli portano con sé testi attraversati da disagio e voglia di riscatto, ma senza perdere quella componente liberatoria che trasforma ogni ascolto in un invito al pogo.

“Non vediamo l’ora di suonare queste canzoni live, siamo molto contenti di come suonano e di come sono nate. […] Nonostante i testi lascino trasparire un disagio e una necessità di riscatto ormai costante, credo siano due canzoni molto divertenti, da ballare e pogare. Non potevamo pensare ad un modo migliore per tornare a farci sentire.”

(Arcu)

Ad accompagnare l’uscita ci saranno anche due videoclip, disponibili dal day one su YouTube e sui canali social della band. Un doppio impatto, visivo e sonoro, pensato per segnare un ritorno che non vuole passare inosservato.

BIO

Gli Shonan nascono a Parma nel febbraio 2011, in una stanza sotterranea che diventa presto il loro laboratorio sonoro. In poco tempo accumulano materiale sufficiente per uscire allo scoperto e iniziare un’intensa attività live che li porterà sui palchi di tutta Italia. Il loro sound è un incrocio ruvido tra punk e hard rock, mentre i testi pescano a fondo nell’autobiografia, senza filtri.

Nel corso degli anni pubblicano il disco Farewells & Pillows, i singoli Uh, Sha La La La! e Fall From Grace, seguiti da She’s A Wolf (2018). A ottobre 2021 esce il secondo album Kriminals!, anticipato dai singoli Rocky Roberts e Suburban Hayez. Nel 2024 la band esplora territori tra punk e alternative rock con Play Me Something, Playing With Fire e We Were Given Too Little Time.

Ora, nel 2026, il cerchio si chiude e si riapre insieme: con “All I Know” e “I Don’t Wanna Be Here” gli Shonan tornano al punto di partenza, ma con più cicatrici, più velocità e ancora più fame.

Preparatevi: il pogo sta per ricominciare.

https://linktr.ee/shonanpunkrock?utm_source=ig&utm_medium=social&utm_content=link_in_bio&fbclid=PAb21jcARnKXNleHRuA2FlbQIxMQBzcnRjBmFwcF9pZA81NjcwNjczNDMzNTI0MjcAAafHJzmZD1Huc7Ce-OATD7SI3S6krSYiNHDzLdVyzb-Sa2HZ9pN2gcjWtYBnxg_aem_tCfdswJwQGAZ9lde7wxcTw

Brescia Rude Nite: il punk torna a incendiare il C.S.A. Magazzino 47

Brescia si prepara a riaccendere le casse e le coscienze: sabato 9 maggio 2026 il C.S.A. Magazzino 47 torna a pulsare con una nuova edizione della Brescia Rude Nite, una di quelle serate che non chiedono permesso ma entrano dritte nello stomaco. Dalle 20.00 si aprono le porte, dalle 21.30 si accendono gli amplificatori: il punk, quello vivo e sudato, è pronto a riprendersi il suo spazio.

Sul palco una line-up che sembra un viaggio attraverso le diverse anime della scena:

Ad aprire la serata ci pensano i Sud Disorder, che portano con sé il vento caldo e ruvido di Taranto. La loro musica è figlia dell’acciaio e delle contraddizioni, un hardcore che racconta battaglie quotidiane e orizzonti difficili da decifrare. Dai primi passi nel 2013 fino all’ultimo album “Strategie”, il loro percorso è una corsa senza freni tra rabbia e consapevolezza.

A seguire gli Stiglitz, nati nel 2019 e cresciuti tra amicizia e birre condivise sotto il segno dell’Oi!. Dopo la demo in piena pandemia e l’EP “Déjà Vu”, la band ha consolidato il proprio suono con il debut album “Quando tutto tace” (2025), un lavoro che ha trovato subito terreno fertile tra gli appassionati del genere.

Spazio poi agli Osaka Flu, nome che evoca epidemie ma che in realtà diffonde solo vibrazioni sonore ibride: indie, punk e cantautorato si intrecciano in un racconto personale e in continua evoluzione. Attivi dal 2010, con quattro album alle spalle, portano sul palco chilometri di esperienza e una scrittura che guarda il mondo senza filtri.

A chiudere il cerchio gli FBL, realtà fresca ma già radicata nello spirito street punk bresciano. Nati nel 2025 tra amicizie, viaggi e militanza politica, incarnano l’urgenza di dire qualcosa, qui e ora, senza troppi giri di parole.

L’ingresso è a sottoscrizione (8 euro), con cucina attiva per tutta la serata tra panini, opzioni vegan e patatine, mentre il bar e la Libreria 47 restano punti fermi per chi cerca ristoro o nuove letture.

La Brescia Rude Nite non è solo un concerto: è uno spazio condiviso, costruito su rispetto e partecipazione. Le regole sono chiare, scritte come graffiti su un muro che non vuole essere cancellato: dentro solo chi porta rispetto, fuori ogni forma di odio, discriminazione e violenza.

Una notte che promette di essere rumorosa, necessaria, e decisamente viva.

Eudaimonia, il debutto di Picciony tra nostalgia dei ’90 e cantautorato 3.0

C’è un punto preciso, da qualche parte tra una VHS mangiata dal videoregistratore e uno scroll infinito su TikTok, in cui nasce Eudaimonia. Ed è lì che Picciony piazza la sua bandiera sghemba e luminosa.

Il primo album del progetto di Marco Piccioni, fuori dal 24 aprile per Redgoldgreen Label, è un debutto che non chiede permesso: prende il concetto aristotelico di felicità realizzata e lo scaraventa dentro un presente iperconnesso, rumoroso, spesso disumanizzante. 

Il risultato è un disco che vibra come un cavo scoperto, sospeso tra memoria analogica e vertigine digitale.

Dopo aver calcato palchi in tutta Europa con realtà come Talco e Maleducazione Alcolica, Piccioni riparte da zero con un progetto che è tutto fuorché nostalgico. Eudaimonia non si limita a guardare indietro: smonta, ricompone e reimmagina. Dalle cassette a Spotify, da MySpace a Instagram, ogni riferimento diventa materiale vivo, plastico, pronto a essere manipolato.

Il linguaggio è volutamente saturo, quasi kitsch, come una giacca troppo colorata indossata in un mondo in bianco e nero. Ma sotto quella superficie sgargiante si nasconde una lama affilata: una riflessione sulla perdita di autenticità, sull’emotività compressa in una galleria dello smartphone, sulla creatività che rischia di diventare un prodotto lucido e senz’anima.

Le sette tracce del disco si muovono come creature ibride. “Il Matto” apre le danze mescolando dubstep, rock ed electro con un’energia scomposta e teatrale. “Non me ne frega un beep” gioca con il pop più leggero, sabotandolo dall’interno con inserti elettronici e chitarre. “30 anni” è una fotografia malinconica che sa di cantautorato aggiornato al firmware 3.0.

Poi arriva “Allez Chèrie”, con la sua pulsazione dance-funk che sembra provenire da una pista da ballo fuori dal tempo, mentre “Vedrai” alterna intimità e aperture da cantare a pieni polmoni. “Sono nel prime” si muove come una preghiera laica, recitata e poi esplosa in un ritornello rock. A chiudere, la title track: un incastro di pop e tensione elettronica che sfocia in un refrain quasi EDM, come se il cuore battesse dentro una macchina.

Attorno a Picciony, una squadra che funziona come un laboratorio sonoro: Emidio Mazzilli al basso, Gabriele Biagi alla chitarra, Gaia Ruffini alla voce, Riccardo Schiavoni tra cori e piano e Alberto Monsignori alla batteria. Insieme costruiscono un suono che tiene insieme carne e circuito, pelle e pixel.

Il messaggio è chiaro, anche quando si nasconde dietro ironia e paradossi: salvare l’imperfezione. Difendere l’errore come ultimo rifugio umano in un mondo che tende alla perfezione artificiale. Non è un caso che il videoclip, firmato dall’artista visiva Asia Lupo, trasformi materiali artigianali in visioni digitali disturbate, tra glitch, VHS consumate e suggestioni da analog horror.

In Eudaimonia l’errore diventa linguaggio, estetica, dichiarazione politica. Un piccolo cortocircuito necessario. Perché forse, oggi, essere davvero vivi significa proprio questo: non funzionare alla perfezione.

Ascolta "Eudaimonia"

https://open.spotify.com/intl-it/album/2Ajqeq5lDzRWSQcMwS9JGp 

https://youtu.be/v7wstt6vBeUv

https://www.instagram.com/picciony.glitchparty/

The Spitters – Fake Brutal: velocità, nervi scoperti e zero filtro

C’è un punto preciso in cui il garage-punk smette di essere solo sudore e diventa una specie di radiografia sociale. Fake Brutal, quinto album dei The Spitters, vive esattamente lì: un motore acceso al massimo che, invece di limitarsi a correre, osserva il paesaggio che brucia ai lati della strada.

Formati a Tolone nel 2013 dall’asse creativo tra Maxime Richard e Dorian Lahais-Cazalé, gli Spitters hanno costruito negli anni una reputazione solida, fatta di live incendiari e una presenza costante nei circuiti che contano. Con Barny e Sloog a completare la formazione, il quartetto ha affinato un suono che pesca dalla furia del punk ’77 e la spinge dentro un’estetica più contemporanea, nervosa, quasi tagliente al tatto.

Fake Brutal è il loro lavoro più compatto e, allo stesso tempo, più consapevole. Tredici tracce che non chiedono permesso: riff serrati, ritmi che sembrano inseguirti e una produzione che tiene tutto in bilico tra caos controllato e immediatezza. Il contributo di Mike Curtis al mix si sente, così come la rifinitura finale agli Abbey Road Studios, ma senza mai sterilizzare l’urgenza della band. Qui non c’è patina: solo benzina.

Se il suono corre, i testi non stanno fermi. Gli Spitters infilano sotto pelle una critica lucida alla superficialità contemporanea, a quel rumore costante che confonde più di quanto comunichi. Eppure, tra le crepe, si intravede qualcosa: una tensione verso un’uscita, una possibilità. Non è ottimismo facile, è più un segnale intermittente nel buio.

Le coordinate sonore restano fedeli al loro DNA, ma si percepisce un passo avanti. Non solo per l’energia, che resta una firma, ma per una scrittura più mirata, meno istintiva e più consapevole del bersaglio. È garage-punk che pesta duro, sì, ma con gli occhi aperti.

Condividere palchi con nomi come The Hives, Ty Segall e Bad Nerves non è un caso, così come non lo è la loro presenza in festival come l’Hellfest: gli Spitters sono una band che funziona perché non cerca scorciatoie. Fake Brutal lo conferma senza mezzi termini.

Un disco che corre, graffia e ogni tanto si ferma quel tanto che basta per farti capire dove sei finito. Poi riparte. E non guarda indietro.

Ascolta "Fake Brutal"

Preferisco Ignazio fuori i singoli "Miretti" e "Lanterna"

I Preferisco Ignazio iniziano a scoprire le carte del loro primo album, atteso nella seconda metà del 2026, e lo fanno con due singoli che sembrano provenire dallo stesso universo ma parlare lingue diverse. “Miretti” e “Lanterna”, usciti il 1° maggio, sono come due stanze comunicanti: in una si urla, nell’altra si trattiene il respiro.

“Miretti” è un pugno allo stomaco travestito da canzone. Dentro c’è tutta la frizione del crescere, quel momento in cui smetti di essere “promessa” e diventi qualcuno che deve fare i conti con il peso degli errori. Niente più alibi, niente più sconti. Il brano corre su riff nervosi che flirtano con il math-rock, sostenuti da una sezione ritmica serrata, per poi aprirsi in ritornelli di chiara matrice punk. È tensione che si accumula e poi esplode, senza chiedere permesso.

“Lanterna”, invece, cambia prospettiva e temperatura. È il lato notturno della band: basso portante, chitarre dilatate tra riverberi e delay, e un’atmosfera sospesa che sembra galleggiare sopra il caos. Qui la domanda è più grande e più scomoda: come si tiene insieme la propria vita mentre il mondo sembra sgretolarsi? La risposta non è una soluzione, ma un’immagine potente: una luce fragile, quasi irraggiungibile, che però resta accesa. La canzone diventa rifugio, una lanterna in mezzo a un paesaggio pieno di ombre.

Con queste due uscite, i Preferisco Ignazio definiscono subito coordinate chiare: urgenza emotiva, ricerca sonora e una scrittura che non ha paura di guardare dritto nelle crepe. Se questo è l’inizio, il disco in arrivo promette di essere un viaggio tutt’altro che confortevole, ma necessario.

Registrazioni curate da Andreas Macri, con produzione, mix e master firmati insieme a Simone Umbaca presso il Cygnus Music Studio. Tra i crediti spicca anche il violino di Caterina Cameron Rea in “Lanterna”, dettaglio che aggiunge ulteriore profondità al brano.

Due tracce, due direzioni, una sola identità che sta prendendo forma. E no, non sembra avere intenzione di passare inosservata.

Ascolta "Miretti" - " Lanterna"

UNIPORN: “Rock Star” è un pugno glam punk contro le aspettative

Un brano che non nasce sul palco, ma tra motori ruggenti e occhi pieni di sogni. “Rock Star” degli UNIPORN prende vita da lì, da un monster truck show visto con i figli, e accelera fino a diventare un inno che travolge la quotidianità.

Il nuovo singolo, uscito il 1° maggio insieme al videoclip ufficiale, è molto più di un brano: è una dichiarazione. Un manifesto femminista che parte dalla vita reale e la trasforma in qualcosa di esplosivo. Al centro c’è Olga, frontwoman della band, e un momento apparentemente semplice: uno show di monster truck visto insieme ai suoi figli. I bambini sognano in grande, si immaginano al volante. E allora scatta la domanda che ribalta tutto: perché non farlo anche da adulti?

Da lì nasce la metafora che guida “Rock Star”. Nel video, un’auto viene schiacciata sotto le ruote di un monster truck: non è solo distruzione, è liberazione. Quella macchina è fatta di aspettative, ruoli imposti, vite già scritte. E il colpo che la manda in frantumi è lo stesso che ti rimette in moto.

Dietro l’energia del pezzo, però, c’è una storia più dura. Olga si è trovata a fare i conti con pressioni concrete: lasciare la musica, restare “al proprio posto”, non esporsi. Poi il cambio di rotta, diventare madre single, e una certezza che si accende come un amplificatore al massimo: mollare non è un’opzione. Da lì prende forma il cuore del brano. Punk rock come spazio di libertà, come linguaggio per raccontare maternità, quotidianità e sogni senza chiedere permesso.

“Rock Star” parla a chi si sente incastrato, a chi combatte ogni giorno contro aspettative invisibili ma pesanti. Soprattutto donne, soprattutto madri, spesso costrette a scegliere tra responsabilità e identità. Qui la risposta è chiara: non devi scegliere. Puoi essere entrambe le cose. Puoi portare il peso del mondo sulle spalle e comunque salire su un palco, urlare, brillare.

Il suono è glam punk diretto, senza fronzoli, con un’energia grezza che tiene insieme rabbia e liberazione. E il video, con alcune scene girate al Sonic Ballroom, amplifica tutto questo immaginario: palco e vita reale che si fondono, senza filtri.

“Rock Star” non promette vie facili, ma apre uno spazio. Anche solo per una notte. Anche solo per una canzone. Ma a volte basta quello per rimettere in discussione tutto.

E ricordarsi che sì, chiunque può essere una rock star. Anche quando nessuno se lo aspetta.

https://youtu.be/TkKQqEA4-fI?is=jtTkV_hzTe1Byfzf

Ascolta "Rock Star"

Die Abete – “Stalker” fuori il nuovo singolo

I Die Abete tornano a mordere. E lo fanno senza chiedere permesso. Dal 1° maggio 2026 sarà disponibile “Stalker”, secondo singolo estratto da Giovani Volpi, il nuovo album in uscita a metà maggio, e già si capisce che qui non si tratta solo di rumore, ma di direzione.

“Stalker” è un brano che pulsa di tensione e consapevolezza, come se la band avesse smesso di correre in cerchio per iniziare finalmente a colpire dritto. Il cuore del pezzo sta tutto lì, in quell’equilibrio fragile tra istinto e lucidità, tra il lasciarsi andare e il prendere il controllo. “Se il mondo è nato per bruciare / allora domineremo le rovine”: una dichiarazione che suona come un manifesto, più che una semplice frase.

Musicalmente, i Die Abete restano fedeli alla loro natura ma con un passo più deciso. Poco più di tre minuti di batterie martellanti e chitarre affilate che si incastrano in riff taglienti, costruendo una struttura compatta e senza respiro. Non c’è spazio per distrazioni: ogni secondo è pensato per spingere, per stringere, per lasciare il segno.

Con “Stalker”, la band di Terni conferma ancora una volta la propria identità nella scena hardcore italiana, ma soprattutto mostra un’evoluzione che non passa inosservata. Se questo è l’assaggio, Giovani Volpi promette di essere un disco che non si limiterà a graffiare, ma che scaverà a fondo.

Ascolta "Stalker"

Harry Fotter – torna “Nient’Altro Che Un Punk Rocker”: terza ristampa per il disco culto

Ci sono dischi che non invecchiano, si limitano a fare giri larghi e tornare quando meno te lo aspetti. È il caso di “Nient’Altro Che Un Punk Rocker” degli Harry Fotter, che dal 1° maggio 2026 torna disponibile in una nuova edizione limitata digipack grazie a Interferenze / Decibel Record Store.

Uscito per la prima volta nel 2014, il disco è diventato negli anni una sorta di reliquia underground del punk rock italiano. Dietro tutto c’è la mente (e le mani) di Daniele Adolfo Venti, che lo ha scritto, registrato e prodotto in totale solitudine, dando vita a un lavoro senza filtri, crudo e diretto come uno schiaffo a freddo.

La sua storia editoriale ha qualcosa di quasi rituale: prima stampa in CD nel 2014, ristampa in vinile nel 2020 e ora, sei anni dopo, una nuova reincarnazione in digipack. Un ciclo che contribuisce a costruire quell’aura quasi mitologica che circonda il disco, come se riemergesse periodicamente per ricordare da dove arriva certa urgenza punk.

Dentro ci sono 16 tracce che oscillano tra rabbia e confessione, tra istinto e memoria. Brani come Generazione Punk 80/86, Bipolare o Avrei Non Voluto Conoscerti Mai sono diventati piccoli inni per chi vive il genere come qualcosa di più di un suono. E poi c’è Quanto Ti Vedrei Morire, forse il momento più controverso, accompagnato da un video che all’epoca ha diviso e fatto discutere, alimentando ulteriormente la natura provocatoria del progetto.

“Nient’Altro Che Un Punk Rocker” resta, a oltre dieci anni dalla sua uscita, il punto più alto e rappresentativo degli Harry Fotter: un disco che non cerca compromessi, che corre veloce e lascia addosso quell’odore di sudore e sincerità tipico delle cose fatte per necessità, non per strategia.

La ristampa 2026 sarà disponibile in copie limitate esclusivamente tramite lo store ufficiale di Decibel Record Store. Un’altra occasione per recuperare (o riscoprire) un album che, nel suo piccolo, ha scritto una pagina importante dell’underground italiano.

https://decibelrecordstore.com/

“Voices” è il nuovo singolo di Dead Rituals.

“Voices” è il nuovo singolo di Dead Rituals e si muove su un filo teso tra impatto e atmosfera. Il brano unisce un’anima punk, fatta di chitarre ruvide e ritmo serrato, a sfumature shoegaze più eteree, creando un contrasto che funziona e tiene alta la tensione dall’inizio alla fine.

Il progetto, guidato dall’artista e produttore Andrea Caccese, nasce come spazio aperto alla collaborazione, e in questo caso vede la partecipazione di Charlie Amendola (No Drip, Silly Sam) alla batteria, capace di dare ulteriore spinta e dinamica al pezzo.

“Voices” è disponibile ora su tutte le piattaforme, Bandcamp e YouTube.

https://push.fm/fl/i628q8q0

No Good – "Botte" è il nuovo singolo

C’è chi sale sul palco e suona. E poi ci sono i No Good, che ci salgono come se dovessero prendere colpi per salvarsi la pelle. “Botte”, il nuovo singolo uscito il 24 aprile 2026, è esattamente questo: tre minuti con il fiato corto, le mani serrate e la sensazione che il gong non arrivi mai.

Terzo estratto dall’album in arrivo nel 2026, “Botte” continua a costruire l’identità di una band che non ha paura di sporcarsi le mani. Il pezzo gioca su una doppia immagine potente: da una parte il pugile che incassa e resiste round dopo round, dall’altra un uomo intrappolato nella spirale della dipendenza. Due lotte diverse, stesso verdetto incerto. Nessuno sa se si arriva in piedi alla fine.

Il testo si muove tra riferimenti cinematografici e icone consumate dagli eccessi, mescolando immaginario e realtà con una lucidità che non consola. Non è solo racconto: è una specie di specchio rotto puntato addosso a chi guarda senza intervenire, a una società che resta sugli spalti mentre qualcuno affonda.

Musicalmente, i No Good restano fedeli al loro punk rock diretto e nervoso, senza fronzoli. Il suono è tagliente, immediato, costruito per funzionare tanto sotto palco quanto nelle cuffie, con quell’energia che li ha già resi una presenza solida nel circuito live del Nord Italia.

Nati a Udine nel 2019, i No Good hanno macinato concerti e chilometri, dividendo il palco con nomi noti della scena italiana e costruendosi un seguito sempre più affezionato. Tra passamontagna bianchi e comunicazione ironica sui social, la band ha trovato un equilibrio interessante tra immagine e sostanza, senza perdere mordente.

“Botte” non è solo un altro singolo: è un colpo ben assestato, di quelli che lasciano il segno anche dopo l’ultimo ascolto. E se questo è l’antipasto, il disco in arrivo potrebbe essere un match da non perdere.

Ascolta "Botte"

The Post Seasons pubblicano il video di “Rat Race”

Dopo la premiere su Idioteq, i The Post Seasons rendono disponibile su YouTube il loro primo video ufficiale, accompagnando uno dei brani più significativi del disco d’esordio Songs For The Sound Guy. E non è un semplice videoclip: è una piccola capsula del tempo che graffia.

Realizzato da Carlo Pinchetti, il video prende vita da materiali dei Prelinger Archives, rielaborando vecchi filmati industriali, educativi e pubblicitari dell’America del dopoguerra. Il risultato è volutamente ruvido, quasi polveroso, come una pellicola dimenticata in un cassetto che torna a parlare. Una scelta estetica che si incastra perfettamente con il cuore del brano.

“Rat Race” è infatti il lato più personale e disilluso della band. Una chitarra lenta e malinconica apre la strada a un racconto che sa di routine, aspettative tradite e realtà che presenta il conto senza sconti. Il verso centrale colpisce come una sveglia troppo presto al mattino: una riflessione amara sulla vita adulta, destinata a risuonare soprattutto in chi ha già qualche anno sulle spalle e certe illusioni le ha viste sciogliersi.

Anche il video segue questa traiettoria: niente patinature, niente comfort. Solo immagini riassemblate con un’estetica spontanea e diretta, che amplifica il senso di alienazione e urgenza già presente nel pezzo.

Il brano è tratto da Songs For The Sound Guy, album di debutto della band, pubblicato da Waddafuzz Records, RocketMan Records e Scuderie Ducali Records. Un disco nato di getto, scritto e registrato a poche settimane dalla formazione del gruppo, che cattura tutta l’energia creativa dei membri coinvolti.

I The Post Seasons si muovono tra indie e punk rock, costruendo canzoni dirette e cariche di emotività, senza filtri né compromessi. Un progetto nato dall’incontro di musicisti già rodati nella scena indipendente, che qui trovano una sintesi urgente e sincera.

E se dovessero presentarsi da soli, probabilmente lo farebbero così: veterani indie senza freni, più Braulio che glitter, troppo testardi per smettere e troppo rumorosi per passare inosservati.

“Rat Race” è ora disponibile su YouTube. Un video da guardare senza aspettarsi consolazione. Solo verità, un po’ storta, ma tremendamente familiare.

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Bandcamp
 

Tropical Tennis – “Che giorno è”: energia punk e malinconia sottopelle

Il nuovo singolo dei Tropical Tennis, “Che giorno è”, parte veloce ma non è solo corsa: sotto la superficie lascia spazio a qualcosa di più fragile.

Il brano alterna strofe più contenute e quasi sospese a ritornelli che esplodono in pieno stile punk rock californiano anni ’90. 

Chitarre melodiche, ritmo serrato e una scrittura semplice ma efficace tengono tutto in equilibrio, senza strafare. È diretto, ma non superficiale.

Il vero punto sta nel contrasto: mentre la musica spinge e sembra leggera, il testo racconta una relazione che si perde col tempo, tra disillusione e nostalgia. Quel senso di smarrimento che dà anche il titolo diventa il filo conduttore del pezzo.

I Tropical Tennis restano fedeli alla loro attitudine DIY, con un approccio più misurato rispetto al classico skate punk sparato. Qui c’è più respiro, più attenzione alle dinamiche.

Dopo “Bad Choice” (2021) e “Tropical Tennis” (2023), questo singolo anticipa il terzo album previsto per l’estate 2026 e mostra una band che sa evolversi senza perdere identità: meno solo velocità, più consapevolezza.

Ascolta "Che giorno è"

Link band:

https://linktr.ee/tropicaltennisband

Already Buried – è uscito in digitale l’EP di debutto “Bad Things Happen and People Get Hurt”

Quindici minuti scarsi, zero fronzoli e un impatto che arriva come un pugno nello stomaco. Gli Already Buried esordiscono con “Bad Things Happen and People Get Hurt”, un EP che non perde tempo a spiegarsi e va dritto al punto, tra riff metallici, breakdown e un’urgenza che sa di sala prove sudata e live imminenti.

Formati a Milano nell’aprile 2024, con alle spalle esperienze in realtà importanti della scena hardcore italiana come Abel Is Dying e To The Embers, gli Already Buried non sono qui per ripetersi. Il loro debut EP, uscito il 23 aprile 2026 in digitale, è una dichiarazione d’intenti netta: riprendere l’urgenza dell’hardcore anni ’90 e 2000 e spingerla in avanti, senza feticismi vintage.

Il risultato? Sei tracce per poco più di quindici minuti che colpiscono dritte, senza deviazioni. Hardcore ruvido, compatto, con innesti groove metal che rendono il suono più pesante e dinamico. Breakdown solidi, riff metallici e una componente vocale aggressiva che sembra fatta apposta per essere urlata sotto palco, sudore contro sudore.

Registrato in modalità DIY durante il 2025 e rifinito allo SPVN Studio, l’EP mantiene un equilibrio interessante tra crudezza e precisione. Non c’è patina inutile: tutto è costruito sull’impatto immediato. I due singoli già noti, “Mirror Lies” e “Nice Shoes”, funzionano da porta d’ingresso, ma è l’insieme che definisce davvero l’identità della band.

A rendere il tutto ancora più particolare è l’immaginario che accompagna il lavoro: estratti dal cult “Grosso guaio a Chinatown” si intrecciano tra le tracce, creando un universo sospeso tra misticismo orientale e attitudine da antieroi anni ’80. Un tocco che non è semplice citazione, ma parte integrante del mood.

L’EP è già disponibile su tutte le piattaforme streaming, mentre per chi ama l’oggetto fisico arriva anche una chicca: dal 31 maggio sarà disponibile un vinile 12” verde fluo trasparente, limitato a 100 copie. Un pezzo pensato per chi vive l’hardcore anche come collezione, oltre che come esperienza.

Con “Bad Things Happen and People Get Hurt”, gli Already Buried firmano un debutto diretto e senza compromessi. Niente nostalgia sterile, niente revival da cartolina: solo energia, intenzione e una chiara voglia di spingersi oltre. E nei contesti giusti, questi sei brani potrebbero fare parecchio rumore.

Ascolta “Bad Things Happen and People Get Hurt”

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The Rebel Poets – “Irish Blood, Fenian Heart”: il singolo che anticipa l'album di futura uscita “Smells Like Sixsteen Spirit”

Ci sono canzoni che non nascono per stare ferme. Camminano, marciano, a volte sembrano quasi battere i pugni sul tavolo della storia. “Irish Blood, Fenian Heart”, il nuovo singolo dei The Rebel Poets, è una di quelle. Non una semplice uscita, ma una dichiarazione di intenti con il cuore verde e le vene cariche di memoria.

Il progetto guidato da Andrea Rock è tornato il 24 aprile 2026 con un brano che affonda le radici nella tradizione delle rebel songs irlandesi, ma le strappa via dal passato per rimetterle in circolo oggi, tra tensioni globali e identità che cercano voce. Il titolo è già un manifesto: sangue irlandese, cuore feniano. E dentro, tutta la storia di chi ha lottato per autodeterminarsi.

Il pezzo si muove su coordinate precise: racconta i feniani, figure spesso dipinte come nemici dalla narrazione britannica, ma fondamentali per accendere la miccia che portò alla Rivolta di Pasqua del 1916.

Non è un caso che la data di uscita coincida simbolicamente con quell’anniversario. Qui la musica diventa calendario, memoria attiva, quasi rituale.

Ma non è solo storia. I Rebel Poets lavorano su un doppio binario: da una parte recuperano il linguaggio e lo spirito delle canzoni ribelli, dall’altra lo contaminano con un’attitudine punk e metal che dà al tutto un’energia ruvida, contemporanea. Il risultato è un brano che non suona come una rievocazione, ma come una presa di posizione.

A rendere il tutto ancora più vivido ci pensa il violino di Lorena Vezzaro, che attraversa il pezzo come una lama melodica, portando dentro il suono un respiro folk che non sa di nostalgia, ma di identità viva. La produzione, curata tra diverse sessioni e finalizzata all’Attitude Studio di Milano, tiene insieme le anime del progetto senza smussarne gli spigoli.

Anche l’immaginario visivo segue la stessa direzione: la copertina firmata da Alberto Bocca mescola estetica politica d’inizio Novecento con un taglio street contemporaneo, creando un ponte tra epoche che sembra parlare la stessa lingua della musica.

“Irish Blood, Fenian Heart” è anche un anticipo di quello che arriverà con l’album “Smells Like Sixsteen Spirit”, previsto entro fine anno. Se questo è il primo assaggio, ci si può aspettare un lavoro che non ha paura di sporcarsi le mani con la storia e con il presente.

Nel frattempo, la band porterà questo spirito anche dal vivo, tra festival celtici e palchi italiani, dove queste canzoni probabilmente troveranno la loro dimensione più naturale: quella collettiva, sudata, condivisa.

Non è solo un singolo. È una scintilla che continua a cercare ossigeno.

ASCOLTA IL SINGOLO: https://youtu.be/FF2qvnJdS_0?si=2aHc8yqxvfDcJn3u

Jerry Moovers – “Mostri” è il primo tuffo nel nuovo EP “72% VOL.”

C’è una scatola di scarpe da qualche parte, piena di biglietti sgualciti, ricordi storti e piccoli fantasmi che non vogliono saperne di sloggiare. I Jerry Moovers la aprono senza paura e ci costruiscono dentro “Mostri”, il nuovo singolo in uscita il 24 aprile 2026, primo assaggio del prossimo EP “72% VOL.”.

Il brano si muove su coordinate ben note alla band bergamasca: punk rock diretto, senza filtri, con quella ruvidità emotiva che non cerca di piacere a tutti ma arriva dritta dove deve. “Mostri” è una confessione a denti stretti, una resa dei conti con il passato che torna a bussare ogni volta che si abbassa la guardia. Tra armadi svuotati e ricordi che restano incollati addosso, il pezzo scava nelle crepe personali e le trasforma in qualcosa di rumoroso e vivo.

Il testo è un flusso sincero e disarmante: c’è chi prova a lasciarsi alle spalle pezzi di sé, chi cerca rifugio nell’alcol, chi continua a rovistare tra i resti per capire cosa salvare. I “mostri” del titolo non sono altro che tutto ciò che ci portiamo dietro: errori, dipendenze, nostalgia. E quella scatola di scarpe diventa un simbolo potente, quasi un santuario storto dove convivono memoria e autodistruzione.

Registrato, mixato e prodotto da Fabio Intraina al Trai Studio nel 2025, il singolo è sostenuto dalle etichette indipendenti Gasterecords e Duff Records, e si presenta come il manifesto perfetto della nuova fase della band.

Attivi dal 2011, con oltre 200 concerti alle spalle, i Jerry Moovers continuano a macinare chilometri e storie, restando fedeli a un’idea semplice e testarda di punk rock: veloce, diretto, umano. Dopo dischi come “Nel Bene o nel Male”, “A Cresta Alta” e “Maschere & Illusioni”, fino all’EP “I Funerali”, il percorso li porta oggi verso “72% VOL.”, un lavoro che promette di alzare ulteriormente la gradazione emotiva.

“Mostri” non addolcisce niente: è uno specchio sporco, da guardare fino in fondo al bicchiere. E se ci trovi qualcosa che ti somiglia, probabilmente è proprio lì che voleva arrivare.

Ascolta "Mostri"

Still No One – “The Witness”: il terzo singolo dal nuovo EP di prossima uscita

Gli Still No One tornano venerdì 24 aprile con “The Witness”, terzo singolo estratto dal prossimo EP. Dopo i primi brani più diretti, la band sceglie questa volta di rallentare il passo, senza però perdere la propria identità.

“The Witness” si distingue infatti per un approccio più lento e controllato, mantenendo comunque quel DNA punk rock che caratterizza il progetto. Le chitarre restano presenti ma meno taglienti, la sezione ritmica si muove con maggiore misura e la voce si adatta a un registro più riflessivo, lasciando spazio al significato del testo.

Il brano affronta il tema dell’incapacità di prendere decisioni importanti, di quel blocco che porta a restare fermi mentre la propria vita scorre davanti agli occhi. Una condizione raccontata senza esplodere, ma con una lucidità più trattenuta, che rende il messaggio ancora più diretto.

I riferimenti allo skatepunk della South Bay anni ’90 rimangono sullo sfondo, ma “The Witness” mostra come gli Still No One sappiano lavorare anche sulle dinamiche, inserendo variazioni che arricchiscono il percorso verso l’EP.

Questo terzo singolo funziona così come un momento di respiro all’interno della loro produzione: una pausa che non interrompe, ma anzi rafforza la corsa, aggiungendo profondità e varietà al suono della band.

Gli Still No One continuano a costruire il loro cammino passo dopo passo, dimostrando che anche rallentare, a volte, è una scelta precisa.

Ascolta "The Witness"

Duracel – “Duemilauno”: Fuori il singolo che anticipa l'omonimo Ep

Certe canzoni non bussano, sfondano la porta. “Duemilauno” dei Duracel è una di quelle: arriva il 24 aprile con singolo e video, e non ha nessuna intenzione di farsi mettere in ordine tra nostalgia e revival. Qui c’è polvere vera, presa direttamente dagli anni in cui tutto sembrava una gara a chi brillava di più… e qualcuno, invece, sceglieva deliberatamente di stare all’ombra.

Il 2001 raccontato dai Duracel non è un ricordo patinato: è un campo di battaglia sociale fatto di truzzi, marchi ostentati e confini ridicoli tra “fighi” e “sfigati”. In mezzo, una generazione che viveva di squillini, SMS compressi e Summer Card Omnitel, ma soprattutto di identità da difendere. Non per moda, ma per istinto. E loro quella linea l’hanno tracciata senza esitazioni.

Due anni dopo, nel 2003, quella tensione diventa musica: nascono i Duracel, e da lì parte una doppia vita. Da una parte i palchi, l’attenzione, il rispetto apparente. Dall’altra, un retrogusto più amaro: lo sguardo di chi ti applaude ma ti considera comunque un fenomeno da baraccone. Finché la giostra gira, sei dentro. Quando scendi, il silenzio è totale. Nessun “come stai?”, nessuna “famiglia”, nessuna fratellanza.

“Duemilauno” è la radiografia di quell’abbandono. Non fa sconti, non cerca redenzioni. È una cronologia emotiva che parte dal personale e si allarga fino a diventare collettiva. Non è un bilancio, non è nostalgia: è una presa di posizione netta su ciò che non si è mai stati e non si sarà mai.

Musicalmente, il pezzo resta fedele alla linea Duracel: punk rock diretto, nervoso, senza filtri. Una scarica che non ha bisogno di lucidarsi le scarpe prima di uscire. Il video accompagna questo ritorno con la stessa attitudine: niente fronzoli, solo sostanza e identità.

Oltre vent’anni di attività, tour, dischi e zero compromessi. Premiati al MEI di Faenza nel 2009 come miglior punk band italiana, passati per le pagine di Rocksound e infilati in compilation di mezzo mondo: i Duracel non tornano per riprendersi qualcosa. Tornano perché non se ne sono mai davvero andati.

“Duemilauno” anticipa un EP che porta lo stesso nome. Ma, come dicono loro, la notizia non è il disco. La notizia è che adesso bisogna fare i conti, di nuovo, con loro.

E stavolta non c’è modo di ignorarli.

Ascolta "Duemilauno"

Fu-Yu: “Pangea” è il nuovo singolo che anticipa l’album di debutto

Dalla scena di Albacete arriva un’altra scintilla pronta a diventare incendio: i Fu-Yu pubblicano “Pangea”, secondo singolo che anticipa il debut album “El Incendio”, in uscita il 1° maggio. Dopo “La Caída”, la band alza il tiro e piazza un brano che non si limita a correre veloce, ma affonda i denti nella realtà.

“Pangea” racconta una storia dura, senza filtri: quella di un migrante costretto a lasciare il proprio paese in cerca di un futuro, trovandosi davanti muri, ostacoli e cicatrici che non si vedono ma pesano. Il punk rock melodico dei Fu-Yu qui diventa un veicolo diretto, quasi una fionda emotiva che scaglia parole contro le ingiustizie contemporanee.

Il pezzo è stato registrato, mixato e masterizzato da Juanan López presso i Baboon Records, che firma anche la produzione. Il risultato è compatto, ruvido al punto giusto, con quella patina melodica che ti resta addosso mentre il testo continua a lavorarti dentro.

Nati nel 2024, i Fu-Yu sono un incastro di esperienze provenienti da altre band della città come Drollery, Insaniam e Gerba Monkey. La formazione vede Javi alla voce, Junior e Manu alle chitarre (e cori), Chicho al basso (e cori) e Alex alla batteria. Insieme costruiscono un suono che guarda al punk rock melodico spagnolo, con richiami a nomi come Desakato o Periferia, ma con una direzione ben piantata nel presente.

“El Incendio” promette nove tracce che non fanno sconti: storie sociali, rabbia lucida e una scrittura che punta dritta al bersaglio. “Pangea” è il secondo tassello, e già lascia intravedere un disco che potrebbe fare rumore, quello giusto.

Se cercate un brano che non si limiti a suonare, ma che abbia qualcosa da dire mentre vi spinge in avanti, “Pangea” è il posto giusto dove premere play.

Ascolta "Pangea"

https://youtu.be/ndrjMbllVD4?is=GtGQCPsFajV4ATfG

25 aprile al Circolino: punk acustico e resistenza sonora a Scarpizzolo

C’è un modo sincero e decisamente fuori dagli schemi per celebrare la Festa della Liberazione: sedersi a un tavolo, ordinare qualcosa da bere e lasciarsi attraversare da chitarre spoglie e voci senza filtro. 

Succede al Circolino di Scarpizzolo (BS), dove il 25 aprile si accende in versione acustica ma con lo spirito punk ben saldo sotto pelle.

Dalle 18:30 si parte con RuSsU, nome legato a progetti come Totale Apatia e Rossodannata. Il suo set promette un viaggio essenziale, quasi da falò urbano: corde tirate, parole dritte, zero orpelli.

A seguire, spazio a Dani Danno Marceca, volto e voce di Pornoriviste e Yokoano. Qui l’acustico non significa addomesticato: significa piuttosto ridotto all’osso, dove ogni strofa pesa il doppio e ogni silenzio vibra come un feedback invisibile.

L’atmosfera è quella giusta per chi cerca musica viva, senza barriere tra palco e pubblico. Un piccolo rito collettivo in cui il punk si siede, si spoglia dell’elettricità e continua comunque a mordere.

Ingresso riservato ai soci Arci, con possibilità di tesseramento direttamente in loco (10€).

Prenotazione tavoli: 339 167 2828.

Una serata che non ha bisogno di volume per farsi sentire lontano.

The Post Seasons hanno pubblicato il primo album “Songs For The Sound Guy”

Non c’è alcun riscaldamento qui: Songs For The Sound Guy parte subito, come una band che attacca il primo pezzo mentre metà del pubblico sta ancora ordinando da bere. L’esordio dei The Post Seasons non costruisce atmosfera, la travolge. È un disco che nasce già in movimento, senza introduzioni e senza scuse.

Il quartetto nasce da gente che la scena indie se l’è già fatta addosso e addosso agli altri, tra nomi come Glass Cosmos, Panamas e Lowinsky. Qui però non c’è voglia di ricostruire, né di rifinire troppo: c’è semmai l’urgenza di buttare giù qualcosa che stia in piedi da sola, anche se traballa. Anzi, meglio se traballa.

Il disco è stato scritto e registrato nel giro di poche settimane, e si sente. Ma nel senso giusto. Le canzoni arrivano dritte, senza anticamera, con quella miscela di indie rock e punk che non cerca di essere elegante ma efficace. Chitarre che graffiano senza fare scena, ritmiche serrate, e una tensione emotiva che non viene mai addomesticata.

Il riferimento ai The Paddingtons non è casuale: c’è la stessa attitudine diretta, lo stesso gusto per i brani che ti prendono per il colletto e non ti mollano. Ma dentro Songs For The Sound Guy c’è anche una componente più disillusa, quasi cinica, che si incastra tra le pieghe dei pezzi e li rende meno prevedibili di quanto sembrino al primo ascolto.

La band si racconta con ironia, tirando in ballo New York Dolls, The Replacements e Jets to Brazil, ma la verità è che i Post Seasons suonano come qualcuno che non ha più tempo da perdere. Niente nostalgia, niente rincorsa: solo canzoni sparate fuori con quello che hanno, così come viene.

La produzione segue la stessa filosofia: registrato da Federico Inguscio al FTS Studio e rifinito da Ettore Gilardoni al Real Sound Studio, il disco mantiene un suono crudo ma leggibile, senza impastare tutto in un muro indistinto. Ogni elemento resta al suo posto, ma senza mai sembrare troppo comodo.

Songs For The Sound Guy è un debutto che non chiede permesso e non cerca approvazione. Funziona proprio perché non si preoccupa di funzionare. È un disco che nasce veloce, corre veloce e ti lascia con quella sensazione addosso di qualcosa di vero, anche se imperfetto.

E a volte è tutto quello che serve.

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