giovedì 26 febbraio 2026

Double Swindle: fuori oggi il video di “There Was a Time”, quando la comfort zone diventa una gabbia


C’è stato un tempo in cui tutto sembrava al suo posto. Ordinato. Stabile. Quasi perfetto. Ma a volte la perfezione è solo un salotto con le finestre chiuse.

I Double Swindle, band punk rock dalla provincia di Treviso, pubblicano oggi il video di “There Was a Time”, un brano che scava sotto la superficie di quella stabilità apparente per raccontare il momento esatto in cui la sicurezza si rivela per quello che è: una gabbia+ comoda, imbottita di abitudini e illusioni.

Il pezzo attraversa una fase della vita in cui pensi di avere tutto sotto controllo, di stringere il mondo tra le dita, mentre in realtà stai solo interpretando una versione di te che non respira davvero. È il classico equilibrio che non scricchiola… finché non ti accorgi che non sei tu a tenerlo in piedi, ma lui a tenere fermo te.

Musicalmente, i Double Swindle spingono sull’acceleratore emotivo: chitarre tese, batteria che pulsa come un pensiero fisso e una linea vocale che alterna consapevolezza e frattura. Il suono accompagna il risveglio raccontato nel testo, passando dalla patina nostalgica alla vertigine della confusione. Eccessi, errori, ricordi sfocati: la fase in cui rompi lo specchio e ti trovi davanti pezzi sparsi di identità.
Poi arriva la lucidità. Non è una fanfara trionfale, è un respiro lungo. È quel momento in cui smetti di idealizzare il passato e scegli il presente, con tutte le sue imperfezioni. “There Was a Time” non demonizza ciò che è stato, ma lo rimette al suo posto: non un paradiso perduto, ma una stanza da cui uscire.

Il video amplifica questo percorso interiore, trasformando il brano in un piccolo film di transizione, tra memoria e consapevolezza. Un nuovo capitolo per la band trevigiana, che continua a raccontare crepe emotive con l’energia diretta e senza filtri del punk rock.
Per chi è
 cresciuto credendo di avere tutto sotto controllo e poi ha dovuto imparare a ricominciare da sé.





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NOTHING OFF MIRROR - “DIGITAL CHAINS” Il primo singolo dall’EP di debutto “Blackout Therapy”


C’è un momento preciso in cui ti accorgi che il rumore non è libertà ma prigione. I Nothing Off Mirror lo trasformano in suono e lo chiamano “Digital Chains”, primo singolo ufficiale estratto dall’EP di debutto “Blackout Therapy”, in uscita il 15 maggio.
Il brano è disponibile dal 20 febbraio con videoclip ufficiale su YouTube e dal 25 febbraio su tutte le piattaforme digitali. È il primo passo di una band nata a Ferrara nel dicembre 2024 ma già con le idee scolpite nel cemento.

“Scrolling down I feel so numb…”
Fin dall’incipit, “Digital Chains” è una dichiarazione di guerra all’alienazione da schermo. Non una predica, ma un pugno. Non una morale, ma uno specchio. Il pezzo fotografa una generazione ipnotizzata dalle notifiche, incastrata in una routine di scroll infinito che svuota più di quanto riempia.
Musicalmente, i Nothing Off Mirror intrecciano riff serrati e taglienti a breakdown che sembrano crepe nell’asfalto. L’impronta è quella del metalcore dei primi anni Duemila, ma la produzione inserisce elementi elettronici e atmosfere quasi cinematografiche che amplificano il senso di oppressione. È come se ogni strofa stringesse il nodo, ogni ritornello provasse a spezzarlo.

“This ain’t the life that we claimed / Tied to these digital chains”
Il chorus è pensato per esplodere sotto palco, ma funziona anche in cuffia, quando la rabbia diventa personale. È uno di quegli hook che ti si incolla addosso e non chiede permesso.
Identità chiara, zero compromessi

La line-up vede Daniele Finardi alla voce, Nicola Giovanardi alla batteria, Nicola Bentivoglio e Simone Cavicchi alle chitarre e Federico Zappaterra al basso. Cinque musicisti con background metalcore e post-hardcore che hanno deciso di tornare alle radici senza suonare nostalgici.

Dopo un anno dedicato interamente alla scrittura, la band ha autoprodotto un EP di cinque tracce che promette di andare oltre il singolo. “Blackout Therapy” non è solo un debutto, ma una presa di posizione: nessuna maschera, nessuna scorciatoia, nessuna catena.
Il videoclip: estetica industriale e identità in frantumi


Il video di “Digital Chains” traduce il concept in immagini fredde, industriali, tagli di luce netti e interferenze visive che richiamano la dipendenza digitale e la perdita di identità. Schermi, glitch, ambientazioni claustrofobiche: musica e immagine viaggiano nella stessa direzione, costruendo fin da subito un immaginario coerente e riconoscibile.

“Digital Chains” è solo il primo capitolo. L’EP in arrivo il 15 maggio approfondirà i temi della disconnessione emotiva e dell’alienazione sociale, ma con uno spiraglio: la possibilità di un risveglio collettivo.

Se questo è l’inizio, i Nothing Off Mirror non stanno bussando alla porta del metalcore italiano. La stanno prendendo a spallate.





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mercoledì 25 febbraio 2026

LOW-L FEST 2026: svelata la lineup completa della settima edizione


C’è chi teme la crisi del settimo anno. Il LOW-L FEST la prende, la guarda negli occhi e le ride in faccia. Dal 19 al 21 giugno 2026 il festival piacentino torna con una nuova casa, il rinnovato TOO di via 24 Maggio 51, e con una lineup che non chiede permesso a nessuno.

A guidare le danze tre headliner che sembrano scelti con il righello dell’intensità. I Nothing porteranno dal vivo il nuovo e attesissimo A Short History of Decay, un titolo che promette malinconie elettriche e muri di suono capaci di piegare l’aria. Dalla Svezia arrivano i Thrown, tra le realtà più incandescenti del metalcore contemporaneo, freschi di sold out al Legend Club di Milano. E poi loro, i newyorkesi Show Me The Body, che trasformano ogni palco in un campo magnetico fuori controllo.
Il resto del bill è un mosaico costruito con cura chirurgica dal collettivo LOW-L. Da Boston arrivano gli Haywire, hardcore nudo e nervoso, lanciati anche dallo split con i Dropkick Murphys. Tornano i Raein, nome che è già storia dell’underground italiano. Dagli Stati Uniti gli Excide porteranno la miscela di grunge, alternative e nu metal del nuovo Bastard Hymns.
E ancora: Jaguero, If I Die Today, la furia grind degli Spleen Flipper, l’impatto di Ozone Dehumanizer, l’hardcore senza filtri di Colliders e Confine, fino alla sperimentazione tagliente del duo Gom Jabbar. E molti altri nomi pronti a completare una tre giorni che si preannuncia come un piccolo atlante dell’urgenza contemporanea.

LOW-L FEST però non è solo palco e sudore. A impreziosire il programma ci sarà Fabio Bortolotti, in arte Kenobit, con la presentazione del suo libro Assalto Alle Piattaforme. Attorno, la consueta galassia di distro, food truck, talk e incontri che trasformano il festival in una comunità temporanea, rumorosa e accogliente.
I Three Day Pass sono già disponibili in tiratura limitata su BigCartel, mentre i biglietti giornalieri arriveranno nelle prossime settimane su DICE.

Segnate le date: 19, 20 e 21 giugno 2026. Piacenza si prepara a diventare un epicentro. E la settima volta, qui, non è una crepa: è un’esplosione controllata.

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The Last Confidence tornano con “Lei”: il lato più pop del loro cuore punk


C’è un momento, nella vita di ogni band punk, in cui invece di tirare pugni al muro decide di scriverci sopra un nome. I The Last Confidence quel nome lo trasformano in un singolo: Lei, fuori dal 24 febbraio, secondo estratto dal nuovo album in arrivo in primavera.

Dopo la carica frontale di Botta, il quartetto bergamasco cambia traiettoria ma non identità. Lei è il brano più immediato e luminoso del disco: meno distorsioni serrate, più spazio alle melodie, un ritornello che si incolla addosso come una toppa cucita male ma con orgoglio. Punk spensierato, sì, ma con quella consapevolezza di chi ha imparato a trasformare l’irrequietezza in coro da urlare sotto palco.

Il pezzo è una dichiarazione d’amore in versione pop punk, costruita su poche parole scelte con precisione chirurgica. Basta un “è un anti-social” per immaginarsi già sotto al palco, sudati, stonati, felici. La band dimostra ancora una volta di saper restare dentro il perimetro delle sonorità che ama, trovando però un varco melodico più ampio, accessibile, quasi radiofonico, senza perdere credibilità.

Alla produzione torna Luca Incerti (Ince) dei WEL, che leviga il suono senza sterilizzarlo. Il risultato è un brano che guarda apertamente a nomi come blink-182, New Found Glory, Neck Deep e No Pressure, ma con un’identità ormai riconoscibile nel panorama italiano.

Ad accompagnare l’uscita, un video diretto da Hélio Gomes, chitarrista della band, che traduce in immagini quell’equilibrio tra leggerezza e nostalgia che attraversa il brano.


Attivi dal 2013, i The Last Confidence hanno costruito negli anni un percorso coerente tra EP, album e un’intensa attività live che li ha portati a dividere il palco anche con realtà internazionali. Dopo aver festeggiato i dieci anni di carriera con 10 YEARS, la band è pronta a voltare pagina con un nuovo disco che promette energia e maturità.
Il prossimo appuntamento dal vivo è fissato per il 21 marzo 2026 al Rock’n’Roll Club di Milano. Se Lei è l’anticipazione, la primavera potrebbe arrivare con chitarre accordate alte e cuori ancora più rumorosi.
Il punk, a volte, sa anche sorridere. E quando lo fa, canta forte.



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martedì 24 febbraio 2026

Thunder Bomber: la rabbia elegante di “A Little Sadness” anticipa il nuovo album “Boys Alive”


C’è una tristezza che non piange. Stringe i denti. Si infila sotto pelle e resta lì, come un motore acceso in folle. I Thunder Bomber la trasformano in carburante nel nuovo singolo “A Little Sadness”, ora disponibile su tutte le piattaforme digitali.
Il brano è il secondo estratto da “Boys Alive”, in uscita il 10 aprile 2026 per Cheat Records e Total 13 Records. E se il titolo potrebbe suggerire malinconie sussurrate, la realtà è ben diversa: questo è probabilmente il pezzo più feroce mai pubblicato dalla band mantovana.

“A Little Sadness” è uno sfogo diretto, nervoso, senza anestesia. Racconta la frustrazione di inciampare sempre negli stessi errori, di rifugiarsi in zone di comfort che promettono protezione e invece diventano gabbie dorate. È quella sottile angoscia che scava lentamente, un tarlo che non fa rumore ma lascia segni profondi. I Thunder Bomber la affrontano a testa bassa, con un brano che suona come una resa dei conti personale e collettiva.
Musicalmente il pezzo è un ritorno alle origini: riff taglienti, attitudine hard rock e un’anima hardcore punk dichiarata, quasi un tributo agli eroi che hanno acceso la miccia nel loro immaginario sonoro. C’è il gusto per l’immediatezza, per la botta secca che arriva dritta allo stomaco, ma anche una consapevolezza maturata nel tempo. È la chiusura di un cerchio che parte dai primissimi brani della band e trova oggi una nuova forma, più compatta e determinata.


Nati a Mantova nel 2009, i Thunder Bomber hanno attraversato cambi di formazione, demo, EP e brani sparsi in compilation, fino alla pubblicazione di “Dan4gerous Pills” nel 2022, raccolta di singoli registrati tra il 2016 e il 2020. Con “ r Alive” la band apre un nuovo capitolo, pronto a confermare la loro identità: sporca il giusto, sincera fino all’osso, allergica ai compromessi.

Ascolta "A Little Sadness"

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Jaguero: identità senza compromessi nel nuovo singolo “Twentyfour7”


I Jaguero tornano con “Twentyfour7”, brano che anticipa il primo full length Make Me Feel Alive Again, in uscita il 10 aprile 2026 per Anchors Aweigh Records.
Ed è uno di quei pezzi che non bussano alla porta. Entrano.

Dopo aver mostrato le due facce della medaglia con “Hold Me Close / Monday”, la band vicentina scava ancora più a fondo, abbandonando ogni comfort zone sonora per inseguire qualcosa di più personale, più crudo, più necessario. “Twentyfour7” nasce da un conflitto che conosciamo bene: restare fedeli a sé stessi mentre il mondo attorno prova a limare gli angoli, addolcire gli spigoli, normalizzare l’anomalia.

Il brano si muove su una linea tesa tra autodeterminazione e bisogno di ricucire. Non è rabbia fine a sé stessa. È tensione emotiva che pulsa sotto pelle, è quel momento in cui scegli di non abbassare la voce per essere più digeribile. Forse è il pezzo più distante dalle coordinate abituali dei Jaguero, ma proprio per questo è quello che oggi li rappresenta meglio: meno etichette, più verità.
Il videoclip, realizzato da Catrame e diretto da Roberto Graziano Moro in collaborazione con Lorenzo Scudiero, amplifica questa dimensione interiore trasformandola in immagini cariche di inquietudine e ricerca. Non semplice accompagnamento visivo, ma estensione emotiva del brano.


Bio:
Nati a Vicenza nel 2021 da membri di Slander, Regarde e La Fortuna, i Jaguero hanno già lasciato tracce importanti con gli EP Worst Weekend Ever (2022) e New Love (2023), prodotti da Maurizio Baggio presso La Distilleria e pubblicati da Epidemic Records. Un percorso che li ha portati dai piccoli club ai festival, sempre con quello spirito viscerale che tiene insieme punk, emo e grunge senza bisogno di dichiarazioni d’intenti.

Con Make Me Feel Alive Again promettono di spingersi ancora oltre, lasciandosi alle spalle i confini di genere per suonare semplicemente ciò che sentono più urgente. Energia, melodia e intensità emotiva restano il loro triangolo sacro, ma il fuoco adesso brucia con una consapevolezza diversa.
“Twentyfour7” è un manifesto personale. È la scelta di camminare a testa alta, anche quando sarebbe più facile adattarsi. E nel 2026, in mezzo a rumori di fondo e copie sbiadite, l’autenticità suona ancora come l’unica vera rivoluzione.





L’album è già disponibile in preorder sul sito di Anchors Aweigh Records
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lunedì 23 febbraio 2026

Fuori “Milano Chiama”, il nuovo singolo di ×hellsanti×


Fuori dal 20 febbraio 2026, “Milano Chiama” è il nuovo singolo di ×hellsanti× e anticipa l’EP in arrivo a marzo. Un titolo che suona come una notifica alle tre di notte: lampeggia, vibra, promette tutto. E forse chiede più di quanto dia.


×hellsanti×, classe ’91, continua a scolpire il suo percorso nell’emo punk italiano con un brano che corre senza guardare il semaforo. Chitarre serrate, batteria che pesta come se avesse un conto in sospeso, un ritornello che si incolla alla testa con la stessa ostinazione delle grandi hit pop punk dei primi Duemila. Ma sotto la superficie catchy si muove una corrente più scura.

“Milano Chiama” è uno sfogo lucido. Rabbia e disillusione si intrecciano nella metafora della città che può consacrarti o consumarti. Milano diventa simbolo di un’industria musicale che promette visibilità e sogni, salvo poi presentare il conto in insonnia, solitudine e instabilità. Non è solo una geografia urbana, è uno stato mentale.

Lo spirito è dichiaratamente DIY, ma non acerbo. Il brano mantiene quella ruvidità sincera che è marchio di fabbrica del genere, senza rinunciare a una scrittura più matura. In questo percorso si inserisce la collaborazione con Hypeless Studio e con Andrea Barone, che accompagna l’artista verso una maggiore coerenza sonora, lasciando intatta la spontaneità delle origini.

Dal debutto nel 2023 con “Non Cambierai”, passando per “Pop-Punk” e “Crush”, ×hellsanti× ha costruito un’identità riconoscibile: diretto, emotivo, allergico ai filtri. Tra il 2023 e il 2025 arrivano “Cado In Piedi”, distribuito da Visory Records, “Alla Fine” e “Mai Come Voi”, brano ispirato alle manifestazioni per la pace in Palestina. Un percorso che alterna introspezione e sguardo sul mondo, sempre con il cuore in mano e l’amplificatore acceso.
Con “Milano Chiama” la città diventa spazio di passaggio. I problemi restano sospesi come cartelloni pubblicitari illuminati nella notte, mentre la musica si trasforma nell’unica direzione possibile. Non c’è una soluzione, ma c’è un’urgenza. E nel pop punk, a volte, è tutto ciò che serve.


 
Link:




https://www.tiktok.com/@hellsanti
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domenica 22 febbraio 2026

È uscito V_WEIRD, il quinto album di Solo1981


C’è un momento in cui le parole non bussano più, sfondano la porta. È da lì che nasce V_WEIRD, quinto album di Solo1981, progetto solista di Stefano Giambastiani, in uscita venerdì 20 febbraio 2026 per Karma Field Records in CD e digitale.

Otto brani, sei in italiano e due in inglese, tra cui due poesie in musica, compongono un disco che attraversa elettronica, post punk e alternative rock con spirito libero e identità marcata. Atmosfere oscure e introspettive si alternano a riff rabbiosi e tastiere visionarie, in un equilibrio instabile che tiene l’ascoltatore sempre sul filo.
V_WEIRD non è un esercizio di stile ma un’esposizione totale. Solo1981 si mette a nudo con un linguaggio che sa essere poetico o diretto, ma mai artificiale. Le liriche scavano nell’animo umano, osservano la società contemporanea e trasformano esperienze personali in materia sonora viva, tra cadute e risalite, errori e consapevolezze.


Su Bandcamp il disco sarà disponibile in digitale con un libretto PDF di 12 pagine contenente i testi completi, per chi vuole entrare ancora più a fondo nelle pieghe delle parole. La promozione estera è affidata a Wanikiya Records & Promotion, partner di Karma Field Records per questa uscita.
«L’obiettivo di questo disco, fortemente emotivo e senza filtri, è lasciare qualcosa e dare una scossa all’ascoltatore. Per me la vita è musica e parole: se le sento dentro, devono uscire», racconta Solo1981.

V_WEIRD è proprio questo: un’urgenza trasformata in suono. Un disco che non cerca di piacere a tutti, ma di arrivare a chi è disposto ad ascoltare davvero. 



SOLO1981




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venerdì 20 febbraio 2026

“Tense Resistance” il nuovo singolo dei Good morning Cernobyl


“Tense Resistance” è l’ultimo singolo dei Good Morning Cernobyl', e suona come un pugno di nervi scoperti nel petto. 

La canzone è un’esplosione nervosa di chitarre taglienti, batteria incalzante e voce che non conosce mezze misure: è un attacco frontale alla staticità, un richiamo alla resistenza individuale in un mondo che tenta di imbrigliarti. In pochi minuti i punk perugini condensano tutta la loro energia cruda e feroce in un mantra di ribellione sonora.

Il brano non cerca compromessi melodici ma vuole farsi sentire, scuotere e lasciare un segno – proprio come fa la scena DIY della band dal 2018, quando i GMC hanno iniziato a portare il loro punk diretto tra Perugia e Milano.


“Tense Resistance” è un esempio di tensione e attitudine: nervi tesi, ritmo che non rallenta mai, e quella sensazione che qui non si cede nemmeno un centimetro. È un singolo che pulsa, vibra e punta dritto alle corde più sensibili di chi ama il punk senza fronzoli.




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Already Buried – “Nice Shoes” Fuori il nuovo singolo che anticipa l'EP di debutto


Due minuti e ventuno secondi. Tanto basta agli Already Buried per trasformare l’aria in cemento armato e le casse in un campo di battaglia. “Nice Shoes”, secondo singolo della band milanese, è hardcore brutale come un pugno in faccia dato senza preavviso, con riff metal che ringhiano e breakdown pronti a far collidere le spalle sotto palco.

Il brano corre veloce, nervoso, costruito su groove pesanti e stacchi taglienti. I ritornelli sono ritmati, ossessivi, da urlare a squarciagola mentre il pavimento vibra sotto lo slam dancing. 

Nel testo si respira un immaginario urbano cupo e decadente, un paesaggio fatto di fantasmi digitali e fede ridotta a notifica push:
“The streets are fucking full of ghosts
I breathe the last remains of God
you have to read his message on your phone”

Ripetizione e martellamento amplificano il senso di disagio e disconnessione. “Nice Shoes” è uno statement chiaro: nessun compromesso, nessuna nostalgia patinata.
Solo avanzare, a testa bassa.


Nati a Milano nell’aprile 2024 dopo un lungo periodo di inattività, gli Already Buried riuniscono membri già coinvolti in realtà influenti della scena hardcore italiana come Abel Is Dying e To The Embers. Il loro obiettivo è stato fin dall’inizio quello di lasciarsi alle spalle il passato musicale per costruire qualcosa di nuovo, ispirato all’hardcore anni ’90 e 2000 ma contaminato da groove metal e da un approccio moderno, dinamico, progressivo
.
Il risultato prende forma in sei tracce registrate in modalità DIY durante il 2025, poi mixate e masterizzate presso SPVN Studio. Un suono pesante, diretto, che fonde l’aggressività cruda dei primi Duemila con riff metallici più massicci e breakdown pronti a esplodere live. Una rivisitazione contemporanea dell’intensità old school, alimentata dall’energia delle nuove generazioni hardcore.

“Nice Shoes” anticipa l’EP di debutto previsto per questa primavera e sarà disponibile dal 20 febbraio su tutte le piattaforme di streaming e su Bandcamp. Contenuti visual su YouTube e Instagram seguiranno il lancio.

Se questo è solo il secondo colpo, l’EP promette di essere una detonazione controllata nel cuore della scena



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giovedì 19 febbraio 2026

Spaventapassere – “Enoclitech”: dodici dosi di punk rock terapeutico dalla Valle del Rubicone


C’è chi va in terapia. C’è chi corre. E poi ci sono gli Spaventapassere, che dal 2010 trasformano la quotidianità in chitarre sparate e ritornelli da urlare sotto palco. Il 18 febbraio 2026 segna il ritorno della band romagnola con “Enoclitech”, quarto album in studio, fuori per Arrosti Records, Flamingo Records, Rumori in Cantina Records e Decibel Records.

Dodici tracce, dodici fendenti melodici, dodici storie che raccontano la vita di provincia con ironia affilata e zero filtri. Il loro marchio di fabbrica resta intatto: punk rock melodico, testi in italiano, attitudine DIY cucita addosso come una toppa sulla giacca di jeans.
Punk rock terapeutico, ma senza ricetta medica
Gli Spaventapassere lo chiamano “punk rock terapeutico”. Non è uno slogan, è un metodo di sopravvivenza. Dentro Enoclitech convivono sarcasmo, frustrazione, leggerezza e quella capacità tutta romagnola di sdrammatizzare anche quando la realtà prova a farti lo sgambetto.

L’album era stato anticipato dai singoli “Romualdo” (2025) e “Maremmano” (2026), entrambi accompagnati da videoclip, che avevano già acceso la miccia tra fan storici e nuovi curiosi. Brani diretti, ritmiche serrate e cori che sembrano nati per essere cantati con una birra in mano e la voce un filo troppo alta.
Nel disco trova spazio anche un featuring che allarga il respiro sonoro: nella traccia 11, La burdela de bosch, entra la sezione fiati di Iesse, aggiungendo una sfumatura skacore che fa vibrare il pezzo come una festa di paese finita bene.


Nati a Cesena nel 2010, gli Spaventapassere hanno costruito il loro percorso passo dopo passo, palco dopo palco. Dal primo demotape del 2013 fino a dischi come L’Importante è sborrare, Addosso o Contro e Coppe da Bancomat, la band ha macinato oltre 150 concerti in tutta Italia, isole comprese, consolidando una presenza solida nella scena indipendente.

Autoproduzione, supporto di etichette underground, split, compilation, aperture importanti: il loro cammino è quello tipico delle realtà che crescono dal basso, senza scorciatoie, ma con convinzione.
Release party e nuove date
“Enoclitech” è disponibile su tutte le piattaforme digitali e in formato CD. 

La presentazione ufficiale dal vivo è fissata per il 27 febbraio al Resina Drink Lab di Longiano (FC), data che darà il via ai concerti promozionali.
La line up resta quella che negli anni ha cementato il suono della band:
Gianpi – voce, chitarra
Sarti – chitarra, voce
Jek – basso, voce
Tava (Mr X) – batteria, cori

Con Enoclitech, gli Spaventapassere non reinventano il punk rock. Lo abitano, lo lucidano, lo riempiono di storie vere e lo restituiscono con la stessa energia di sempre. È un disco che non pretende di salvarti la vita, ma può sicuramente migliorarti la serata. E a volte basta quello. 






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mercoledì 18 febbraio 2026

Récord Mundial: il nuovo disco ora vive anche in CD e cassetta


Ci sono dischi che nascono per lo streaming. E poi ci sono dischi che pretendono di pesare tra le mani, di graffiare le dita con il cartoncino del digipack, di frusciare dentro un mangianastri come un animale notturno. 

I Récord Mundial hanno deciso di stare dalla parte della materia. Dopo mesi di lavoro sul lancio digitale, la band annuncia l’uscita fisica del loro ultimo lavoro, disponibile ora in CD e in una tiratura limitatissima su cassetta, con distribuzione completamente indipendente.
Un gesto che è quasi una dichiarazione politica: la musica non è solo un file, ma un oggetto da custodire, scambiare, spedire, infilare nello zaino prima di un concerto. 


Full Length in CD Digipack
Il disco esce in formato CD digipack, coeditato da:
Chivani Records
Zaragoza Desorden
Tasty Records
La produzione è stata curata da Factoría del Ruiu, a garanzia di un’edizione pensata nei dettagli, non come semplice supporto ma come estensione visiva e tattile delle canzoni.

Singles in cassetta – edizione molto limitata

Per chi ama il romanticismo magnetico del nastro, arrivano anche i singoli in cassetta, coeditati da:
Chivani Records
Tasty Records

Le cassette sono state realizzate da Cintas Nómadas e saranno disponibili in quantità ridottissime. Oggetti per collezionisti, ma anche per chi considera il “click” del tasto play un piccolo rito personale.
Dove trovarlo
Il disco è acquistabile tramite lo shop online di Tasty Records, con spedizioni in tutta la Spagna. Per invii o scambi internazionali è possibile contattare direttamente l’etichetta.
In un’epoca che consuma tutto con uno swipe, i Récord Mundial scelgono la lentezza, il dettaglio, il peso specifico delle cose. E ricordano che il punk, prima di essere playlist, è sempre stato carta stampata, mani sporche di colla, pacchi spediti con amore e ostinazione.

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Kauz Of Affliction, ritorno a quattro zampe con “I Just Wanna Hang With My Dog”


Ci sono giorni in cui il mondo sembra un open space pieno di notifiche, aspettative e conversazioni inutili. 

E poi c’è il cane, che ti guarda come se fossi l’unico essere umano degno di esistere. È da questo cortocircuito emotivo che nasce “I Just Wanna Hang With My Dog”, il nuovo singolo dei Kauz Of Affliction: una scheggia punk cruda e senza filtri, che preferisce l’odore del pelo bagnato al profumo stantio delle convenzioni sociali.

Il brano è corto, veloce, diretto. Nessun giro di parole, nessun compromesso. Chitarre serrate, voce aggressiva, sezione ritmica che corre come un levriero liberato dal guinzaglio. L’attitudine è quella di sempre, viscerale e onesta, ma con una vena sarcastica ancora più marcata. Il titolo suona quasi come una battuta, ma dentro c’è tutto: burnout, disconnessione, voglia di sparire dal radar collettivo e restare solo con chi ti è fedele senza chiedere spiegazioni.


“I Just Wanna Hang With My Dog” è un dito medio alle aspettative sociali, ma anche una dichiarazione d’amore alla forma più semplice e pura di lealtà. In un’epoca che ti vuole sempre performante, social, presente, i Kauz Of Affliction scelgono la fuga domestica, il divano sfondato, la passeggiata al parco come atto politico.
Il singolo è stato mixato e masterizzato da Riccardo Daga presso i Titans Lab Recording Studio, garanzia di un suono potente e compatto, che colpisce duro senza perdere nitidezza. L’uscita è targata Too Loud Records, consolidando la sinergia tra band, etichetta e studio.




Ad accompagnare il brano arriva anche un video ufficiale che promette di tradurre in immagini la stessa energia ruvida e senza compromessi della traccia, trasformando il disagio quotidiano in narrazione visiva cruda e coerente con lo spirito del pezzo.
Con “I Just Wanna Hang With My Dog”, i Kauz Of Affliction ribadiscono la loro identità: niente maschere, niente filtri, solo punk rock onesto, suonato forte e chiaro. E se proprio dobbiamo scegliere con chi passare la serata, forse la risposta è già lì, scodinzolante, che aspetta alla porta.



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martedì 17 febbraio 2026

17 artisti reinterpretano i Bright Eyes per Waddafuzz Records


Ci sono band che si ascoltano. E poi ci sono band che si abitano. I Bright Eyes appartengono alla seconda specie: rifugio per giorni storti, specchio incrinato in cui guardarsi senza filtri, voce capace di pronunciare quello che resta bloccato in gola. Da oltre vent’anni il loro songwriting ci ricorda che la fragilità non è un difetto di fabbrica, ma un carburante potentissimo: può diventare rumore, sussurro, catarsi.

Da questa eredità emotiva prende forma un nuovo album tributo pubblicato da Waddafuzz Records: diciassette brani affidati ad artisti italiani e internazionali che hanno scelto di spogliarsi, prima ancora che reinterpretare. Qui le cover non indossano abiti eleganti. Camminano scalze. Sono riletture intime, registrazioni emotive spesso lo fi nello spirito, che trattano le canzoni dei Bright Eyes come pagine di diario da riscrivere nel cuore della notte, con la stanza illuminata solo da una lampadina stanca.

La compilation, curata da Carlo Pinchetti, riunisce un mosaico di sensibilità: Urali, Lowinsky, Andy Kaam, Gigi Giancursi, Right Profile, Dan on the Moon, Soviet Malpensa, Jim Mannez, Bleak Streak, Tum, Carlo Pinchetti, Ed, Jet Black Hair, Long White Clouds, swan•seas, Girless. Un elenco che sembra una costellazione indie, dove ogni nome brilla con una luce diversa ma partecipa alla stessa orbita emotiva.

C’è chi asciuga gli arrangiamenti fino a lasciarne solo l’ossatura, chi dilata i silenzi, chi sporca le melodie con una grana più ruvida. L’obiettivo non è replicare la forma originale, ma custodirne l’essenza. È un disco coeso nella sensibilità, ma vario nei linguaggi: folk che si fa confessione, indie rock che vibra sottopelle, ballate che respirano lente come polmoni dopo un pianto liberatorio.

Tra i brani già ascoltabili spiccano “Jejune Stars” nella versione di Lowinsky e “You Will” reinterpretata da Ed, due esempi di come queste canzoni possano cambiare pelle senza perdere anima. Non si tratta di nostalgia, ma di continuità emotiva: le canzoni dei Bright Eyes diventano materia viva, attraversano nuove mani, nuove stanze, nuove solitudini.

Artwork firmato da Giorgia Barbieri, perfettamente in linea con l’atmosfera raccolta e viscerale del progetto.
Un album da ascoltare in cuffia, quando il mondo fuori sembra troppo silenzioso o eccessivamente rumoroso. Un omaggio che non celebra soltanto una band, ma un modo di sentire, fragile e feroce insieme.

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PUNK IN VALLEY #4: Sabato 21 Febbraio l’underground piemontese infiamma la Val di Susa


In Val di Susa il punk non è solo un genere, è una scossa tellurica che risale i tornanti e fa vibrare i vetri. E sabato 21 febbraio quella scossa avrà un nome preciso: PUNK IN VALLEY #4.

FMS Fck MainStream e la Taverna Tortuga tornano a unire le forze per il quarto capitolo di un appuntamento che, stagione dopo stagione, si sta ritagliando uno spazio necessario per chi vive l’underground come linguaggio quotidiano. Dalle realtà emergenti alle firme che hanno scritto pagine importanti della scena piemontese e nazionale, l’attitudine resta la stessa: palco basso, volume alto, zero compromessi.

Direttamente da Torino, gli OH DiE! arrivano alla loro prima data ufficiale con la nuova formazione. E basta leggere i nomi per capire che non si tratta di un progetto qualsiasi: Paolo degli Arturo, Tino dei C.O.V. e Nitto dei Linea 77. Una sorta di supergruppo sabaudo che mette insieme esperienza, visione e una fame ancora intatta.
Il loro primo disco, “OH DiE! OR DiE!”, ha già messo in chiaro le coordinate: brani in larga parte strumentali, batteria e basso a guidare la carica, un tessuto elettronico a saldare rock pesante, new wave e pulsazioni techno. Una miscela densa, che non si limita a spingere ma stratifica.
Ora la band è al lavoro sul nuovo album, in uscita nel 2026, che vedrà Nitto alla voce in pianta stabile. L’ingombro sonoro si allarga, le linee vocali oscillano tra rap serrato ed esplosioni melodiche, e da quello che si è potuto ascoltare in anteprima il risultato promette di essere una detonazione controllata. Dal vivo, il rischio di crepe nei muri del Tortuga è tutt’altro che simbolico.

A condividere il palco ci saranno i THE SOFT SEERS, quattro ragazzi di Bra (CN), vincitori del contest al Torino Comix ideato dal Joey’s Garage. Post punk e alt rock che guardano a The Velvet Underground, Joy Division e The Cure senza trasformare le influenze in reliquie.
C’è tensione, c’è atmosfera, ma anche una freschezza che evita la nostalgia da museo. La loro presenza aggiunge un contrappunto interessante alla furia più contaminata degli OH DiE!, costruendo una line up che gioca su dinamiche diverse ma complementari.

Info utili

PUNK IN VALLEY #4
Sabato 21 febbraio
Taverna Tortuga – fraz. Vernetto 18q, Chianocco (Valle di Susa, Torino)

A pertura locale ore 18.30
Inizio live ore 22.00
Ingresso libero
Possibilità di prenotare cena
Prenotazioni cena (solo WhatsApp):
351 3993564 / 345 3758402
Info line: 377 3172575 (RENO)
Mail: punkreno@yahoo.it

In un’epoca in cui tutto tende a diventare algoritmo e playlist, serate come questa ricordano che il punk resta soprattutto una questione fisica. Sudore, casse che tremano, sguardi che si incrociano sotto il palco. In Valle, per una notte, l’underground torna a essere superficie viva.

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sabato 14 febbraio 2026

Io e i Gomma Gommas: “Felicità” diventa pogo per i 25 anni di carriera


Osimo alza il volume e si infila le ginocchiere. Io e i Gomma Gommas celebrano 25 anni di attività con una scelta che è insieme dichiarazione d’amore e atto vandalico sonoro: la loro versione di Felicità, storico cavallo di battaglia di Al Bano e Romina Power, viene centrifugata in chiave punk e trasformata in un pogo contagioso.

Il risultato è una scarica elettrica che conserva l’innocenza melodica dell’originale ma la veste di chitarre serrate, batteria martellante e cori da urlare con il pugno alzato. Se l’originale era cartolina da villaggio turistico, qui siamo sotto il palco, birra in mano e sorriso largo.
Un disco di cover anni ’80 (con l’elastico tirato al massimo)

“Felicità” è il primo singolo estratto da un album di dieci cover anni Ottanta in uscita in primavera. Un progetto nato e registrato nel Gommastudio, ritagliando tempo tra un concerto e l’altro del 2025, e poi rifinito al Dyne Engine Studio con il mix di Manuele Pesaresi.

Un lavoro che sa di sala prove, amicizia e chilometri macinati insieme, con quell’attitudine DIY che da sempre caratterizza la band marchigiana.

L’idea non è nostalgia, ma riappropriazione: prendere brani entrati nell’immaginario collettivo e farli esplodere in una nuova dimensione, più ruvida, più sudata, più Gommas.

Il videoclip: aerobica, fluo e autoironia
Ad accompagnare il singolo c’è un videoclip che è un tuffo senza salvagente negli anni ’80: colori fluo, look improbabili e una valanga di autoironia.

La band si diverte tra sessioni di aerobica e improbabili esercizi in palestra, trasformando la celebrazione dei 25 anni in un allenamento collettivo a ritmo di power chord.


Tra le comparse spuntano Miché, storico tuttofare del gruppo, e due ex bassisti delle precedenti formazioni, Verdo e Ricca. Un modo per dire che questo traguardo è una festa condivisa, una reunion permanente fatta di facce amiche e storie intrecciate.
“Volevamo celebrare i nostri 25 anni con qualcosa di iconico e ironico: cantate con noi mentre torniamo in forma! Ahahah” raccontano Io e i Gomma Gommas.

E l’invito è chiaro: cantare, saltare, sudare. Perché se la felicità era un bicchiere di vino con un panino, oggi è un ritornello urlato sotto cassa dritta.






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venerdì 13 febbraio 2026

Ændriu – “ARIA”: quando il potere stringe la gola e la musica diventa ossigeno



C’è un momento preciso in cui il rumore smette di essere sottofondo e diventa allarme. Con “ARIA”, il nuovo singolo di Ændriu, quel momento arriva senza bussare: è un pugno lucido, una presa di posizione che non cerca scorciatoie né metafore comode.

Il brano affronta frontalmente il tema della violenza e dell’abuso di potere, puntando il dito contro le derive autoritarie che, anche nei sistemi democratici più consolidati, si insinuano come crepe nell’asfalto. In questo scenario, la repressione diventa linguaggio istituzionale, la forza si traveste da ordine e il dissenso viene trattato come un’anomalia da correggere.

“ARIA” racconta la perdita di libertà come una sottrazione progressiva di spazio vitale. Non è solo una questione politica, è una questione fisica: protestare, dissentire, non allinearsi può significare trovarsi davanti alla stessa risposta, sempre più brutale, fino a togliere ciò che è essenziale. Il respiro. L’aria. Una parola semplice che diventa simbolo primordiale, quasi biologico. Senza aria non si canta, non si urla, non si vive.

Il testo denuncia un modello sociale in cui gli interessi economici e privati sovrastano il bene collettivo, dove il potere si costruisce scudi legislativi su misura e usa la forza come deterrente. Ma il brano non si esaurisce nella rabbia. Dentro la tensione c’è una scintilla di resistenza: l’idea che il silenzio non sia l’unica opzione, che l’unione possa diventare vento contrario, che prima o poi ciò che opprime venga respinto.

Dal punto di vista sonoro, “ARIA” è coerente con la filosofia DIY che da sempre accompagna il progetto Ændriu: diretto, urgente, senza sovrastrutture decorative. Il singolo è stato registrato agli Attitude Studio di Milano da Gianluca Veronal e Alessandro Strada, mixato e masterizzato da Veronal e prodotto da Andrea Botti. Attorno a lui si muove una band solida: Marco Ruggiero alla batteria, Riccardo Ruggiero al basso e Luca Pupino alle chitarre.

Andrea Botti, mente e cuore del progetto, porta con sé un percorso che affonda le radici negli anni Novanta dell’underground milanese. Dalle collaborazioni con i Norelax ai tour europei, fino all’ingresso nei Punkreas nel 2014, la sua traiettoria è quella di chi ha attraversato palchi e retroscena con la stessa intensità.

Parallelamente, ha costruito una carriera dietro le quinte come fonico, tour manager e direttore di produzione, lavorando con artisti come Subsonica, Niccolò Fabi e Baustelle. Un doppio sguardo che rende la sua scrittura ancora più consapevole.
Dopo “Vuoto” del 2025, un’esplosione compatta di ferocia e melodia, “ARIA” conferma la capacità di Ændriu di trasformare osservazione sociale e inquietudine in materia sonora viva, pulsante. Non è un brano che cerca approvazione, ma ascolto attivo. Non chiede consenso, chiede presenza.
In un tempo in cui l’aria sembra rarefatta, Ændriu sceglie di alzare il volume. E ricordare che respirare, oggi, può essere già un atto politico.

ASCOLTA IL SINGOLO:




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Trauma – “Dentro il mio rumore”: il conflitto che diventa detonazione sonora


Venerdì 13 febbraio 2026 non è solo una data sul calendario. È una crepa. Da quella fessura esce “Dentro il mio rumore”, il nuovo singolo dei Trauma, band punk hardcore nata tra Milano e Pavia che continua a trasformare l’inquietudine in materia viva.

Il brano è un viaggio a fari spenti dentro il conflitto interiore. Non quello elegante, da citazione sottolineata. Quello vero. Quello che ti sveglia alle tre di notte e ti lascia con il cuore in modalità overdrive. “Dentro il mio rumore” racconta la fatica di restare in equilibrio mentre la mente accelera, stratifica, implode. Pensieri e tensioni si accavallano fino a creare un frastuono costante, un ronzio che non concede tregua.

La città diventa cassa di risonanza. Luci artificiali, asfalto che riflette ombre, notti che sembrano non finire mai. È in questo scenario che prende forma l’immagine più potente del pezzo: due vite nello stesso respiro. Una che scalpita, rabbiosa, pronta a spaccare tutto pur di sentirsi viva. L’altra che vorrebbe dissolversi, spegnere il volume, sparire dal campo visivo del dolore. 

Dualismo puro, senza filtri.
Musicalmente i Trauma non fanno sconti. Le chitarre sono lame che fendono l’aria, la sezione ritmica corre come un treno senza stazioni intermedie, la voce non interpreta ma si espone, si graffia, si consuma. Nessuna ricerca di abbellimento, nessuna posa. Solo urgenza. Solo necessità. Il suono è nervoso, diretto, coerente con quell’attitudine DIY che accompagna la band fin dagli esordi.

Nati nel 2022 tra Milano e Pavia, i Trauma hanno iniziato registrando un demo in presa diretta, scegliendo fin da subito la via più autentica e meno comoda. I live intensi e un primo album li hanno fatti emergere nella scena underground del Nord Italia, grazie a un equilibrio tra radici old school e sensibilità contemporanea. Al centro, sempre, resistenza e verità.

“Dentro il mio rumore” non offre soluzioni e non promette pace. Fa qualcosa di più importante: riconosce il caos. Lo mette al centro del palco, lo illumina e lo lascia urlare. In un’epoca che chiede di essere performanti anche nel dolore, i Trauma scelgono di restare vulnerabili e feroci allo stesso tempo.

Perché il rumore, a volte, non va silenziato. Va suonato fino in fondo.

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giovedì 12 febbraio 2026

Plastic Lung: “DEMO1 (electric therapy)” è una scossa post punk che arriva da Campobasso


Certe demo non chiedono permesso. Entrano nella stanza, rovesciano le sedie e ti fissano negli occhi. “DEMO1 (electric therapy)”, primo lavoro dei Plastic Lung, appartiene a questa categoria: un biglietto da visita ruvido, nervoso, completamente autoprodotto e orgogliosamente DIY.


Nati a Campobasso nel 2025, i Plastic Lung sono un power trio formato da Piergiorgio ed Angelo, già nei Blind Ride, insieme a Domenico. Tre musicisti che scelgono di ripartire dall’essenziale: chitarra, basso, batteria e un’urgenza che pulsa sotto pelle. Il loro suono è un post punk veloce e frenetico, con innesti post hardcore che trasformano ogni brano in una corsa contro qualcosa. O forse contro qualcuno. Più probabilmente contro sé stessi.


“DEMO1 (electric therapy)”, pubblicato lo scorso 9 gennaio su Bandcamp, YouTube e Soundcloud, è un lavoro asciutto ma tutt’altro che minimale. Le tracce alternano scatti quasi schizofrenici a momenti più cupi e drammatici, dove la tensione si fa densa e sembra respirare a fatica. Il titolo non è casuale: qui l’energia non è solo elettrica, è terapeutica nel senso più brutale del termine. Una terapia d’urto che non addolcisce nulla, ma ti costringe a sentire tutto.
Le chitarre graffiano con linee taglienti e nervose, la sezione ritmica è serrata, spesso incalzante, capace di creare un senso di costante instabilità. La voce si muove tra disperazione e rabbia trattenuta, senza mai scivolare nella posa. C’è una componente emotiva forte, quasi febbrile, che rende il progetto credibile e urgente.
Interessante anche la scelta distributiva: niente piattaforme mainstream, solo canali diretti e qualche copia CD stampata in totale autonomia. Una decisione coerente con l’attitudine della band, che sembra voler costruire il proprio percorso passo dopo passo, lontano da filtri e compromessi.

“DEMO1 (electric therapy)” non è un punto di arrivo, ma un detonatore. Un primo capitolo che mostra chiaramente le coordinate sonore dei Plastic Lung e lascia intravedere margini di evoluzione importanti. Se questo è l’inizio, Campobasso potrebbe aver appena acceso una nuova miccia nel sottobosco post punk italiano.
Per chi ama sonorità tese, nervose e senza anestesia, l’ascolto è consigliato. E possibilmente a volume alto.

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mercoledì 11 febbraio 2026

ZONA: il nuovo singolo “Deserto”


Ci sono brani che nascono da un dettaglio fisico e finiscono per raccontare qualcosa di molto più grande. Deserto, il nuovo singolo degli ZONA, parte da una condizione concreta e limitante e la trasforma in una metafora che scava a fondo, lasciando addosso una sensazione di arsura emotiva difficile da ignorare.

Il testo prende forma dall’impossibilità di respirare correttamente attraverso il naso, una situazione che porta con sé insonnia, perdita di olfatto e gusto, una sete costante e una percezione alterata del corpo. Da qui si apre uno spazio simbolico potente: un deserto interiore fatto di affaticamento, isolamento e disagio, dove anche un atto primordiale come respirare diventa una lotta quotidiana. Non c’è autocommiserazione, ma una lucidità cruda che rende il racconto universale e immediatamente riconoscibile.

Sul piano musicale, gli ZONA costruiscono Deserto come se fosse una colonna sonora distorta. Le suggestioni ampie e quasi cinematografiche, che richiamano certe atmosfere di Ennio Morricone, si intrecciano con un hardcore duro, compatto, senza fronzoli. Il contrasto tra spazi aperti e impatto frontale è netto e funziona proprio perché non cerca compromessi: da una parte l’immaginazione, dall’altra la realtà che colpisce allo stomaco.

Il risultato è un brano viscerale, che suona ruvido ma lascia respirare le immagini, muovendosi su territori che possono parlare agli ascoltatori di Refused, Biohazard ed Entombed, pur mantenendo un’identità ben riconoscibile. Deserto non è solo una canzone, ma uno stato mentale messo in musica.
Il singolo è accompagnato da un videoclip diretto da Maurizio del Piccolo, che traduce visivamente il senso di isolamento e disagio al centro del brano.


Gli ZONA nascono a Vigevano (PV) alla fine del 1994, fondati dal chitarrista Francesco Capasso (aka Killa) e dal frontman Diego Quartara. Fin dagli esordi definiscono un sound che mescola hardcore e crossover, con testi diretti in italiano, condividendo il palco con artisti internazionali e suonando come headliner in tutta Italia. Tra il 1994 e il 2000 pubblicano due album in studio, un live e partecipano a numerose compilation, diventando una realtà solida della scena nazionale.

Dopo una lunga pausa durata circa vent’anni, la band torna con una nuova formazione che include Marco Di Salvia alla batteria e Luigi Modugno (Lo Slavo) al basso. Il ritorno prende forma con Anormalità nel 2020, seguito da una serie di singoli pubblicati tra il 2024 e il 2025, tutti accompagnati da videoclip firmati da Maurizio del Piccolo e registrati presso gli Ivory Tears Music Works Studio. Nell’agosto 2025 arriva la firma con il management Sorry Mom! e l’annuncio di un nuovo lavoro discografico previsto per marzo 2026.

Nel frattempo, Deserto è fuori ora e rappresenta un altro tassello importante di questo nuovo corso: diretto, intenso, e capace di trasformare il disagio in racconto condiviso.

Guarda il videoclip di Deserto:




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