No Good – "Botte" è il nuovo singolo

C’è chi sale sul palco e suona. E poi ci sono i No Good, che ci salgono come se dovessero prendere colpi per salvarsi la pelle. “Botte”, il nuovo singolo uscito il 24 aprile 2026, è esattamente questo: tre minuti con il fiato corto, le mani serrate e la sensazione che il gong non arrivi mai.

Terzo estratto dall’album in arrivo nel 2026, “Botte” continua a costruire l’identità di una band che non ha paura di sporcarsi le mani. Il pezzo gioca su una doppia immagine potente: da una parte il pugile che incassa e resiste round dopo round, dall’altra un uomo intrappolato nella spirale della dipendenza. Due lotte diverse, stesso verdetto incerto. Nessuno sa se si arriva in piedi alla fine.

Il testo si muove tra riferimenti cinematografici e icone consumate dagli eccessi, mescolando immaginario e realtà con una lucidità che non consola. Non è solo racconto: è una specie di specchio rotto puntato addosso a chi guarda senza intervenire, a una società che resta sugli spalti mentre qualcuno affonda.

Musicalmente, i No Good restano fedeli al loro punk rock diretto e nervoso, senza fronzoli. Il suono è tagliente, immediato, costruito per funzionare tanto sotto palco quanto nelle cuffie, con quell’energia che li ha già resi una presenza solida nel circuito live del Nord Italia.

Nati a Udine nel 2019, i No Good hanno macinato concerti e chilometri, dividendo il palco con nomi noti della scena italiana e costruendosi un seguito sempre più affezionato. Tra passamontagna bianchi e comunicazione ironica sui social, la band ha trovato un equilibrio interessante tra immagine e sostanza, senza perdere mordente.

“Botte” non è solo un altro singolo: è un colpo ben assestato, di quelli che lasciano il segno anche dopo l’ultimo ascolto. E se questo è l’antipasto, il disco in arrivo potrebbe essere un match da non perdere.

Ascolta "Botte"

The Post Seasons pubblicano il video di “Rat Race”

Dopo la premiere su Idioteq, i The Post Seasons rendono disponibile su YouTube il loro primo video ufficiale, accompagnando uno dei brani più significativi del disco d’esordio Songs For The Sound Guy. E non è un semplice videoclip: è una piccola capsula del tempo che graffia.

Realizzato da Carlo Pinchetti, il video prende vita da materiali dei Prelinger Archives, rielaborando vecchi filmati industriali, educativi e pubblicitari dell’America del dopoguerra. Il risultato è volutamente ruvido, quasi polveroso, come una pellicola dimenticata in un cassetto che torna a parlare. Una scelta estetica che si incastra perfettamente con il cuore del brano.

“Rat Race” è infatti il lato più personale e disilluso della band. Una chitarra lenta e malinconica apre la strada a un racconto che sa di routine, aspettative tradite e realtà che presenta il conto senza sconti. Il verso centrale colpisce come una sveglia troppo presto al mattino: una riflessione amara sulla vita adulta, destinata a risuonare soprattutto in chi ha già qualche anno sulle spalle e certe illusioni le ha viste sciogliersi.

Anche il video segue questa traiettoria: niente patinature, niente comfort. Solo immagini riassemblate con un’estetica spontanea e diretta, che amplifica il senso di alienazione e urgenza già presente nel pezzo.

Il brano è tratto da Songs For The Sound Guy, album di debutto della band, pubblicato da Waddafuzz Records, RocketMan Records e Scuderie Ducali Records. Un disco nato di getto, scritto e registrato a poche settimane dalla formazione del gruppo, che cattura tutta l’energia creativa dei membri coinvolti.

I The Post Seasons si muovono tra indie e punk rock, costruendo canzoni dirette e cariche di emotività, senza filtri né compromessi. Un progetto nato dall’incontro di musicisti già rodati nella scena indipendente, che qui trovano una sintesi urgente e sincera.

E se dovessero presentarsi da soli, probabilmente lo farebbero così: veterani indie senza freni, più Braulio che glitter, troppo testardi per smettere e troppo rumorosi per passare inosservati.

“Rat Race” è ora disponibile su YouTube. Un video da guardare senza aspettarsi consolazione. Solo verità, un po’ storta, ma tremendamente familiare.

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Tropical Tennis – “Che giorno è”: energia punk e malinconia sottopelle

Il nuovo singolo dei Tropical Tennis, “Che giorno è”, parte veloce ma non è solo corsa: sotto la superficie lascia spazio a qualcosa di più fragile.

Il brano alterna strofe più contenute e quasi sospese a ritornelli che esplodono in pieno stile punk rock californiano anni ’90. 

Chitarre melodiche, ritmo serrato e una scrittura semplice ma efficace tengono tutto in equilibrio, senza strafare. È diretto, ma non superficiale.

Il vero punto sta nel contrasto: mentre la musica spinge e sembra leggera, il testo racconta una relazione che si perde col tempo, tra disillusione e nostalgia. Quel senso di smarrimento che dà anche il titolo diventa il filo conduttore del pezzo.

I Tropical Tennis restano fedeli alla loro attitudine DIY, con un approccio più misurato rispetto al classico skate punk sparato. Qui c’è più respiro, più attenzione alle dinamiche.

Dopo “Bad Choice” (2021) e “Tropical Tennis” (2023), questo singolo anticipa il terzo album previsto per l’estate 2026 e mostra una band che sa evolversi senza perdere identità: meno solo velocità, più consapevolezza.

Ascolta "Che giorno è"

Link band:

https://linktr.ee/tropicaltennisband

Already Buried – è uscito in digitale l’EP di debutto “Bad Things Happen and People Get Hurt”

Quindici minuti scarsi, zero fronzoli e un impatto che arriva come un pugno nello stomaco. Gli Already Buried esordiscono con “Bad Things Happen and People Get Hurt”, un EP che non perde tempo a spiegarsi e va dritto al punto, tra riff metallici, breakdown e un’urgenza che sa di sala prove sudata e live imminenti.

Formati a Milano nell’aprile 2024, con alle spalle esperienze in realtà importanti della scena hardcore italiana come Abel Is Dying e To The Embers, gli Already Buried non sono qui per ripetersi. Il loro debut EP, uscito il 23 aprile 2026 in digitale, è una dichiarazione d’intenti netta: riprendere l’urgenza dell’hardcore anni ’90 e 2000 e spingerla in avanti, senza feticismi vintage.

Il risultato? Sei tracce per poco più di quindici minuti che colpiscono dritte, senza deviazioni. Hardcore ruvido, compatto, con innesti groove metal che rendono il suono più pesante e dinamico. Breakdown solidi, riff metallici e una componente vocale aggressiva che sembra fatta apposta per essere urlata sotto palco, sudore contro sudore.

Registrato in modalità DIY durante il 2025 e rifinito allo SPVN Studio, l’EP mantiene un equilibrio interessante tra crudezza e precisione. Non c’è patina inutile: tutto è costruito sull’impatto immediato. I due singoli già noti, “Mirror Lies” e “Nice Shoes”, funzionano da porta d’ingresso, ma è l’insieme che definisce davvero l’identità della band.

A rendere il tutto ancora più particolare è l’immaginario che accompagna il lavoro: estratti dal cult “Grosso guaio a Chinatown” si intrecciano tra le tracce, creando un universo sospeso tra misticismo orientale e attitudine da antieroi anni ’80. Un tocco che non è semplice citazione, ma parte integrante del mood.

L’EP è già disponibile su tutte le piattaforme streaming, mentre per chi ama l’oggetto fisico arriva anche una chicca: dal 31 maggio sarà disponibile un vinile 12” verde fluo trasparente, limitato a 100 copie. Un pezzo pensato per chi vive l’hardcore anche come collezione, oltre che come esperienza.

Con “Bad Things Happen and People Get Hurt”, gli Already Buried firmano un debutto diretto e senza compromessi. Niente nostalgia sterile, niente revival da cartolina: solo energia, intenzione e una chiara voglia di spingersi oltre. E nei contesti giusti, questi sei brani potrebbero fare parecchio rumore.

Ascolta “Bad Things Happen and People Get Hurt”

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The Rebel Poets – “Irish Blood, Fenian Heart”: il singolo che anticipa l'album di futura uscita “Smells Like Sixsteen Spirit”

Ci sono canzoni che non nascono per stare ferme. Camminano, marciano, a volte sembrano quasi battere i pugni sul tavolo della storia. “Irish Blood, Fenian Heart”, il nuovo singolo dei The Rebel Poets, è una di quelle. Non una semplice uscita, ma una dichiarazione di intenti con il cuore verde e le vene cariche di memoria.

Il progetto guidato da Andrea Rock è tornato il 24 aprile 2026 con un brano che affonda le radici nella tradizione delle rebel songs irlandesi, ma le strappa via dal passato per rimetterle in circolo oggi, tra tensioni globali e identità che cercano voce. Il titolo è già un manifesto: sangue irlandese, cuore feniano. E dentro, tutta la storia di chi ha lottato per autodeterminarsi.

Il pezzo si muove su coordinate precise: racconta i feniani, figure spesso dipinte come nemici dalla narrazione britannica, ma fondamentali per accendere la miccia che portò alla Rivolta di Pasqua del 1916.

Non è un caso che la data di uscita coincida simbolicamente con quell’anniversario. Qui la musica diventa calendario, memoria attiva, quasi rituale.

Ma non è solo storia. I Rebel Poets lavorano su un doppio binario: da una parte recuperano il linguaggio e lo spirito delle canzoni ribelli, dall’altra lo contaminano con un’attitudine punk e metal che dà al tutto un’energia ruvida, contemporanea. Il risultato è un brano che non suona come una rievocazione, ma come una presa di posizione.

A rendere il tutto ancora più vivido ci pensa il violino di Lorena Vezzaro, che attraversa il pezzo come una lama melodica, portando dentro il suono un respiro folk che non sa di nostalgia, ma di identità viva. La produzione, curata tra diverse sessioni e finalizzata all’Attitude Studio di Milano, tiene insieme le anime del progetto senza smussarne gli spigoli.

Anche l’immaginario visivo segue la stessa direzione: la copertina firmata da Alberto Bocca mescola estetica politica d’inizio Novecento con un taglio street contemporaneo, creando un ponte tra epoche che sembra parlare la stessa lingua della musica.

“Irish Blood, Fenian Heart” è anche un anticipo di quello che arriverà con l’album “Smells Like Sixsteen Spirit”, previsto entro fine anno. Se questo è il primo assaggio, ci si può aspettare un lavoro che non ha paura di sporcarsi le mani con la storia e con il presente.

Nel frattempo, la band porterà questo spirito anche dal vivo, tra festival celtici e palchi italiani, dove queste canzoni probabilmente troveranno la loro dimensione più naturale: quella collettiva, sudata, condivisa.

Non è solo un singolo. È una scintilla che continua a cercare ossigeno.

ASCOLTA IL SINGOLO: https://youtu.be/FF2qvnJdS_0?si=2aHc8yqxvfDcJn3u

Jerry Moovers – “Mostri” è il primo tuffo nel nuovo EP “72% VOL.”

C’è una scatola di scarpe da qualche parte, piena di biglietti sgualciti, ricordi storti e piccoli fantasmi che non vogliono saperne di sloggiare. I Jerry Moovers la aprono senza paura e ci costruiscono dentro “Mostri”, il nuovo singolo in uscita il 24 aprile 2026, primo assaggio del prossimo EP “72% VOL.”.

Il brano si muove su coordinate ben note alla band bergamasca: punk rock diretto, senza filtri, con quella ruvidità emotiva che non cerca di piacere a tutti ma arriva dritta dove deve. “Mostri” è una confessione a denti stretti, una resa dei conti con il passato che torna a bussare ogni volta che si abbassa la guardia. Tra armadi svuotati e ricordi che restano incollati addosso, il pezzo scava nelle crepe personali e le trasforma in qualcosa di rumoroso e vivo.

Il testo è un flusso sincero e disarmante: c’è chi prova a lasciarsi alle spalle pezzi di sé, chi cerca rifugio nell’alcol, chi continua a rovistare tra i resti per capire cosa salvare. I “mostri” del titolo non sono altro che tutto ciò che ci portiamo dietro: errori, dipendenze, nostalgia. E quella scatola di scarpe diventa un simbolo potente, quasi un santuario storto dove convivono memoria e autodistruzione.

Registrato, mixato e prodotto da Fabio Intraina al Trai Studio nel 2025, il singolo è sostenuto dalle etichette indipendenti Gasterecords e Duff Records, e si presenta come il manifesto perfetto della nuova fase della band.

Attivi dal 2011, con oltre 200 concerti alle spalle, i Jerry Moovers continuano a macinare chilometri e storie, restando fedeli a un’idea semplice e testarda di punk rock: veloce, diretto, umano. Dopo dischi come “Nel Bene o nel Male”, “A Cresta Alta” e “Maschere & Illusioni”, fino all’EP “I Funerali”, il percorso li porta oggi verso “72% VOL.”, un lavoro che promette di alzare ulteriormente la gradazione emotiva.

“Mostri” non addolcisce niente: è uno specchio sporco, da guardare fino in fondo al bicchiere. E se ci trovi qualcosa che ti somiglia, probabilmente è proprio lì che voleva arrivare.

Ascolta "Mostri"

Still No One – “The Witness”: il terzo singolo dal nuovo EP di prossima uscita

Gli Still No One tornano venerdì 24 aprile con “The Witness”, terzo singolo estratto dal prossimo EP. Dopo i primi brani più diretti, la band sceglie questa volta di rallentare il passo, senza però perdere la propria identità.

“The Witness” si distingue infatti per un approccio più lento e controllato, mantenendo comunque quel DNA punk rock che caratterizza il progetto. Le chitarre restano presenti ma meno taglienti, la sezione ritmica si muove con maggiore misura e la voce si adatta a un registro più riflessivo, lasciando spazio al significato del testo.

Il brano affronta il tema dell’incapacità di prendere decisioni importanti, di quel blocco che porta a restare fermi mentre la propria vita scorre davanti agli occhi. Una condizione raccontata senza esplodere, ma con una lucidità più trattenuta, che rende il messaggio ancora più diretto.

I riferimenti allo skatepunk della South Bay anni ’90 rimangono sullo sfondo, ma “The Witness” mostra come gli Still No One sappiano lavorare anche sulle dinamiche, inserendo variazioni che arricchiscono il percorso verso l’EP.

Questo terzo singolo funziona così come un momento di respiro all’interno della loro produzione: una pausa che non interrompe, ma anzi rafforza la corsa, aggiungendo profondità e varietà al suono della band.

Gli Still No One continuano a costruire il loro cammino passo dopo passo, dimostrando che anche rallentare, a volte, è una scelta precisa.

Ascolta "The Witness"

Duracel – “Duemilauno”: Fuori il singolo che anticipa l'omonimo Ep

Certe canzoni non bussano, sfondano la porta. “Duemilauno” dei Duracel è una di quelle: arriva il 24 aprile con singolo e video, e non ha nessuna intenzione di farsi mettere in ordine tra nostalgia e revival. Qui c’è polvere vera, presa direttamente dagli anni in cui tutto sembrava una gara a chi brillava di più… e qualcuno, invece, sceglieva deliberatamente di stare all’ombra.

Il 2001 raccontato dai Duracel non è un ricordo patinato: è un campo di battaglia sociale fatto di truzzi, marchi ostentati e confini ridicoli tra “fighi” e “sfigati”. In mezzo, una generazione che viveva di squillini, SMS compressi e Summer Card Omnitel, ma soprattutto di identità da difendere. Non per moda, ma per istinto. E loro quella linea l’hanno tracciata senza esitazioni.

Due anni dopo, nel 2003, quella tensione diventa musica: nascono i Duracel, e da lì parte una doppia vita. Da una parte i palchi, l’attenzione, il rispetto apparente. Dall’altra, un retrogusto più amaro: lo sguardo di chi ti applaude ma ti considera comunque un fenomeno da baraccone. Finché la giostra gira, sei dentro. Quando scendi, il silenzio è totale. Nessun “come stai?”, nessuna “famiglia”, nessuna fratellanza.

“Duemilauno” è la radiografia di quell’abbandono. Non fa sconti, non cerca redenzioni. È una cronologia emotiva che parte dal personale e si allarga fino a diventare collettiva. Non è un bilancio, non è nostalgia: è una presa di posizione netta su ciò che non si è mai stati e non si sarà mai.

Musicalmente, il pezzo resta fedele alla linea Duracel: punk rock diretto, nervoso, senza filtri. Una scarica che non ha bisogno di lucidarsi le scarpe prima di uscire. Il video accompagna questo ritorno con la stessa attitudine: niente fronzoli, solo sostanza e identità.

Oltre vent’anni di attività, tour, dischi e zero compromessi. Premiati al MEI di Faenza nel 2009 come miglior punk band italiana, passati per le pagine di Rocksound e infilati in compilation di mezzo mondo: i Duracel non tornano per riprendersi qualcosa. Tornano perché non se ne sono mai davvero andati.

“Duemilauno” anticipa un EP che porta lo stesso nome. Ma, come dicono loro, la notizia non è il disco. La notizia è che adesso bisogna fare i conti, di nuovo, con loro.

E stavolta non c’è modo di ignorarli.

Ascolta "Duemilauno"

Fu-Yu: “Pangea” è il nuovo singolo che anticipa l’album di debutto

Dalla scena di Albacete arriva un’altra scintilla pronta a diventare incendio: i Fu-Yu pubblicano “Pangea”, secondo singolo che anticipa il debut album “El Incendio”, in uscita il 1° maggio. Dopo “La Caída”, la band alza il tiro e piazza un brano che non si limita a correre veloce, ma affonda i denti nella realtà.

“Pangea” racconta una storia dura, senza filtri: quella di un migrante costretto a lasciare il proprio paese in cerca di un futuro, trovandosi davanti muri, ostacoli e cicatrici che non si vedono ma pesano. Il punk rock melodico dei Fu-Yu qui diventa un veicolo diretto, quasi una fionda emotiva che scaglia parole contro le ingiustizie contemporanee.

Il pezzo è stato registrato, mixato e masterizzato da Juanan López presso i Baboon Records, che firma anche la produzione. Il risultato è compatto, ruvido al punto giusto, con quella patina melodica che ti resta addosso mentre il testo continua a lavorarti dentro.

Nati nel 2024, i Fu-Yu sono un incastro di esperienze provenienti da altre band della città come Drollery, Insaniam e Gerba Monkey. La formazione vede Javi alla voce, Junior e Manu alle chitarre (e cori), Chicho al basso (e cori) e Alex alla batteria. Insieme costruiscono un suono che guarda al punk rock melodico spagnolo, con richiami a nomi come Desakato o Periferia, ma con una direzione ben piantata nel presente.

“El Incendio” promette nove tracce che non fanno sconti: storie sociali, rabbia lucida e una scrittura che punta dritta al bersaglio. “Pangea” è il secondo tassello, e già lascia intravedere un disco che potrebbe fare rumore, quello giusto.

Se cercate un brano che non si limiti a suonare, ma che abbia qualcosa da dire mentre vi spinge in avanti, “Pangea” è il posto giusto dove premere play.

Ascolta "Pangea"

https://youtu.be/ndrjMbllVD4?is=GtGQCPsFajV4ATfG

25 aprile al Circolino: punk acustico e resistenza sonora a Scarpizzolo

C’è un modo sincero e decisamente fuori dagli schemi per celebrare la Festa della Liberazione: sedersi a un tavolo, ordinare qualcosa da bere e lasciarsi attraversare da chitarre spoglie e voci senza filtro. 

Succede al Circolino di Scarpizzolo (BS), dove il 25 aprile si accende in versione acustica ma con lo spirito punk ben saldo sotto pelle.

Dalle 18:30 si parte con RuSsU, nome legato a progetti come Totale Apatia e Rossodannata. Il suo set promette un viaggio essenziale, quasi da falò urbano: corde tirate, parole dritte, zero orpelli.

A seguire, spazio a Dani Danno Marceca, volto e voce di Pornoriviste e Yokoano. Qui l’acustico non significa addomesticato: significa piuttosto ridotto all’osso, dove ogni strofa pesa il doppio e ogni silenzio vibra come un feedback invisibile.

L’atmosfera è quella giusta per chi cerca musica viva, senza barriere tra palco e pubblico. Un piccolo rito collettivo in cui il punk si siede, si spoglia dell’elettricità e continua comunque a mordere.

Ingresso riservato ai soci Arci, con possibilità di tesseramento direttamente in loco (10€).

Prenotazione tavoli: 339 167 2828.

Una serata che non ha bisogno di volume per farsi sentire lontano.

The Post Seasons hanno pubblicato il primo album “Songs For The Sound Guy”

Non c’è alcun riscaldamento qui: Songs For The Sound Guy parte subito, come una band che attacca il primo pezzo mentre metà del pubblico sta ancora ordinando da bere. L’esordio dei The Post Seasons non costruisce atmosfera, la travolge. È un disco che nasce già in movimento, senza introduzioni e senza scuse.

Il quartetto nasce da gente che la scena indie se l’è già fatta addosso e addosso agli altri, tra nomi come Glass Cosmos, Panamas e Lowinsky. Qui però non c’è voglia di ricostruire, né di rifinire troppo: c’è semmai l’urgenza di buttare giù qualcosa che stia in piedi da sola, anche se traballa. Anzi, meglio se traballa.

Il disco è stato scritto e registrato nel giro di poche settimane, e si sente. Ma nel senso giusto. Le canzoni arrivano dritte, senza anticamera, con quella miscela di indie rock e punk che non cerca di essere elegante ma efficace. Chitarre che graffiano senza fare scena, ritmiche serrate, e una tensione emotiva che non viene mai addomesticata.

Il riferimento ai The Paddingtons non è casuale: c’è la stessa attitudine diretta, lo stesso gusto per i brani che ti prendono per il colletto e non ti mollano. Ma dentro Songs For The Sound Guy c’è anche una componente più disillusa, quasi cinica, che si incastra tra le pieghe dei pezzi e li rende meno prevedibili di quanto sembrino al primo ascolto.

La band si racconta con ironia, tirando in ballo New York Dolls, The Replacements e Jets to Brazil, ma la verità è che i Post Seasons suonano come qualcuno che non ha più tempo da perdere. Niente nostalgia, niente rincorsa: solo canzoni sparate fuori con quello che hanno, così come viene.

La produzione segue la stessa filosofia: registrato da Federico Inguscio al FTS Studio e rifinito da Ettore Gilardoni al Real Sound Studio, il disco mantiene un suono crudo ma leggibile, senza impastare tutto in un muro indistinto. Ogni elemento resta al suo posto, ma senza mai sembrare troppo comodo.

Songs For The Sound Guy è un debutto che non chiede permesso e non cerca approvazione. Funziona proprio perché non si preoccupa di funzionare. È un disco che nasce veloce, corre veloce e ti lascia con quella sensazione addosso di qualcosa di vero, anche se imperfetto.

E a volte è tutto quello che serve.

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Turbo Gooo! In arrivo in autunno “Il Culto del Procione”

C’è qualcosa di strano che si muove tra le valli orobiche: odore di fuzz, rituali improvvisati e un procione che probabilmente sa più cose di noi. I Turbo Gooo! annunciano il nuovo album “Il Culto del Procione”, in uscita nell’autunno 2026 per L’Autunno della Vita, disponibile in vinile, cassetta e sulle piattaforme digitali.

Registrato ai Gotama Studio e prodotto da PierPaolo Alessi (già al lavoro con Disordine e Buscemi’s Eyes), il disco sembra voler prendere ogni genere e strappargli le etichette: dentro ci finiscono death punk, stoner, speed rock e una vena hardcore che corre come un motore fuori giri. Il risultato non è un collage, ma una creatura unica, rumorosa e decisamente viva.

“Il Culto del Procione” si muove tra occultismo e critica sociale, ma senza mai prendersi troppo sul serio. È un rituale, sì, ma con le scarpe sporche di strada e una certa ironia sotto pelle. I testi parlano di resistenza, libertà di pensiero e rifiuto dell’autoritarismo, infilando tutto dentro un immaginario esoterico che sembra più un’arma che una fuga.

Clam Sacco, evocato (letteralmente) tramite seduta spiritica, lo definisce così: “Un grimorio sonoro per chi combatte, fuori e dentro la testa”. E in effetti il disco sembra proprio questo: un manuale rumoroso per attraversare il caos moderno senza farsi addomesticare.

Tra acidi pesanti, velocità nervosa e una sana attitudine anti-FA, i Turbo Gooo! preparano un lavoro che non chiede permesso e non cerca compromessi. E se nel frattempo ci scappa anche una teglia di patate al forno, tanto meglio.

L’autunno 2026 potrebbe avere una colonna sonora decisamente più selvaggia del previsto.

Info Band & Social:

* Bandcamp: https://turbogooo.bandcamp.com/

* Instagram: https://www.youtube.com/@turbogooo

Il Pane e La Peste – “Fabbrica” il nuovo singolo

Il duo vicentino Il Pane e La Peste torna con un nuovo singolo, “Fabbrica”, in uscita il 17 aprile su tutte le piattaforme.

Dopo uno stop durato diversi anni, Martino e Luca hanno ripreso in mano il progetto con lo stesso approccio diretto e indipendente di sempre. Chitarra, batteria e basi elettroniche si intrecciano in un suono che resta volutamente grezzo, senza troppe rifiniture, in pieno spirito DIY.

“Fabbrica” è un brano che affonda le radici nel punk, ma si muove su una struttura elettronica che ne amplifica l’impatto. Il risultato è un pezzo teso e ripetitivo, che richiama ritmi meccanici e atmosfere industriali, coerenti con il titolo.

Nel percorso della band confluiscono anche le esperienze passate dei membri (Almandino QuiteDeLuxe, 3Ska, Monkey’s Hill), che contribuiscono a definire un’identità sonora personale, costruita senza seguire mode o schemi precisi.

Con questo nuovo singolo, Il Pane e La Peste prosegue il proprio ritorno, portando avanti una visione semplice ma chiara: fare musica in modo autonomo, mantenendo un suono autentico e immediato.

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couchgagzzz – primitive men: ritorno alle origini

C’è qualcosa di profondamente liberatorio nel nuovo lavoro dei couchgagzzz: come premere “reset” mentre il mondo va in crash. Primitive Men è un pugno breve ma dritto, quattro tracce di egg punk che sfrecciano senza chiedere permesso, lasciando dietro di sé una scia di distorsioni, synth taglienti e una sensazione persistente di disagio lucido.

Il quartetto barese torna il 18 aprile 2026 con un’uscita che è più di un semplice EP: è un piccolo manifesto di involuzione consapevole. In un’epoca che spinge verso una produttività tossica e identità sempre più costruite, i couchgagzzz scelgono di fare un passo indietro, anzi quattro, fino a immaginare una riscrittura delle regole stesse dell’evoluzione umana.

La title track Primitive Men apre il disco come una porta sbattuta in faccia: diretta, minimale, quasi tribale nella sua urgenza. Subito dopo, Mighty Dog corre su binari più ironici ma non meno feroci, mentre I Can’t Find a Job centra il bersaglio con una frustrazione che non ha bisogno di traduzioni. Chiude Bæd Times, che suona come una resa dei conti con il presente, tra sarcasmo e nervi scoperti.

Il tratto distintivo? Un synth che non fa da contorno ma guida il gioco, diventando spina dorsale melodica e creando un contrasto intrigante con l’impatto grezzo delle chitarre. Il risultato è un equilibrio instabile ma affascinante, come un motorino truccato che vibra troppo ma non si ferma mai.

Registrato, mixato e masterizzato da Filippo Strang al VDSS Studio, il disco mantiene una produzione essenziale ma incisiva, perfetta per valorizzare l’immediatezza del suono. Anche l’artwork di Tony Fasanella contribuisce a definire l’immaginario della band: storto, ruvido, senza filtri.

Nati in uno scantinato di Bari nel 2021, JJ, BB, Garko e Snafu arrivano da esperienze diverse della scena pugliese ma parlano una lingua comune fatta di velocità e attitudine DIY. Dopo l’esordio Gosports!!!, che li aveva già messi sotto i riflettori tra classifiche e passaggi radio internazionali, questo nuovo capitolo li conferma come una delle realtà più interessanti dell’underground italiano.

Primitive Men non cerca soluzioni. Piuttosto, smonta il problema e ci balla sopra. E nel farlo, pone una domanda semplice ma scomoda: e se tornare indietro fosse l’unico modo per andare avanti?

https://linktr.ee/couchgagzzz_band?utm_source=ig&utm_medium=social&utm_content=link_in_bio&fbclid=PAb21jcARTbh5leHRuA2FlbQIxMQBzcnRjBmFwcF9pZA81NjcwNjczNDMzNTI0MjcAAafOYv9H8wUXGC9OxRaMCIT9QTq82TFfrfRMluofyTXq9PRlbzPRXX1sBc7ZbQ_aem_lK8YnYR0AYJwclmCs8wOwA

Crancy Crock: “Facce Tristi” torna a colpire, più viva che mai

Ci sono canzoni che non invecchiano. Restano lì, come cicatrici sotto pelle: magari non le vedi ogni giorno, ma quando tornano a farsi sentire, bruciano ancora. I Crancy Crock lo sanno bene, e infatti hanno deciso di riaprire una di quelle ferite con “Facce Tristi”, riportandola nel presente con una nuova veste e una nuova voce.

Il brano, originariamente incluso in Non Con Noi del 2006, rinasce a distanza di vent’anni con la collaborazione di Riccardo dei Labile. Non è un semplice remake, ma una vera e propria trasfusione emotiva: stessa ossatura, ma sangue nuovo che scorre nelle vene. La voce di Riccardo aggiunge profondità e una sfumatura più malinconica, quasi crepuscolare, che amplifica il peso specifico del pezzo.

“Facce Tristi” resta un pugno nello stomaco. Il testo affonda le mani nella memoria del G8 di Genova del 2001, evocando una delle pagine più tese e dolorose della storia recente italiana. Non c’è retorica, non c’è filtro: solo immagini crude, disillusione e quella sensazione di smarrimento collettivo che ha segnato un’intera generazione. È un racconto che oggi suona ancora necessario, soprattutto per chi quegli anni non li ha vissuti ma ne eredita le conseguenze.

Dal punto di vista sonoro, la band aggiorna il tiro senza snaturarsi. Il risultato è un punk rock più maturo, compatto, capace di mantenere intatta l’urgenza dell’originale ma con una produzione più consapevole, più “a fuoco”. Non si tratta di nostalgia, ma di memoria attiva: quella che non si limita a ricordare, ma pretende di essere ascoltata.

Anche l’aspetto visivo accompagna questa operazione con coerenza: la grafica firmata da Jacopo Ghisleni (Jerry Moovers) richiama direttamente l’immaginario legato al G8, mentre il videoclip curato da Alessandro Sassi aggiunge un ulteriore livello di lettura, trasformando il brano in un piccolo documento audiovisivo.

In uscita il 16 aprile su tutte le piattaforme digitali, il singolo è supportato dalle etichette indipendenti Gasterecords e Samoan Records, a conferma di un percorso sempre radicato nel DIY e nella scena.

Attivi dal 1997, i Crancy Crock non hanno mai smesso di macinare chilometri, riff e sudore. Sette album alle spalle, palchi condivisi con nomi importanti della scena punk italiana e internazionale, e una missione che non è mai cambiata: suonare forte, dire le cose come stanno e tenere viva una comunità.

“Facce Tristi” oggi non è solo una canzone. È un promemoria. Una sirena che continua a suonare, anche quando qualcuno vorrebbe spegnerla. Perché stare fermi non serve. E la partecipazione, quella sì, fa ancora rumore.

Ascolta "Facce Tristi"

https://open.spotify.com/album/0mGMPCeGkbBvYPJuPS9a1l?si=qsazjgP7SeqbQM8vfskS_ALink

Videoclip:

https://youtu.be/0JFryxHV_uY?si=_pSRtY8M_OOKaBez

MECHA PRJT: complotti, synth e notti lunari nel nuovo singolo “LA LUNA (stanotte)”

Dopo aver acceso la miccia con Alte Aspettative nel 2025, i MECHA PRJT non si sono certo seduti a contemplare il panorama. Anzi: mentre macinavano chilometri tra Roma, Bologna, Bergamo e Brescia, hanno infilato anche sessioni in studio come fossero level-up nascosti tra un live e l’altro.

Il risultato? “LA LUNA (stanotte)”, in uscita il 17 aprile, un brano che prende le teorie del complotto e le trasforma in carburante sonoro. Terra piatta, rettiliani, dubbi sull’allunaggio: tutto quello che normalmente popola gli angoli più oscuri di internet qui diventa materia prima per un pezzo che non si prende troppo sul serio, ma suona dannatamente serio.

La particolarità sta anche nella lavorazione: il brano è stato prodotto principalmente utilizzando i synth che la band porta sul palco. Tradotto: nessun trucco da studio iper-costruito, ma una trasposizione quasi diretta dell’energia live, con quel gusto analogico che vibra e pulsa come un’insegna al neon a mezzanotte.

L’immaginario è chiaro: una notte leggermente storta, il cielo che sembra osservarti e una playlist che ti accompagna mentre inizi a dubitare di tutto… ma con il sorriso storto di chi sa che, in fondo, è tutto parte del gioco.

A completare il viaggio ci pensa una copertina “assurda” firmata da Saragia Art, perfetta per incorniciare il mood tra sci-fi e ironia, mentre il mix e master porta la firma di Da Ve, a dare ordine al caos cosmico. La distribuzione è affidata a Sputnik Music Group insieme ad Altafonte Italia.

“LA LUNA (stanotte)” promette di essere una piccola orbita impazzita nella discografia dei MECHA PRJT: un pezzo che gioca con le paranoie collettive e le trasforma in un’esperienza sonora da vivere tutta d’un fiato.

E se stanotte alzi gli occhi al cielo… magari non troverai risposte. Ma almeno avrai la colonna sonora giusta.

Ascolta “LA LUNA (stanotte)”

Rockardìa: “Mi va bene così”, il nuovo singolo con La Sindrome Di Peter Punk

Crescere, dicono, significa mettere tutto in ordine. I Rockardìa rispondono con una risata storta e un ritornello che resta incastrato in testa. Tornano con “Mi va bene così”, nuovo singolo in uscita venerdì 17 aprile 2026, e lo fanno aprendo una fase nuova, più consapevole ma senza perdere un grammo di istinto.

Il brano è punk rock melodico diretto, senza filtri né scorciatoie. Dentro ci trovi bollette, lavoro, aspettative che bussano come vicini molesti e quella sensazione di non essere mai abbastanza “in linea”. La risposta della band è semplice e potentissima: non esiste un copione valido per tutti. “Mi va bene così” è una presa di posizione, un piccolo manifesto quotidiano per chi sceglie di non rincorrere modelli imposti.

Musicalmente il pezzo colpisce dritto al punto: chitarre incisive, struttura compatta e un ritornello costruito per essere urlato sotto palco. È quel tipo di energia che non chiede permesso, ma entra e si prende spazio, mantenendo saldo il legame con il punk rock italiano più autentico.

A dare ulteriore peso al singolo c’è il featuring di Nicolò Gasparini, voce storica dei Peter Punk e de La Sindrome di Peter Punk. Non è solo un cameo, ma un vero passaggio di testimone generazionale: una connessione che rafforza il messaggio del brano e lo inserisce in continuità con una scena che ha sempre fatto dell’urgenza espressiva la propria bandiera.

Il singolo arriva dopo un periodo intenso per la band. Dal featuring con Fry Moneti dei Modena City Ramblers nel 2024, fino alla pubblicazione nel 2025 di “Novità Passate - Punk Invasion (Live Vocal & Drum Cuts)”, i Rockardìa hanno consolidato identità e rapporto con il pubblico, senza mai smettere di evolversi.

Ora si volta pagina. “Mi va bene così” segna l’inizio di un nuovo capitolo, con la stessa attitudine di sempre: raccontare la realtà senza edulcorarla, ma senza nemmeno arrendersi.

Prima occasione per sentirlo dal vivo? Domenica 3 maggio 2026 al Venice Punk, all’interno del Bloom Venice Festival, dove il brano farà il suo debutto sul palco con la presenza speciale di Nicolò Gasparini.

Perché a volte andare controvento non è una scelta eroica. È semplicemente l’unica possibile. E, tutto sommato, va bene così.

Ascolta "Mi va bene così"

ZONA 84 tornano con il nuovo disco "Contra Viento y Marea" in uscita il 18 Aprile

Se una macchina gira da oltre trent’anni, hai due possibilità: o si smonta pezzo dopo pezzo… oppure diventa un mostro perfettamente oliato. Nel caso degli ZONA 84, la risposta è chiara: il motore ruggisce ancora, e pure più forte di prima.

Da Rosario, Argentina, il quintetto torna con Contra Viento y Marea, un disco che non suona nostalgico ma necessario. Qui dentro c’è il DNA del primo punk londinese, quello ruvido, diretto, senza trucco né parrucco, ma contaminato da una strada sudamericana che sa di polvere, sudore e birra rovesciata sul marciapiede.

Le chitarre sono lame affilate, il basso e la batteria marciano compatti come un blocco che non arretra di un centimetro. Non c’è spazio per fronzoli o virtuosismi inutili: ogni pezzo è costruito per essere urlato sotto palco, con il pugno alzato e la voce che si spezza a metà ritornello.

I testi non fanno giri larghi. Parlano di resistenza, di cicatrici, di battaglie perse e di quelle che continuano anche quando sei stanco morto. È il suono di chi ha preso colpi, è finito al tappeto, ma si è rialzato con un ghigno storto e ha detto: “sono ancora qui”.

Quando arriva una frase come “sono stanco di accettare le vostre regole”, non è una metafora: è un mattone che vola dritto contro una vetrina.

Certo, c’è anche disillusione. Dopo oltre tre decenni di lotta, il peso si sente. Ma non è resa: è carburante sporco che tiene acceso il fuoco. Ed è proprio questa tensione tra stanchezza e ostinazione a dare al disco il suo morso più autentico.

Contra Viento y Marea non è musica da sottofondo. È il tipo di album che ti costringe ad alzare il volume fino a far bussare i vicini, aprire una birra e cantare come se fossi di nuovo nel tuo primo concerto. È memoria viva, non celebrazione.

Gli ZONA 84 non sono solo un motore d’epoca che continua a girare. Sono una nave con le vele tese che attraversa la tempesta senza cambiare rotta. E mentre tutto spinge contro, loro vanno avanti.

Controvento. Controcorrente. Ancora in piedi.

Forza.

Instagram: https://www.instagram.com/zona84punkrock/

Gretel’s Revenge tornano con “Serial Lover”: fiabe punk dopo anni di silenzio

Nulla è stabile, ma la musica resta. E nel caso delle Gretel’s Revenge, resta con una forma tutta loro: sospesa, eppure capace di colpire dritto. Dopo anni lontane dalle uscite discografiche, la band torna con “Serial Lover”, un nuovo brano che riaccende quel mondo fatto di punk rock e suggestioni fiabesche.

Band attiva dal 2009, le Gretel’s Revenge hanno sempre costruito un’identità fuori dai percorsi più battuti. Al centro del progetto c’è Isabel Mariani, chitarrista e autrice con formazione classica, capace di fondere tecnica e visione in un linguaggio personale. Intorno a lei, una dimensione artistica che non si limita alla musica: tra natura, animali salvati e il suo “Gretel Ranch” tra il Po e i Colli Euganei, prende forma un immaginario che finisce inevitabilmente anche nei brani.

“Serial Lover” segna il ritorno della band con quello che loro stesse definiscono uno “spessore onirico”: una dimensione sonora che alterna energia e atmosfera, realtà e immaginazione. Il pezzo si muove tra chitarre decise e linee vocali evocative, mantenendo quell’equilibrio sottile tra impatto punk e narrazione emotiva. Non è un semplice comeback, ma una riaffermazione di stile.

La formazione vede:

Isabel Mariani – chitarra e cori

Nikky – voce

Matilde – basso

Arianna – batteria

A dare coesione al tutto è il lavoro di Rubén Velasco, che ha curato mix e produzione presso il Madroño Studio di Madrid, valorizzando ogni sfumatura senza appiattire l’anima del brano.

Con “Serial Lover”, le Gretel’s Revenge non inseguono il presente: lo attraversano con passo proprio. E nel farlo, ricordano che certe band non spariscono davvero. Restano in silenzio, come storie in attesa di essere raccontate di nuovo.

https://youtu.be/Lnc1_WdhW2U?is=t-AoL1u22jVXICrH

Link

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gretelsrevenge.bandcamp.com

instagram.com/isabel_gretel

www.youtube.com/@gretelsrevenge

MINIMO VITALE – “CRONACHE DA BORDO RING”

C’è un suono che non chiede il permesso. Entra, si siede accanto e inizia a raccontarti la vita come se foste amici da sempre. È quello dei Minimo Vitale, che con “Cronache da bordo ring” tornano sul quadrato con un lavoro più raccolto, più riflessivo, ma anche più stratificato.

Pubblicato il 1° marzo 2026, questo secondo capitolo si presenta formalmente come un EP, ma nella sostanza ha il peso specifico di un disco che sa dove vuole andare. Cinque tracce, di cui quattro originali e un mash-up che unisce mondi apparentemente distanti come La Crus e The Prodigy, in un cortocircuito sonoro che funziona sorprendentemente bene.

Se l’esordio era un manifesto identitario, qui i Minimo Vitale affinano le armi. Il loro spoken word resta il cuore pulsante, ma attorno si muove un ecosistema più complesso: synth dosati con intelligenza, programmazioni mai invadenti e una tensione sonora che accompagna ogni parola come un respiro corto tra un colpo e l’altro.

Il singolo “Pugile Suonato”, anticipato da un video animato, è già una dichiarazione d’intenti: una figura stanca ma resistente, che incassa e resta in piedi. Ed è proprio questa la cifra del disco. Non c’è eroismo patinato, ma una fragile ostinazione quotidiana, raccontata con liriche più intime rispetto al passato.

Nati ad Aosta nel 2017 come tributo ai Massimo Volume, i Minimo Vitale hanno fatto un percorso che li ha portati lontano da qualsiasi etichetta derivativa. La vittoria a Rock Targato Italia nel 2022 e la partecipazione a Musicultura 2024 hanno segnato tappe importanti, ma è con questo lavoro che la band sembra davvero aver trovato una propria voce definitiva.

Il live al Teatro Splendor nel 2025 aveva già mostrato una band in evoluzione, capace di integrare elementi elettronici senza perdere l’impatto umano. “Cronache da bordo ring” raccoglie tutto questo e lo trasforma in un racconto coerente, dove ogni traccia è un frammento di realtà osservata da vicino, quasi con il fiatone.

Funziona la scrittura, che evita retorica e cliché. Funziona l’equilibrio tra parola e suono, sempre delicato ma mai fragile. Funziona soprattutto la capacità di costruire immagini senza bisogno di urlare, lasciando che sia l’ascoltatore a completare il quadro.

“Cronache da bordo ring” è un disco che non cerca il knockout immediato. Lavora ai fianchi, lentamente, e quando te ne accorgi sei già dentro. I Minimo Vitale confermano di essere una delle realtà più interessanti della scena indipendente italiana, con un’i-dentità sempre più definita e una direzione artistica chiara.

Un secondo round che non alza la voce, ma lascia il segno.

Ascolta "cronache da bordo ring"

Naked Run – “OSTACOLI”: correre contro il mondo, senza allacciarsi le scarpe

Ci sono dischi che ti prendono per mano. E poi ci sono dischi come “OSTACOLI” dei Naked Run, che ti spingono giù dal marciapiede e ti dicono: “Adesso vai, e guarda dove metti i piedi”. Otto tracce che non cercano scorciatoie ma si infilano dritte nella quotidianità, tra inciampi, piccole disfatte e qualche risata amara.

Il debutto della band italiana è un mosaico di vita vissuta, costruito su testi diretti e senza anestesia. Qui dentro c’è tutto: la fatica di stare al passo, le contraddizioni sociali, i cortocircuiti interiori. Ma soprattutto c’è quella sensazione familiare di essere sempre un po’ fuori tempo massimo.

Sul piano sonoro, “OSTACOLI” gioca di contrasti come un semaforo impazzito: chitarre distorte e compatte si alternano a momenti più ariosi, tra arpeggi puliti, inserti di pianoforte e incursioni di synth che aprono finestre inaspettate. Il risultato è dinamico, mai statico, con ogni brano che aggiunge un pezzo al puzzle emotivo della band.

La tracklist è un piccolo catalogo di sopravvivenza contemporanea:

“Michael Scofield” usa la metafora della fuga per parlare di una società che stringe sempre di più, fino a rendere la libertà un concetto sfocato.

“Ogni Giorno” fotografa con ironia la procrastinazione cronica, quel limbo in cui si rimanda tutto… anche il cambiamento.

“Gloria” è un episodio surreale e reale insieme: una storia liceale che diventa una ballad in crescendo, leggera ma mai vuota.

“Vortici” è il caos emotivo che esplode senza preavviso: ansia, rabbia e insonnia che si accavallano come traffico all’ora di punta.

“Come Me Stesso” rallenta il passo e guarda dentro, tra fragilità e voglia di non mollare.

“PPP” affonda il colpo sul potere e le sue incoerenze, senza fare troppi giri di parole.

“Non Ho Voglia” è uno schiaffo al mondo del lavoro contemporaneo, soprattutto per chi prova a entrarci senza protezioni.

“50 Special” chiude con una rilettura personale del classico dei Lunapop, trasformato in qualcosa di più ruvido ma ancora pieno di nostalgia.

I Naked Run si muovono dentro il pop punk con un’attitudine che non cerca di lucidarsi troppo: l’urgenza emotiva resta al centro, insieme a quella voglia di creare ritornelli da urlare sotto palco, sudati e senza voce. C’è una componente generazionale forte, ma mai forzata: le loro storie funzionano perché sono riconoscibili, perché sembrano succedere anche a chi ascolta.

“OSTACOLI” non promette soluzioni. Non ti dice come saltare le barriere. Ti invita piuttosto a guardarle in faccia, magari prenderle in pieno, e continuare a correre lo stesso.

E in fondo è proprio lì che il disco trova la sua identità: non nell’evitare gli urti, ma nel trasformarli in canzoni.

ASCOLTA "OSTACOLI”!

https://orcd.co/nakedrun-ostacoli

SCHLACHTRUF 1.3.1.2.: il ritorno dopo 12 anni è una detonazione DIY chiamata “Remaster Against Humanity”

Dimenticate la polvere sugli amplificatori: gli SCHLACHTRUF 1.3.1.2. sono tornati, e non con passo felpato ma con anfibi sporchi e una cassa dritta nei denti. Dopo dodici anni di “astinenza musicale” – una pausa che sa più di fuga per comprare sigarette che di addio – il quartetto di Passau riemerge con il primo album, “Remaster Against Humanity”, un titolo che già suona come una dichiarazione di guerra alla noia.

Qui il punk rock non viene riesumato, perché non era mai morto: si era solo nascosto dietro il bancone, a ridere di tutto. E infatti il disco è un piccolo laboratorio anarchico dove il DIY non è una posa ma una filosofia vissuta fino in fondo. Autoprodotto, videoclip fatti in casa, strumenti costruiti da zero: più che una band, sembrano un’officina sonora con scintille che volano ovunque.

I brani raccontano bene il loro approccio: “0.0 (non-alcoholic beer)” è già un ossimoro che puzza di provocazione, “Shoes” e “Evidence Chamber” giocano con l’assurdo e lo slapstick sonoro, mentre pezzi come “Scum of Humanity” e “Globule Overdose” iniziano a graffiare più a fondo, portando il sorriso verso un territorio più scomodo. È lì che il disco si diverte davvero: quando ti fa ridere e subito dopo ti mette leggermente a disagio, come una battuta che colpisce troppo vicino.

I SCHLACHTRUF 1.3.1.2. sembrano serissimi, ma è solo una maschera: sotto c’è un’ironia corrosiva che scioglie ogni pretesa di rigidità. Il risultato è un album che non chiede permesso e non cerca approvazione, ma si piazza sul tavolo come una lattina agitata pronta a esplodere.

La band non svela troppo, e forse fa bene così. L’unico consiglio che lasciano è perfettamente in linea con il loro spirito: ascoltare “Remaster Against Humanity” solo sopra i 2,5 per mille. Tradotto: lasciate perdere le istruzioni e premete play.

Ascolta “Remaster Against Humanity”

Instagram:

https://www.instagram.com/schlachtruf1.3.1.2.official?igsh=M2d6cDJpbnY1aXlr