Naked Run – “OSTACOLI”: correre contro il mondo, senza allacciarsi le scarpe

Ci sono dischi che ti prendono per mano. E poi ci sono dischi come “OSTACOLI” dei Naked Run, che ti spingono giù dal marciapiede e ti dicono: “Adesso vai, e guarda dove metti i piedi”. Otto tracce che non cercano scorciatoie ma si infilano dritte nella quotidianità, tra inciampi, piccole disfatte e qualche risata amara.

Il debutto della band italiana è un mosaico di vita vissuta, costruito su testi diretti e senza anestesia. Qui dentro c’è tutto: la fatica di stare al passo, le contraddizioni sociali, i cortocircuiti interiori. Ma soprattutto c’è quella sensazione familiare di essere sempre un po’ fuori tempo massimo.

Sul piano sonoro, “OSTACOLI” gioca di contrasti come un semaforo impazzito: chitarre distorte e compatte si alternano a momenti più ariosi, tra arpeggi puliti, inserti di pianoforte e incursioni di synth che aprono finestre inaspettate. Il risultato è dinamico, mai statico, con ogni brano che aggiunge un pezzo al puzzle emotivo della band.

La tracklist è un piccolo catalogo di sopravvivenza contemporanea:

“Michael Scofield” usa la metafora della fuga per parlare di una società che stringe sempre di più, fino a rendere la libertà un concetto sfocato.

“Ogni Giorno” fotografa con ironia la procrastinazione cronica, quel limbo in cui si rimanda tutto… anche il cambiamento.

“Gloria” è un episodio surreale e reale insieme: una storia liceale che diventa una ballad in crescendo, leggera ma mai vuota.

“Vortici” è il caos emotivo che esplode senza preavviso: ansia, rabbia e insonnia che si accavallano come traffico all’ora di punta.

“Come Me Stesso” rallenta il passo e guarda dentro, tra fragilità e voglia di non mollare.

“PPP” affonda il colpo sul potere e le sue incoerenze, senza fare troppi giri di parole.

“Non Ho Voglia” è uno schiaffo al mondo del lavoro contemporaneo, soprattutto per chi prova a entrarci senza protezioni.

“50 Special” chiude con una rilettura personale del classico dei Lunapop, trasformato in qualcosa di più ruvido ma ancora pieno di nostalgia.

I Naked Run si muovono dentro il pop punk con un’attitudine che non cerca di lucidarsi troppo: l’urgenza emotiva resta al centro, insieme a quella voglia di creare ritornelli da urlare sotto palco, sudati e senza voce. C’è una componente generazionale forte, ma mai forzata: le loro storie funzionano perché sono riconoscibili, perché sembrano succedere anche a chi ascolta.

“OSTACOLI” non promette soluzioni. Non ti dice come saltare le barriere. Ti invita piuttosto a guardarle in faccia, magari prenderle in pieno, e continuare a correre lo stesso.

E in fondo è proprio lì che il disco trova la sua identità: non nell’evitare gli urti, ma nel trasformarli in canzoni.

ASCOLTA "OSTACOLI”!

https://orcd.co/nakedrun-ostacoli

SCHLACHTRUF 1.3.1.2.: il ritorno dopo 12 anni è una detonazione DIY chiamata “Remaster Against Humanity”

Dimenticate la polvere sugli amplificatori: gli SCHLACHTRUF 1.3.1.2. sono tornati, e non con passo felpato ma con anfibi sporchi e una cassa dritta nei denti. Dopo dodici anni di “astinenza musicale” – una pausa che sa più di fuga per comprare sigarette che di addio – il quartetto di Passau riemerge con il primo album, “Remaster Against Humanity”, un titolo che già suona come una dichiarazione di guerra alla noia.

Qui il punk rock non viene riesumato, perché non era mai morto: si era solo nascosto dietro il bancone, a ridere di tutto. E infatti il disco è un piccolo laboratorio anarchico dove il DIY non è una posa ma una filosofia vissuta fino in fondo. Autoprodotto, videoclip fatti in casa, strumenti costruiti da zero: più che una band, sembrano un’officina sonora con scintille che volano ovunque.

I brani raccontano bene il loro approccio: “0.0 (non-alcoholic beer)” è già un ossimoro che puzza di provocazione, “Shoes” e “Evidence Chamber” giocano con l’assurdo e lo slapstick sonoro, mentre pezzi come “Scum of Humanity” e “Globule Overdose” iniziano a graffiare più a fondo, portando il sorriso verso un territorio più scomodo. È lì che il disco si diverte davvero: quando ti fa ridere e subito dopo ti mette leggermente a disagio, come una battuta che colpisce troppo vicino.

I SCHLACHTRUF 1.3.1.2. sembrano serissimi, ma è solo una maschera: sotto c’è un’ironia corrosiva che scioglie ogni pretesa di rigidità. Il risultato è un album che non chiede permesso e non cerca approvazione, ma si piazza sul tavolo come una lattina agitata pronta a esplodere.

La band non svela troppo, e forse fa bene così. L’unico consiglio che lasciano è perfettamente in linea con il loro spirito: ascoltare “Remaster Against Humanity” solo sopra i 2,5 per mille. Tradotto: lasciate perdere le istruzioni e premete play.

Ascolta “Remaster Against Humanity”

Instagram:

https://www.instagram.com/schlachtruf1.3.1.2.official?igsh=M2d6cDJpbnY1aXlr

Die Abete tornano con “Gola”: il nuovo singolo che anticipa “Giovani Volpi”

Dopo anni di silenzio che sembravano aver inghiottito ogni eco, i Die Abete riemergono con “Gola”, primo singolo estratto da Giovani Volpi, il nuovo album in uscita il 15 maggio 2026 per To Lose La Track. Non è un ritorno accomodante, ma una riapparizione che graffia, scava e lascia segni netti.

“Gola” è un brano teso come un filo elettrico scoperto: breve, violento, attraversato da scosse improvvise. La band di Terni riprende il proprio percorso esattamente da dove l’aveva lasciato, ma con una furia ancora più lucida. Il loro suono continua a muoversi su un terreno instabile dove post-hardcore, screamo, math e punk si intrecciano in una struttura nervosa, mai prevedibile, sempre sul punto di collassare.

https://youtu.be/n_neCGlaHmg?si=gIJvUmcA7bqw2yRW

Ad accompagnare il singolo c’è il videoclip diretto da Stefania Carbonara, un piccolo vortice visivo che amplifica l’identità del pezzo. Le immagini sono crude, disturbanti, quasi ipnotiche: materia organica e suggestioni meccaniche si alternano e si sovrappongono, mentre frammenti live catturano la dimensione più istintiva e viscerale della band. Il risultato è un’estensione naturale del brano, più che una semplice traduzione per immagini.

Attivi dal 2014, i Die Abete si sono costruiti nel tempo una reputazione solida nella scena hardcore italiana grazie a un approccio radicale e fuori dagli schemi.

 ’esordio Tutto o Niente (V4V Records / Fallo Dischi) è stato un manifesto di violenza compressa in poco più di un quarto d’ora, mentre Senza Denti (2017) ha affinato il caos trasformandolo in un linguaggio ancora più consapevole e affilato. A rendere unica la prima fase della band era anche la scelta di una doppia batteria, una delle quali suonata dal cantante, elemento che contribuiva a creare una tensione ritmica quasi schizofrenica.

Nel corso degli anni, i Die Abete hanno condiviso il palco con nomi come Culture Abuse, Melt-Banana, Crowbar e Retox, consolidando una dimensione live feroce e senza compromessi. Nel 2019, con l’EP A Day of Collapse in collaborazione con Hey Saturday Sun, hanno spinto ulteriormente la propria scrittura verso territori più abrasivi e obliqui.

Dopo una lunga pausa, il ritorno nel 2023 segna un nuovo capitolo: via la doppia batteria, dentro una formula più essenziale ma non meno tagliente. Venticinque date in tutta Italia hanno rimesso in moto la macchina, preparando il terreno per questo nuovo disco.

Giovani Volpi si annuncia come un lavoro di trasformazione e continuità insieme. “Gola” è il primo assaggio: un morso secco, che non chiede permesso e non lascia scampo. Una dichiarazione chiara: i Die Abete sono tornati, e non hanno alcuna intenzione di suonare più docili.

Ascolta "Gola"

Link:

Instagram: https://www.instagram.com/dieabete/

Facebook: https://www.facebook.com/DieAbete/

YouTube: https://www.youtube.com/@DieAbete

Bandcamp: https://dieabete.bandcamp.com/

La Trappola di Dalian torna con “Giovani Interrotti”

Certe canzoni non bussano piano: entrano come una stanza rimasta chiusa troppo a lungo, piena di ricordi che hanno ancora voce. È proprio da lì che nasce “Giovani Interrotti”, il nuovo singolo de La Trappola di Dalian, in uscita venerdì 10 aprile 2026.

Il progetto torinese firma un brano emotivo e diretto, capace di raccontare con lucidità ciò che resta quando due persone vengono separate da qualcosa di più grande di loro. Non è solo una storia d’amore, ma una fotografia sospesa fatta di parole mai dette, di legami che resistono nel tempo e di sentimenti che non si arrendono nemmeno quando le strade si dividono.

“Giovani Interrotti” si muove su un equilibrio sottile: da una parte la malinconia, dall’altra una consapevolezza quasi tagliente. Il cuore del brano è quel momento preciso in cui ci si accorge che qualcosa è finito prima ancora di essere compreso davvero.

È la voce di chi avrebbe voluto un’ultima occasione, di chi continua a portarsi dietro un “ti ho sempre amato” rimasto incastrato tra passato e presente. La canzone diventa così una confessione universale, capace di parlare a chiunque abbia vissuto un amore interrotto troppo presto, ma mai davvero svanito.

Dal punto di vista sonoro, La Trappola di Dalian continuano a costruire il loro mondo senza barriere: alt-rock, punk ed elementi elettronici si intrecciano creando un impasto sonoro vivo, nervoso, ma anche profondamente emotivo.

Le chitarre spingono, la ritmica pulsa, mentre le atmosfere più intime si insinuano tra le crepe del brano, lasciando spazio alla vulnerabilità del testo. Al centro di tutto, la voce di Sofia: graffiante, espressiva, capace di trasformare una storia personale in qualcosa di condiviso, quasi collettivo.

Nati a Torino nel 2019 dall’incontro tra Alessio Piedinovi e Sofia Cazzato, La Trappola di Dalian ha costruito nel tempo un’identità precisa, fatta di contaminazioni sonore e di una scrittura che non teme di affrontare i lati più complessi delle relazioni umane.

Dopo l’album di debutto “Oltre il click” nel 2022, e il concept EP “L’amore (NON) è” del 2025, il nuovo singolo rappresenta un ulteriore passo avanti nel loro percorso artistico. Nel frattempo, la band ha consolidato anche la propria dimensione live, condividendo il palco con nomi importanti della scena rock italiana e rafforzando sempre di più il legame con il pubblico.

Con “Giovani Interrotti”, La Trappola di Dalian non cercano risposte facili. Raccontano piuttosto quella zona grigia dove finiscono le storie e iniziano i ricordi. Ed è proprio lì, tra distanza e memoria, che la loro musica continua a trovare un senso.

Ascolta "Giovani Interrotti"

Bram Stalker – “B.S.”: basso, rabbia e verità senza filtri

Ci sono dischi che osservano il mondo da fuori. E poi ci sono dischi che ti prendono per il colletto e ti sbattono davanti allo specchio. “B.S.” dei Bram Stalker appartiene senza esitazione alla seconda categoria.

Dodici brani che non cercano equilibrio ma impatto: basso distorto che si espande come una crepa nel cemento, batteria martellante che non concede tregua e una voce abrasiva che non racconta, attacca. Niente chitarre, niente click, nessuna rete di sicurezza. Tutto in presa diretta, tutto vivo, tutto pericolosamente reale.

Il titolo è una dichiarazione brutale: “B.S.” sta per bullshit. Una parola che attraversa illusioni personali, dipendenze, rapporti che si sgretolano dall’interno e sistemi che si nutrono delle nostre fragilità. Ma il bersaglio principale non è il mondo là fuori.

È quello che trovi quando abbassi lo sguardo e non puoi più evitare il riflesso.

Il disco si muove tra claustrofobia ed esplosione, tra lucidità tagliente e stordimento. Non offre rifugi né redenzioni facili. Qui l’attrito non viene smussato: viene amplificato fino a diventare catarsi.

“B.S.” nasce da oltre venticinque brani e arriva a dodici tracce come una selezione chirurgica. Nessun riempitivo, nessuna concessione. Il basso viene spinto oltre il suo ruolo tradizionale, sdoppiato e deformato fino a occupare tutto lo spazio, mentre la batteria incalza e la voce si insinua come un pensiero che non riesci a zittire.

In un’epoca di playlist usa e getta, la scelta è altrettanto netta: il disco completo non sarà su Spotify. L’esperienza integrale vive su Bandcamp, mentre il singolo “Stoned Leo” e gli altri estratti restano disponibili sulle piattaforme.

Perché lo streaming è scoperta. Ma il supporto è sopravvivenza.

Ascolta il disco in streaming

https://bramstalker.bandcamp.com/album/b-s

Biografia

Bram Stalker è un duo nato nel 2018, formato da Andrea Maceroni (voce e basso, produttore presso Slam Studio Recordings) e Jacopo De Marco (batteria).

Un power duo senza chitarra, lontano dai centri nevralgici della scena e vicino a un’idea precisa di suono: essenziale, fisico, diretto.

Bram Stalker è tensione che pulsa sotto pelle. È ansia, rabbia ed eccitazione mescolate a birra bionda e notti troppo lunghe. È lo scontro con il proprio peggior nemico, che alla fine ha sempre il tuo volto. È rimorso, inadeguatezza, ipocondria. È un ansiolitico lasciato nel blister e una giornata vissuta con il cuore in accelerazione.

Dopo un primo EP, il duo torna con “B.S.”, un lavoro compatto e senza compromessi che raccoglie il meglio di anni di scrittura.

Nel loro percorso hanno collaborato con Nick Oliveri e condiviso il palco con gli IDLES, portando in giro un live viscerale, diretto, senza filtri.

“B.S.” non è un disco da ascoltare distrattamente.

È un disco da affrontare.

FU-YU fuori il singolo “La Caída”

C’è qualcosa che brucia sotto la pelle di “La Caída”, primo singolo dei Fu-Yu. Non è solo punk rock melodico, è una discesa senza corrimano, raccontata con parole che graffiano e una tensione emotiva che non lascia spazio alla comodità.

La band di Albacete debutta così, con un brano che affonda lo sguardo dentro il baratro della dipendenza da eroina, restituendone il lato più crudo: isolamento, vuoto, collasso. “La Caída” non cerca redenzione, ma mette in scena la caduta in tutta la sua violenza, trasformandola in un racconto tanto poetico quanto disturbante. È una fotografia sporca, senza filtri, che resta impressa.

Il suono segue la stessa linea: diretto, compatto, senza fronzoli. Le chitarre si muovono tra nervi scoperti e aperture melodiche, mentre la sezione ritmica tiene tutto in piedi con un passo serrato, quasi ossessivo. La produzione di Juanan López, curata nei Baboon Records, valorizza questa urgenza senza addomesticarla, lasciando al pezzo quella sensazione di pericolo costante.

Fu-Yu nascono nel 2024 dalle ceneri e dalle connessioni della scena locale di Albacete, unendo membri provenienti da realtà come Drollery, Insaniam e Gerba Monkey. Il risultato è un progetto che guarda al punk rock melodico spagnolo con radici ben piantate, richiamando per attitudine e impatto nomi come Desakato, Malos Vicios, Kamikazes e Periferia, ma con una voce già riconoscibile.

“La Caída” è solo il primo tassello di un percorso più ampio: il brano farà parte di “El Incendio”, album di debutto in uscita il 1° maggio 2026. Nove tracce che promettono di muoversi tra tematiche sociali e racconti di resistenza, con uno sguardo lucido sulle contraddizioni contemporanee.

Nel frattempo, la band ha già segnato le prossime tappe: il 17 aprile arriverà il secondo singolo “Pangea”, mentre l’album completo vedrà la luce poche settimane dopo. Un calendario serrato, come se Fu-Yu non avessero alcuna intenzione di rallentare.

E forse è proprio questo il punto: “La Caída” non è solo una caduta. È anche l’impatto. E il rumore che fa.

Ascolta  "La Caída"

https://youtu.be/LVHbWurbG7o?is=4jLskBmwqeteFnKx

Karma Field Records apre un nuovo varco: la poesia di Paolo Modolo tra anarchia e meditazione

Non è un cambio di rotta, ma una mutazione naturale. Come quando una distorsione si dissolve e lascia spazio a un silenzio carico di senso. 

Karma Field Records allarga il proprio raggio d’azione e pubblica “Quel soffio tra l’anarchia e il buddismo”, prima raccolta poetica di Paolo Modolo, mente e cuore dell’etichetta.

Figura ben radicata nell’underground italiano fin dagli anni Novanta, Modolo ha attraversato palchi e chilometri con progetti come Anarcotici e In My June, fino ad arrivare alla dimensione più personale e visionaria di Willy Wonka Was Weird. 

Questo libro non interrompe quel percorso: lo traduce. Lo spoglia delle chitarre e lo lascia nudo, sulla pagina.

Il risultato è un lavoro breve ma denso, che si muove in equilibrio instabile tra poli opposti: ribellione e contemplazione, fragilità e lucidità, caos interiore e ricerca spirituale. Non c’è narrazione lineare, ma una sequenza di frammenti emotivi, ricordi e visioni che emergono come schegge. Più che raccontare, colpiscono.

La scrittura è essenziale, diretta, senza orpelli. Ogni parola sembra scelta per sottrazione, come se il non detto fosse parte integrante del testo. Il titolo stesso diventa una bussola imperfetta ma affascinante: un soffio sospeso tra tensioni che non cercano risoluzione.

Anche l’oggetto libro riflette questa identità. Il layout, fedele all’estetica minimale di Karma Field Records, gioca su contrasti netti tra bianco e nero, lasciando spazio al vuoto quanto al segno. Un equilibrio visivo che amplifica il peso delle parole.

Ad accompagnare l’ingresso nel mondo di Modolo c’è la prefazione di Andrea Liuzza (Beautiful Losers), che offre una chiave di lettura intima senza mai imbrigliare l’esperienza. Perché questo è un libro che non guida: attraversa.

E poi c’è un elemento che rompe la staticità della pagina. All’interno del volume, un QR code apre l’accesso all’audiobook disponibile su Bandcamp. La voce dell’autore aggiunge un ulteriore livello, trasformando la lettura in un’esperienza più immersiva, quasi performativa. La parola torna suono, chiudendo un cerchio.

Con questa uscita, Karma Field Records conferma la propria natura di spazio libero, dove le forme espressive si contaminano senza chiedere permesso. La musica non sparisce: cambia pelle.

“Quel soffio tra l’anarchia e il buddismo” non offre risposte facili, né cerca di farlo. È un passaggio, una vibrazione sottile, qualcosa che resta addosso più che nella testa. Un libro che non si spiega. Si attraversa.

ACQUISTO SU AMAZON:

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ASCOLTO DELLE POESIE SU BANDCAMP:

https://karmafieldrecords.bandcamp.com/album/quel-soffio-tra-lanarchia-e-il-buddismo-lettura-delle-poesie

DURACEL: ritorno dopo 8 anni con “Duemilauno” — EP in uscita, due singoli e live con MXPX e Talco al Punkadeka Festival 2026

Dopo otto anni di silenzio, quelli veri, quelli che fanno sembrare le chitarre appese al muro oggetti archeologici, i Duracel tornano a fare quello che sanno fare meglio: rumore con un senso. 

E lo fanno con “Duemilauno”, un EP che non è solo un ritorno, ma una specie di riavvio di sistema senza nostalgia tossica.

La band punk rock veneziana, attiva dal 2003 e premiata al MEI di Faenza nel 2009 come Miglior Punk Band Italiana, rimette in moto la macchina con una formula precisa: due singoli e un EP finale. 

Il primo assaggio, “Duemilauno”, arriva il 24 aprile, seguito da “Quanto Male Fai” il 22 maggio, fino alla pubblicazione completa del 6 giugno 2026.

Quattro tracce, registrate live in studio, senza filtri e senza paracadute. Produzione completamente DIY, perché certe cose o le fai così o non le fai proprio. Dentro l’EP trovano spazio anche “All’Angolo” e “La mia Identità”, chiudendo un cerchio che parte da un anno preciso, il 2001, e lo usa come bussola per orientarsi nel presente.

Il titolo non è nostalgia da playlist, ma un riferimento secco, quasi chirurgico. Anche l’estetica segue questa linea: una TV vintage con barre SMPTE in copertina, come a dire “il segnale c’è, ma sta a te sintonizzarti”.

Dietro le quinte, mix e mastering portano la firma di Andrea Spazza dei Derozer, una garanzia quando si parla di suono diretto, senza fronzoli e con il giusto grado di abrasione.

Nel corso degli anni, i Duracel hanno condiviso il palco con nomi come NOFX, SKA-P, Punkreas, Derozer, Tre Allegri Ragazzi Morti, Teenage Bottlerocket, Queers e Methadones, costruendo una traiettoria solida tra Italia ed estero. Questo ritorno non è quindi un revival, ma un nuovo capitolo scritto con la stessa calligrafia ruvida di sempre.

E dal vivo? Si riparte subito. L’8 maggio saranno al Jungle Punk Explosion alle Fornaci Estate di Vicenza insieme a The Slurmies, All Coasted e Succo Marcio. Poi appuntamento grosso il 5 settembre al Punkadeka Festival 2026 al Circolo Magnolia di Segrate, dove divideranno il palco con MXPX e Talco.

Nessun pre-save, nessuna strategia complicata: i brani usciranno direttamente su Spotify, Apple Music e tutte le piattaforme. Un approccio semplice, quasi old school, che in un’epoca di algoritmi sembra già una dichiarazione d’intenti.

I Duracel non tornano per ricordarti chi erano. Tornano per vedere se hai ancora voglia di stare al passo. E a giudicare da “Duemilauno”, il volume è già al livello giusto.

Live For Life – Punk vs Cancer #15 (17 aprile, Palaconti Bussoleno): Wally Gators, Dialcaloiz, Crac Rural Core, Juda’s Kiss, Errico Canta Male, Weekend Cigarettes e Medusa

Non è il solito concerto. È uno di quegli appuntamenti che trasformano un palco in qualcosa di più grande, quasi un amplificatore collettivo dove ogni accordo spinge nella stessa direzione.

Venerdì 17 aprile torna al Palaconti di Bussoleno la quindicesima edizione di Live For Life – Punk vs Cancer, una serata che negli anni si è costruita una reputazione fatta di sudore, partecipazione e significato. Qui la musica non resta intrattenimento: diventa presenza, scelta, gesto concreto.

Sul palco si alterneranno:

Wally Gators

Dialcaloiz

Crac Rural Core

Juda’s Kiss

Errico Canta Male

Weekend Cigarettes

Medusa

Sette nomi, sette modi diversi di stare dentro la scena, ma con un’attitudine comune: suonare come se ogni pezzo contasse davvero. Perché qui conta.

Le porte apriranno alle 20:00, con inizio live alle 21:00. L’ingresso sarà a offerta libera, in perfetto spirito DIY: nessun prezzo imposto, solo la consapevolezza di partecipare a qualcosa che va oltre la musica.

La ricerca sul cancro non è distante, non è astratta. È intrecciata alle vite di tutti, fatta di volti, storie e battaglie quotidiane. Ed è proprio per questo che eventi come questo esistono: per unire, per sostenere, per non restare fermi.

L’intero ricavato della serata sarà devoluto alla Fondazione Piemontese per la Ricerca sul Cancro. Un motivo in più per esserci, sotto quel palco, a trasformare ogni nota in qualcosa che lascia il segno.

Medium Beer fuori il nuovo disco “Palchi e Barricate”

Ci sono dischi che sembrano uscire da uno studio, e poi ci sono dischi che sembrano uscire direttamente da un centro sociale alle due di notte, con l’odore di birra versata e amplificatori ancora caldi. “Palchi e Barricate”, nuovo lavoro dei Medium Beer, appartiene senza dubbio alla seconda specie.

In uscita il 3 aprile 2026 per KOB Records (KOB177), l’album è un pugno al petto che non chiede permesso. Niente pose, niente costruzioni artificiali: qui dentro c’è vita vera, quella fatta di provincia, di amicizie che salvano e di giornate che invece ti lasciano a terra. Il titolo è già un manifesto: da una parte il palco, luogo di espressione e sfogo; dall’altra la barricata, simbolo di resistenza e identità.

“Palchi e Barricate” è un disco che si muove tra rabbia e appartenenza, tra il bisogno di urlare e quello di sentirsi parte di qualcosa. I Medium Beer raccontano una generazione che spesso resta ai margini, silenziosa non per scelta ma per mancanza di spazio. Giovani senza voce, o meglio: con una voce che trova casa solo nei live, negli spazi condivisi, nei momenti in cui il caos diventa collettivo.

Il cuore del disco batte proprio lì: nella provincia che soffoca ma che, allo stesso tempo, non si riesce ad abbandonare davvero. Un amore tossico, viscerale, che si trasforma in canzoni dirette, senza filtri. I testi parlano chiaro: disagio, identità, smarrimento. Ma anche resistenza, legami e quella strana bellezza che nasce tra chi “sbanda” senza avere una direzione precisa.

Musicalmente, i Medium Beer restano fedeli a un’attitudine Oi! ruvida e immediata, pensata più per essere vissuta sotto palco che analizzata a freddo. È musica che funziona meglio sudata, urlata in coro, condivisa spalla contro spalla.

La copertina, curata da Militanza Grafica, accompagna perfettamente il concept del disco, rafforzando quell’estetica militante e diretta che permea tutto il progetto.

“Palchi e Barricate” non è un disco che cerca di piacere a tutti. È un disco che vuole parlare a qualcuno in particolare: ai ribelli, agli sbandati, a chi si sente fuori posto. E lo fa senza retorica, senza pietismo, ma con una sincerità che colpisce dritta dove deve.

Un album che non offre soluzioni, ma compagnia. E a volte, è esattamente quello che serve.

“Palchi e Barricate” 

DASTY DAFREAK: “IDGAF” È IL MANIFESTO POP PUNK CONTRO LA CULTURA DEL PIANO B

Niente compromessi, niente uscite di sicurezza: “IDGAF” è la dichiarazione frontale con cui Dasty Dafreak rimette tutto in discussione. Un singolo pop punk diretto e senza filtri, che colpisce dritto nel punto in cui pressione sociale e identità personale iniziano a scontrarsi.

Disponibile dal 3 aprile 2026 su tutte le piattaforme digitali, il brano è una scarica elettrica che attraversa il conflitto tra pressione sociale, insicurezza personale e bisogno feroce di autodeterminazione. Non è solo rabbia: è lucidità che brucia.

Fin dalle prime battute, “IDGAF” si muove tra strofe intime e confessionali e un ritornello che esplode come una porta sbattuta in faccia alle aspettative altrui.

Frasi come “Perché alla mia età dovrei mollare col punk” e “Imparo dagli sbagli, solo per riuscire a rifarli” costruiscono un crescendo emotivo che trova il suo apice nell’urlo liberatorio: “I don’t give a fuck, non me ne frega un cazzo”. Non è menefreghismo da cartolina, ma una presa di posizione netta, quasi terapeutica.

Dasty Dafreak racconta senza filtri la frizione continua tra ciò che siamo e ciò che gli altri vorrebbero vedere. E lo fa con un linguaggio diretto, viscerale, che evita qualsiasi patinatura. Il risultato è un pezzo che si inserisce nel solco del pop punk contemporaneo, ma con una firma personale ben riconoscibile: niente nostalgia sterile, piuttosto una rilettura attuale e necessaria del genere.

La produzione, curata insieme a Nicola Russo (chitarra e basso) e Fabio Barzaghi (batteria), punta su un equilibrio dinamico: chitarre energiche, ritmiche serrate e un cantato volutamente poco filtrato. Il mix e master di Gabriele Marmondi (LonDi Studio) mantengono l’impatto crudo del brano, lasciando respirare il contrasto tra momenti più vulnerabili e aperture esplosive. Il suono è ruvido al punto giusto, come una cicatrice che non si vuole nascondere.

Dietro il progetto c’è un percorso tutt’altro che lineare. Nato nel 1994 e cresciuto nella periferia di Milano, Dasty inizia nel rap nel 2010 per poi tornare alle radici pop punk che lo hanno formato. L’influenza di band come Green Day, Blink-182 e Simple Plan si sente, ma non pesa: è più una lingua madre che un riferimento esplicito.

Dopo diverse esperienze discografiche poco soddisfacenti, arriva la scelta decisiva: riprendersi tutto. Nasce così uno studio indipendente insieme a Nick e Barza, trasformando un progetto solista in una creatura collettiva, alimentata da amicizia e visione condivisa. È qui che il suono evolve, aprendosi anche a elementi più contemporanei ed elettronici, senza perdere l’attitudine DIY.

“IDGAF” è il primo vero squillo di questa nuova fase. Un brano che rifiuta la logica dell’accontentarsi e mette in discussione l’ossessione collettiva per il “mettersi a posto”. Più che un singolo, è una dichiarazione d’intenti: smettere di vivere secondo le paure degli altri.

E se questo è l’inizio, il resto promette scintille.

Ascolta "IDGAF"

ALL COASTED: RABBIA A VOLUME MASSIMO NEL NUOVO SINGOLO “GET OFF OF ME”

C’è un momento preciso in cui la fiducia si spezza come una corda troppo tirata. Gli All Coasted lo catturano senza filtri in “Get Off Of Me”, il nuovo singolo in uscita il 3 aprile, primo assaggio del prossimo LP Time For Disruption, atteso l’8 maggio e pubblicato in pieno spirito DIY tramite Punk Explosion Collective.

Il brano è una scarica elettrica senza compromessi: chitarre abrasive, ritmiche serrate e un’attitudine che pesca a piene mani dal punk rock californiano più ruvido.

“Get Off Of Me” nasce da un periodo personale segnato da rabbia, tradimento e disorientamento, trasformando il caos emotivo in un attacco frontale. Non c’è spazio per mezze misure: qui si respira distanza, disillusione e quella lucidità tagliente che arriva solo dopo il crollo.

Il singolo apre la strada a Time For Disruption, secondo album in studio della band vicentina, un lavoro che promette di amplificare tensioni personali e frustrazioni verso un sistema sempre più distante. Se questo primo estratto è l’indizio, il disco si preannuncia come un pugno nello stomaco, di quelli che però ti fanno sentire vivo.

Attivi dal 2015, gli All Coasted hanno costruito la loro identità chilometro dopo chilometro, superando i cento concerti tra Italia ed Europa e condividendo il palco con nomi pesanti della scena come NOFX, Sick Of It All, Teenage Bottlerocket, The Rumjacks e Talco. Una gavetta vera, fatta di sudore, furgoni e palchi incandescenti, che si riflette in un sound diretto e ad alta energia.

Il 2026 segna un nuovo capitolo importante: oltre all’uscita del disco, la band salirà sul main stage del leggendario Rebellion Festival di Blackpool, uno degli appuntamenti più iconici per il punk rock mondiale.

“Get Off Of Me” non chiede il permesso: entra, spinge e lascia il segno. E se questo è solo l’inizio della disruption, conviene tenersi pronti.

Ascolta “Get Off Of Me”

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Baratro: il rumore come scelta, fuori “Pick a Side” e in arrivo il nuovo album No Comply

Non è un disco che ti viene incontro: è uno di quelli che ti prende per il colletto. I Baratro tornano così, senza introduzioni morbide, con “Pick a Side”, primo assaggio di No Comply, il nuovo album in uscita l’8 maggio per Supernatural Cat.

Il brano è una scossa secca: ritmiche tese, chitarre che graffiano e una struttura che sembra sempre sul punto di collassare, ma non lo fa mai. Rimane lì, sospesa, come una scelta rimandata troppo a lungo. E infatti il titolo parla chiaro: stare a guardare non basta più.

La vera svolta però sta nella nuova formazione. L’ingresso del violoncellista Matteo Bennici cambia le coordinate della band, aggiungendo una profondità che non addolcisce, ma anzi rende tutto più inquieto. Il suono si allarga e si incupisce, mantenendo quella matrice noise che resta il cuore pulsante del progetto.

No Comply nasce da un’urgenza reale, non da un esercizio stilistico. Il contesto in cui prende forma è quello di un presente attraversato da tensioni politiche e sociali sempre più evidenti, e la band non fa nulla per nasconderlo. Le tracce diventano così una risposta diretta, istintiva, a ciò che succede fuori dalla sala prove.

Anche il metodo di lavoro riflette questa attitudine: tutto è stato costruito insieme, senza schemi rigidi, lasciando spazio a un processo creativo libero e condiviso. Il risultato è un disco che non cerca la perfezione, ma l’impatto.

Dalle radici nello squat Cox18 fino a oggi, i Baratro continuano a muoversi in una zona dove la musica è prima di tutto espressione e presa di posizione. No Comply non prova a piacere: prova a dire qualcosa. E lo fa senza abbassare il volume.

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Moravagine: ritorno sul palco nel 2026

Ci sono band che non spariscono mai davvero: restano sottopelle, come un vecchio adesivo attaccato male su una chitarra scassata. I Moravagine sono una di queste. Nati nella provincia di Padova nel 1995, tornano nel 2026 con una nuova serie di concerti pronti a riaccendere quella scintilla ruvida e senza filtri che ha segnato una stagione intera del punk rock italiano.

Tra la fine degli anni ’90 e i primi 2000, i Moravagine hanno fatto parte della spina dorsale della scena underground, muovendosi con spirito DIY e un suono diretto, senza fronzoli. Palchi condivisi con nomi come Punkreas, Derozer, Peter Punk e Shandon, chilometri macinati e un’attitudine che non chiedeva permesso: solo volume e verità.

Nel loro percorso discografico, lavori come Per non crescere sono diventati piccoli cult per chi ha vissuto (o scoperto dopo) quell’epoca fatta di centri sociali, fanzine e pogo senza regole. Un disco che oggi suona come una fotografia sgranata ma vivissima di quegli anni.

Il ritorno live non è solo un’operazione nostalgia: è un’occasione concreta per rimettere in circolo quel repertorio, riportarlo dove è sempre appartenuto, sotto palco, tra sudore, cori urlati e birre rovesciate.

Ecco le date confermate per il 2026:

5 giugno – Rembambeer Fest, San Vittore Olona (MI) con Derozer

11 luglio – Hillside Fest, Montegridolfo (RN)

4 settembre – Punk Explosion, Vicenza

26 settembre – Balera Punk Fest, Cremona con Bad Frog

Per chi c’era, sarà come riaprire una porta lasciata socchiusa troppo a lungo. Per chi arriva adesso, invece, è il momento perfetto per capire da dove arriva certo punk italiano: diretto, imperfetto, vivo. Sempre vivo.

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MOONGLASSES, “BOYS WE WERE”: QUATTRO TRACCE, ZERO FILTRI

Niente giri larghi: “boys we were”, primo EP dei Moonglasses (fuori dal 30 gennaio 2026), è uno di quei debutti che funzionano perché non cercano di sembrare più grandi di quello che sono. Quattro pezzi, quattro direzioni, un’identità ancora in movimento ma già riconoscibile.

La title track gioca sul lato più accessibile del progetto: linea melodica pulita, atmosfera che resta in testa senza bisogno di strafare. Subito dopo, last one cambia passo e allunga i tempi, lasciando spazio a una tensione più rarefatta, quasi sospesa. bla bla invece insiste, ripete, martella: è il brano più ostinato del lotto, costruito su una struttura che punta tutto sulla reiterazione. Chiude fuck (no money faith), che spinge sull’acceleratore con riff più diretti e un’energia decisamente più frontale.

Le versioni “radio edit” di due brani (boys we were e fuck (no money faith)) non sono un dettaglio secondario: dal vivo si sviluppano oltre, segno che la band ragiona già in una dimensione più ampia rispetto a quella fissata su disco.

Dietro l’EP ci sono anche piccoli indizi di un percorso in costruzione: un quinto pezzo lasciato fuori per ora, e registrazioni realizzate quando la formazione era ancora a quattro elementi. Il tutto registrato al Black Light Project, con produzione, mix e master affidati ad Alessandro Saltarelli.

boys we were non prova a essere definitivo, e fa bene così. È un primo passo concreto, con qualche spigolo e diverse idee che meritano di essere spinte più a fondo. Un esordio che non chiede attenzione: se la prende.

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GOOD MORNING CERNOBYL’ “TENSE/RESISTANCE” Quando la resistenza non esplode, ma consuma

C’è una guerra che non fa rumore di bombe, ma scricchiola dentro le ossa. I Good Morning Chernobyl’ tornano con “Tense/Resistance”, e lo fanno senza cercare vie di fuga facili: il loro è un viaggio in apnea dentro quella zona grigia dove l’individuo combatte contro un sistema che non si vede, ma si sente addosso come un peso costante.

Il brano si muove su una linea sottile, quasi elettrificata: non è rivoluzione, non è resa. È resistenza pura, di quella che non libera ma logora, giorno dopo giorno, pensiero dopo pensiero. Una tensione continua che si infiltra sotto pelle fino a diventare qualcosa di personale, intimo, impossibile da ignorare.

Il ritornello è il vero epicentro emotivo del pezzo: ossessivo, circolare, quasi rituale. Più che essere cantato, sembra evocato. Una litania moderna che cresce su sé stessa e trascina l’ascoltatore in una spirale dove ansia e paranoia si rincorrono senza tregua. E quando si arriva al punto di rottura, la confessione è nuda, spietata: nella pressione del conflitto, l’identità rischia di implodere.

Sul fronte sonoro, la band resta fedele al proprio DNA: punk diretto, nervoso, senza filtri. Le chitarre graffiano, il ritmo incalza, e tutto contribuisce a costruire un’esperienza fisica prima ancora che musicale. “Tense/Resistance” non si ascolta soltanto, si assorbe come una scarica nei muscoli, come se il corpo stesso fosse parte dello scontro.

Con questo singolo, i Good Morning Chernobyl’ continuano a scolpire la loro identità: trasformare il disagio contemporaneo in suono crudo, viscerale, necessario. Nessuna via di fuga, nessuna consolazione. Solo tensione. E resistenza.

ASCOLTA "TENSE/RESISTANCE”!

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“Tik Tok”: il pop punk dei Talia Cavasu contro la dipendenza da social

C’è una linea sottile tra il dito che scorre e la testa che si spegne. I Talia Cavasu la percorrono tutta, senza casco, nel nuovo singolo “Tik Tok”, un brano che suona come una festa pop punk ma lascia addosso il retrogusto di una notifica che non smette mai di vibrare.

Dietro l’apparente leggerezza di una cotta per una “diva da TikTok”, la band costruisce una piccola trappola narrativa: entri per il sorriso, resti per il dubbio. Il protagonista si muove in un mondo fatto di filtri, loop e approvazione istantanea, finché qualcosa si incrina. La consapevolezza arriva, ma è come cercare di spegnere uno schermo già incollato agli occhi. Il risultato è un ritratto ironico e amaro di una generazione che vive con il telefono in mano e il cervello in buffering.

Musicalmente, “Tik Tok” è un’esplosione controllata. Chitarre veloci, ritornello che si stampa in testa al primo ascolto e una base ritmica che strizza l’occhio alla dance e all’elettronica, senza mai perdere il DNA punk. È il classico pezzo che potresti urlare sotto palco mentre salti, salvo poi accorgerti che ti sta raccontando qualcosa di fin troppo reale.

Nati in una cantina a Villa Cortese, i Talia Cavasu portano avanti un’idea di punk-rock contaminato, dove l’energia grezza incontra la voglia di far muovere le gambe. La formazione, composta da Davide Montanari (voce e chitarra), Gabriele Benevento (basso e cori), Danilo Travaini (batteria e cori) e Paolo Bassi (tastiere e cori), costruisce un sound che funziona tanto in cuffia quanto dal vivo, dove la componente fisica diventa parte integrante dell’esperienza.

“Tik Tok” è uno di quei brani che ti fanno ballare mentre ti guardi allo specchio con un filo di disagio. E forse è proprio lì che colpisce meglio: quando capisci che, in fondo, quella dipendenza raccontata con ironia non è poi così lontana.

ASCOLTA "TIK TOK”!

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couchgagzzz: “Mighty Dog” è il singolo che ringhia contro il sistema (e ti morde le caviglie)

C’è qualcosa di profondamente sbagliato in “Mighty Dog”. Ed è proprio per questo che funziona così bene. Il nuovo singolo dei couchgagzzz, uscito il 27 marzo 2026 per Sour Grapes Records, Ciqala Records e MiaCameretta Records, è una scarica di rock’n’roll nervoso e deformato che sembra uscito da un laboratorio clandestino… e forse non è solo una metafora.

Secondo estratto dal prossimo EP “Primitive Men” (in arrivo il 18 aprile), il brano si muove su un concept tanto surreale quanto inquietantemente plausibile: una droga sintetizzata per errore capace di trasformare gli esseri umani in cani rabbiosi iper-potenti. Nessun effetto collaterale, nessun prezzo da pagare. Solo pura furia. Troppo perfetta per essere reale, quindi perfetta per essere nascosta. E infatti, nel mondo raccontato dalla band, le multinazionali fanno di tutto per soffocare la scoperta e mantenere intatto lo status quo.

Dentro questo scenario distopico, “Mighty Dog” corre a briglie sciolte: chitarre taglienti, ritmi serrati e un’attitudine sfrontata che pesca a piene mani dal garage punk australiano più storto e adrenalinico. È musica che non chiede permesso, entra, spacca e scappa lasciando la porta aperta.

Nati in uno scantinato di Bari nel 2021, i couchgagzzz sono JJ (batteria, voce), BB (basso, voce), Garko (chitarra, voce) e Snafu (synth, chitarra). Un quartetto che sembra assemblato con pezzi di varie sottoculture pugliesi, ma che ha trovato una propria identità precisa e riconoscibile: veloce, sporca, immediata.

Dopo l’esordio con “Gosports!!!” nel 2023, finito nelle classifiche di fine anno di Rockit e Blow Up e persino in rotazione sulla BBC, la band ha continuato a macinare chilometri e attenzioni. Dalla live session negli studi britannici fino all’invito di Skin ad aprire le date italiane degli Skunk Anansie, passando per il palco dell’Egg Fest di Manchester: un percorso che racconta una crescita costante, senza perdere quell’aria da cantina sudata che resta il loro habitat naturale.

“Mighty Dog” è quindi più di un singolo: è un manifesto animalesco, un morso sonoro contro controllo, censura e normalizzazione. E se davvero esistesse quella droga? Beh, a giudicare da questo pezzo, qualcuno l’ha già presa. 

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Dopo 25 anni i Climax tornano con “Regina di ogni vizio”

Dimentica le reunion impolverate buone solo per le foto ricordo. I Climax rientrano in scena dopo 25 anni con un EP che non chiede permesso e non guarda indietro: “Regina di ogni vizio” è un pugno secco sul tavolo, di quelli che fanno saltare i bicchieri.

Nati a Lecce, nel cuore caldo del Salento, i Climax sono stati tra i primi a dare forma alla scena punk hardcore locale negli anni ’90. Veloci, ruvidi, senza compromessi. Un DNA che mescola l’irruenza del punk californiano con una rabbia profondamente italiana, di strada, di quartiere. Oggi quel DNA non è stato addomesticato: è stato aggiornato, reso più tagliente, più consapevole.

La scelta di scrivere in italiano è una lama affilata: i testi arrivano dritti, senza filtro, tra sarcasmo e verità scomode. Non c’è estetica da cartolina, ma storie quotidiane che puzzano di realtà. “Regina di ogni vizio” vive di contrasti: istinto e lucidità, attrazione e repulsione, identità e disillusione. È un disco che non cerca equilibrio, lo sabota.

I brani sono schegge che colpiscono da angolazioni diverse. “La Mia Ragazza” mette a nudo relazioni storte, senza romanticismi di plastica. “La Muscia di Quartiere” è un ritratto feroce e ironico, quasi un animale urbano che si muove tra desiderio e caos. “Standing Ovation” suona come un manifesto corrosivo, una presa in giro di una società che applaude anche il vuoto. Poi c’è “Lec-cheers”, un coro da urlare sotto palco, identitario e sfrontato, mentre “Social Arcade” trasforma i social in un videogioco collettivo al limite del glitch emotivo. Chiude il cerchio “Operazione Garuda”, il lato più duro e militante della band, tra tensione narrativa e attitudine combattiva.

Ma è dal vivo che i Climax diventano una forza naturale. Niente pause, niente tregua: un set da oltre 90 minuti e più di 15 brani che trasformano ogni concerto in un rito sudato e collettivo. Non è intrattenimento, è impatto.

Accanto ai pezzi dell’EP, la band porta già in giro nuove tracce inedite che anticipano un futuro album. Segno che questo ritorno non è un episodio isolato, ma l’inizio di un nuovo capitolo scritto con la stessa urgenza di allora, forse anche di più.

“Regina di ogni vizio” non celebra il passato: lo prende, lo scuote e lo rilancia nel presente con tutta la sua carica elettrica. I Climax sono tornati. E non hanno nessuna intenzione di abbassare il volume.

Social: https://www.instagram.com/the.climax.show/

Spotify: https://open.spotify.com/intl-it/album/2JGYvfkab8qDVDLAeV0aFg?si=Q1bjTXIaSY-GLuW6Cs3knw

“Fuori dal club”: Rino Castel racconta la vita dopo il mito dei ventisette

Cresci con certe storie addosso, quelle che ti insegnano che per lasciare il segno devi bruciare in fretta, consumarti, diventare leggenda prima ancora di capire chi sei. Poi arrivi dall’altra parte, ancora intero, e scopri che il vero problema è proprio quello: restare. Con Fuori dal club, il suo nuovo album uscito il 27 marzo per Key Team, Rino Castel parte da qui e costruisce un disco che non cerca scorciatoie, ma si infila dritto nelle crepe della realtà quotidiana.

Niente luci strobo, niente romanticismo da autodistruzione: qui si parla di cosa succede dopo, quando hai superato indenne il famigerato “club dei 27” e ti ritrovi a fare i conti con tutto il resto.

Il cantautore anconetano costruisce un racconto che è insieme personale e generazionale, partendo da quella terra di mezzo fatta di identità sospese, lavori che non ti appartengono e città che ti inghiottono senza chiedere il permesso. Fuori dal club attraversa proprio questo paesaggio emotivo: la maschera adulta, l’alienazione quotidiana, il senso di inautenticità che pulsa sotto la superficie metropolitana.

Ma attenzione: non c’è alcuna fuga romantica. Castel smonta pezzo per pezzo l’illusione che basti scappare per salvarsi. Il disco non offre vie d’uscita facili, semmai propone una resistenza sottile, quasi invisibile. Come racconta lui stesso, non è un album sulla guarigione, ma sulla sopravvivenza consapevole. Tradotto: niente redenzione, solo la scelta ostinata di restare.

Le tracce si muovono come capitoli di un diario lasciato aperto sul tavolo. Da camera con vista a ventisette, passando per stupido e non me ne frega un cazzo, emerge una narrazione che rifiuta il climax spettacolare per abbracciare qualcosa di più difficile da raccontare: la continuità. Vivere senza più alibi, senza il fascino tragico dell’autodistruzione, senza la promessa di diventare leggenda.

Musicalmente, Rino Castel resta ancorato a quell’immaginario pop punk primi Duemila che lo ha formato, ma lo svuota della sua componente adolescenziale per riempirlo di crepe adulte. Le influenze si sentono, ma non pesano: sono il telaio su cui costruire un suono più consapevole, meno urlato e più inciso.

In questo vuoto, l’unica forma di resistenza possibile è fragile e concreta: scegliere qualcuno, scegliere di restare, scegliere il giorno dopo. Non è una morale, è una presa d’atto.

Ascolta "Fuori dal club"

RETRY: “Mirella” è il punto in cui le parole si fermano e resta tutto il resto

Ci sono canzoni che parlano. E poi ci sono canzoni che si siedono accanto al silenzio e lo lasciano fare. “Mirella”, il nuovo singolo dei RETRY in uscita il 27 marzo 2026 per Lunaz Records, appartiene senza dubbio alla seconda categoria.

Dopo aver acceso la miccia con “Senza Fretta”, il power trio vicentino torna con un brano che scava nelle crepe delle relazioni, quelle dove le parole non arrivano mai in tempo o si perdono strada facendo.

“Mirella” non racconta solo una storia: racconta quel momento preciso in cui smetti di cercare le frasi giuste e ti ritrovi a fare i conti con ciò che resta.

Il pezzo si muove su un equilibrio sottile tra memoria e rimozione. Due voci si osservano da lontano, come se fossero ferme su rive opposte: da una parte il bisogno di restare aggrappati a qualcosa di familiare, dall’altra l’impulso a lasciarsi andare, anche a costo di affondare. Nessun melodramma, nessuna esplosione plateale. Solo una lucidità quasi spietata, che rende tutto più vero.

“Mirella” diventa così anche un simbolo. Un nome che si inserisce in quella lunga tradizione musicale di figure femminili che incarnano relazioni irrisolte, ricordi che non smettono di bussare, presenze che restano+ anche quando non ci sono più. Non è solo un personaggio: è un’eco.

Dal punto di vista sonoro, i RETRY restano fedeli alla loro cifra: un post punk in italiano asciutto e diretto, costruito su chitarre taglienti, un basso pulsante e una batteria precisa come un battito nervoso. L’arrangiamento non invade mai lo spazio emotivo del brano, ma lo accompagna con intelligenza, lasciando respirare pause e immagini.

Ed è proprio lì che “Mirella” colpisce più forte: nella sottrazione. Dove molti riempiono, i RETRY tolgono. Dove ci si aspetterebbe uno scontro, arriva una resa consapevole. Non una fine, ma una presa d’atto.

Nati a Vicenza e formati da Mauro (voce e chitarra), Teo (basso e cori) e Greg (batteria), con membri provenienti da realtà come i Derozer e i Melt, i RETRY portano avanti un progetto che tiene insieme urgenza punk e uno sguardo più adulto, capace di stare dentro le sfumature.

Il loro nome è già una d?ichiarazione d’intenti: riprovarci. Non per nostalgia, ma perché certe cose chiedono ancora di essere dette, anche quando è difficile trovare le parole giuste.

Con “Mirella”, i RETRY aggiungono un nuovo capitolo a questo percorso: una canzone che non cerca di risolvere, ma di restare. E in quel restare, dice molto più di quanto sembri.

Ascolta "Mirella"