Still No One, fuori “Save Me”: il nuovo singolo che completa l’EP omonimo

Il nuovo singolo della band skatepunk padovana chiude il percorso dei cinque brani che comporranno l’EP omonimo, in uscita completo in digitale e CD.

Il conto alla rovescia è ormai terminato. Venerdì 4 settembre 2026 gli Still No One hanno pubblicato SAVE ME, il nuovo singolo che completa il percorso di cinque release destinate a confluire nel prossimo EP omonimo della band skatepunk padovana.

Con SAVE ME si chiude quindi la serie di singoli che anticipa il progetto completo, autoprodotto dalla band e disponibile sia in digitale su tutte le principali piattaforme sia in formato CD.

Il nuovo brano porta gli Still No One su un terreno diretto e senza troppi giri di parole: quello della sensazione di essere intrappolati nel luogo in cui si è cresciuti, quando una città che conosci da sempre improvvisamente sembra diventare troppo stretta.

Routine, frustrazione e voglia di cambiare fanno da carburante a una canzone costruita attorno a un bisogno molto concreto: andarsene.

SAVE ME nasce infatti da un'esigenza reale di evasione e racconta il conflitto tra la rabbia di sentirsi bloccati e la determinazione necessaria per provare a cambiare vita. Non soltanto uno sfogo, quindi, ma una vera e propria iniezione di energia rivolta a chi almeno una volta ha guardato ciò che aveva intorno sentendosi fuori posto e ha iniziato a cercare una strada diversa.

È un tema perfettamente in linea con l'attitudine skatepunk degli Still No One, che attraverso un brano energico trasformano una sensazione personale in qualcosa di facilmente condivisibile: quando il posto in cui sei cresciuto smette di sembrarti casa, forse è arrivato il momento di cercare altrove.

Con l'uscita di SAVE ME si completa dunque il mosaico dell'EP omonimo, che raccoglierà tutti e cinque i singoli pubblicati dalla band. Un progetto che gli Still No One hanno scelto di portare avanti in totale autonomia, mantenendo anche una dimensione fisica grazie alla pubblicazione in CD.

Le novità non finiscono con la release del singolo. Venerdì 11 settembre sarà infatti la volta del video ufficiale di SAVE ME, in uscita una settimana esatta dopo il brano.

Un secondo appuntamento che permetterà di dare una dimensione visiva alla storia raccontata nel pezzo e di chiudere anche sul piano audiovisivo il percorso costruito intorno all'ultimo singolo.

Per gli Still No One, insomma, settembre segna il momento della raccolta: cinque singoli diventano finalmente un unico EP, mentre SAVE ME si prepara a chiudere il percorso con tutta l'urgenza e l'energia di chi ha deciso che, a volte, per trovare il proprio posto bisogna prima avere il coraggio di lasciare quello vecchio.

“Save Me” e l’EP omonimo sono disponibili da oggi, 4 settembre 2026, su Spotify, Apple Music e Bandcamp.

Registrazioni, mixaggio e mastering sono a cura di Angelica Gheller.

Ascolta "Save Me"

Talia Cavasu, “Gin&Tonica”: ska-punk e ironia sulle contraddizioni della musica indipendente

Essere musicisti oggi significa ancora, prima di tutto, fare musica? I Talia Cavasu provano a rispondere con ironia e una buona dose di sarcasmo in “Gin&Tonica”, il nuovo singolo disponibile sulle principali piattaforme digitali.

La band porta dentro un brano ska-punk diretto, energico e immediato tutte quelle contraddizioni che accompagnano il percorso dell'artista indipendente contemporaneo. Perché tra un pezzo da scrivere, un concerto da organizzare e un pubblico da conquistare, ci sono ormai social, contenuti, promozione, comunicazione e una quantità crescente di incombenze che hanno poco a che fare con il semplice gesto di suonare.

“Gin&Tonica” fotografa proprio questa realtà, alternando stati d'animo estremi e trasformando frustrazione, malinconia e una certa isteria da sopravvivenza in un brano che non rinuncia mai alla voglia di divertirsi.

La dimensione musicale segue perfettamente il tono del testo: chitarre in levare, ritmiche ska-punk e synth dal sapore 8 bit costruiscono un sound vivace e ballabile, apparentemente leggero ma attraversato da una critica piuttosto precisa alle dinamiche del music business.

Al centro c'è un ritornello destinato a rimanere in testa: “mi consolerò bevendo Gin&Tonica”. Una soluzione tanto semplice quanto efficace per raccontare il momento in cui l'ironia diventa una forma di autodifesa. Perché se all'artista viene chiesto sempre più spesso di essere anche imprenditore, social media manager, content creator e ufficio stampa di se stesso, tanto vale riderci sopra.

E magari alzare il bicchiere.

Nati in una sala prove ricavata in una cantina a Villa Cortese, i Talia Cavasu si muovono nel territorio del punk-rock contaminandolo con influenze pop-punk e dance. La formazione è composta da Davide Montanari (voce e chitarra), Gabriele Benevento (basso e cori), Danilo Travaini (batteria e cori) e Paolo Bassi (tastiere e cori).

Il risultato è un'identità sonora che punta sull'energia e sulla componente live, senza rinunciare a una certa leggerezza anche quando gli argomenti affrontati sono tutt'altro che spensierati.

Con “Gin&Tonica”, i Talia Cavasu mettono quindi nel mirino una delle grandi contraddizioni della musica indipendente di oggi: fare musica sembra essere diventata soltanto una parte del lavoro necessario per riuscire a far ascoltare la propria musica.

E allora sì, dopo preventivi, post, stories, reel, promozione e algoritmi, forse un Gin&Tonica ci sta.

Ascolta “Gin&Tonica” dei Talia Cavasu:

orcd.co/taliacavasu-gintonica

SHONAN: “JUNKIES”, IL NUOVO INNO AL CAOS E ALLE COMPAGNIE STORTE

Gli Shonan sono tornati. Lo scorso 5 agosto la band parmigiana ha pubblicato su tutte le principali piattaforme digitali “Junkies”, nuovo singolo arrivato a tre mesi di distanza dall’ultima uscita e terzo tassello dei cinque brani che il trio ha pianificato per il 2026.

Con “Junkies” gli Shonan tornano a mettere al centro quella miscela di punk rock e rock’n’roll che da sempre caratterizza il loro sound, trasformandola in un inno alle serate intense, al caos e a quelle compagnie un po’ storte che, alla fine, diventano parte integrante della propria storia.

Il brano nasce dall’idea che per qualcuno sia proprio il caos a rendere le giornate degne di essere vissute. Condividere uno stile di vita, passioni, voglia e necessità di esprimersi diventa così un punto di incontro immediato con gli altri e, allo stesso tempo, con sé stessi.

“Junkies” procede per immagini, quasi fossero diapositive di momenti vissuti senza troppa intenzione di metterli in ordine. Situazioni, persone e sensazioni che, nel bene o nel male, meritano di essere celebrate. Non c'è bisogno di trovare una morale: conta l'attitudine, quella stessa attitudine che gli Shonan portano sul palco e che rappresenta uno degli elementi fondamentali della loro identità.

Il singolo segue “All I Know” e “I Don’t Wanna Be Here”, pubblicati nel corso del 2026, e segna un ritorno alle sonorità delle origini dopo il percorso intrapreso dalla band negli ultimi anni.

Gli Shonan nascono a Parma nel febbraio 2011, in una stanza parecchi metri sottoterra. Da lì parte un percorso che porta rapidamente il trio fuori da quelle quattro mura e sui palchi, grazie a una produzione musicale capace di unire punk e hard rock, testi fortemente autobiografici e una dimensione live energica e coinvolgente.

L'attività dal vivo è costante fin dagli inizi e porta la band a suonare in numerosi club italiani e sui palchi di importanti festival estivi.

Nel 2017 arriva il primo album, “Farewells & Pillows”, accompagnato dai singoli “Uh, Sha La La La!” e “Fall From Grace”. Nel 2018 è la volta di “She’s A Wolf”, mentre nell’ottobre 2021 gli Shonan pubblicano il secondo album “Kriminals!”, anticipato da “Rocky Roberts” e “Suburban Hayez”.

Nel 2024 il trio torna a pubblicare nuova musica con “Play Me Something”, “Playing With Fire” e “We Were Given Too Little Time”, muovendosi tra punk e alternative rock.

Il 2026 rappresenta invece un ritorno alle radici: “All I Know”, “I Don’t Wanna Be Here” e ora “Junkies” riportano in primo piano l'attitudine punk rock che ha accompagnato gli Shonan fin dagli esordi.

Cinque singoli programmati per l'anno, tre già pubblicati. E la storia, evidentemente, non è ancora arrivata alla diapositiva finale.

Junkies è disponibile su tutte le principali piattaforme digitali.

ZA, “Non mi sopporto più”: il pop-punk italiano torna a guardare agli anni Duemila

È disponibile dal 28 agosto “Non mi sopporto più”, il singolo d’esordio di Za, progetto solista di Sara. Un debutto tra chitarre, ironia e quella sana dose di insofferenza che il titolo lascia già intuire.

Ci sono momenti in cui una relazione ha ormai smesso di funzionare, ma dirlo ad alta voce sembra ancora più complicato che continuare a far finta di niente. È proprio da quella zona grigia fatta di dubbi, autocritica e decisioni rimandate che nasce “Non mi sopporto più”, il primo singolo di Za, disponibile dal 28 agosto su tutte le piattaforme digitali.

Pubblicato da INDACO Records e distribuito da ADA Music Italy / Warner Music Group, il brano mette subito in chiaro le coordinate del nuovo progetto di Sara: pop-punk italiano, chitarre energiche, melodie immediate e un ritornello diretto, con lo sguardo rivolto a quelle sonorità che tra la fine degli anni ’90 e i primi Duemila hanno cresciuto un’intera generazione.

A produrre il singolo è Luca “Ince” Incerti, batterista dei WEL e già compagno di percorso artistico di Sara. Una collaborazione nata negli anni precedenti e diventata centrale nella costruzione del nuovo progetto solista.

“Non mi sopporto più” affronta una situazione sentimentale attraverso ironia e vulnerabilità, raccontando il momento in cui si sa che qualcosa non va più, ma manca ancora il coraggio di prendere una posizione. Un tema quotidiano, raccontato senza troppi giri di parole e inserito dentro un sound che punta sull'immediatezza senza rinunciare a una componente autobiografica.

Dietro Za c’è Sara, cantautrice e chitarrista modenese classe 1990, che con il pop-punk ha un rapporto tutt'altro che recente. A 12 anni inizia a suonare la chitarra e cresce ascoltando band come Blink-182 e Sum 41, assorbendo quelle sonorità che torneranno protagoniste anche nel suo percorso artistico più recente.

Dal 2010 al 2017 è chitarrista e autrice dei Last, band pop-rock italiana con cui vive diverse esperienze importanti, condividendo il palco anche con Riccardo Lodi e Francesco Landi, all’epoca rispettivamente batterista e chitarrista di Benji & Fede.

Tra gli appuntamenti più significativi c’è l'apertura ai Rio al Vox Club di Nonantola e soprattutto il Liga Rock Park 2016 di Monza, dove i Last salgono sul palco prima di Ligabue davanti a un pubblico di oltre 80.000 persone.

Un'esperienza importante, ma il legame con il pop-punk non si è mai spezzato.

Nel 2024 Sara decide infatti di tornare alle proprie radici e di mettersi per la prima volta alla prova anche come cantante, dando vita al duo Cicala Sarei, progetto costruito intorno a voce, chitarra e batteria. È proprio in questa fase che prende forma il sodalizio con Luca “Ince” Incerti, destinato a proseguire anche dopo la conclusione del progetto.

Un nome nuovo per ripartire dalle vecchie passioni, questa volta assumendo il ruolo di cantante, chitarrista e autrice e mettendo al centro una scrittura personale in lingua italiana.

“Non mi sopporto più” rappresenta quindi il primo tassello di un progetto più ampio. Nel 2026 prende forma il primo EP solista di Za, composto da sei brani, tutti prodotti da Ince.

Le canzoni nascono durante un periodo di smarrimento e confusione personale e attraversano esperienze, relazioni e stati d’animo senza cercare particolari filtri. Accanto ai pezzi più energici e diretti trovano spazio anche momenti più intimi, con ballad capaci di rallentare il passo e mostrare un lato più vulnerabile dell'artista.

Il risultato è un progetto che prova a tenere insieme due dimensioni apparentemente lontane: la nostalgia per il pop-punk degli anni ’90 e Duemila e la necessità di raccontare il presente con una voce personale.

“Non mi sopporto più” è dunque l'inizio ufficiale di questa nuova fase. Un esordio che parte dalle chitarre e da un'attitudine pop-punk ben riconoscibile, ma soprattutto dalla voglia di Sara di tornare a suonare ciò che sente davvero suo.

E, considerando il titolo, forse anche di imparare finalmente a sopportarsi un po' di più.

Ascolta "Non mi sopporto più"

TALCO: parte il FREEK TOUR 2027, 15 date in giro per l’Europa

Dopo aver iniziato a svelare la nuova era con “Dalla Mia Parte Della Strada”, “Banality DeathMatch”, “Disco Inferno” e “Tinca”, i Talco sono pronti a tornare sui palchi europei con il FREEK TOUR 2027, la nuova tournée che accompagnerà il prossimo album FREEK.

La band veneziana, da oltre vent’anni tra i nomi più riconoscibili della scena punkchanka europea, ha annunciato una prima serie di 15 concerti tra gennaio e maggio 2027, attraversando Germania, Austria, Repubblica Ceca, Spagna, Belgio, Paesi Bassi e Lussemburgo.

Un tour che porterà i Talco in alcuni dei club più importanti del circuito europeo: dalla Grosse Freiheit 36 di Amburgo alla Razzmatazz di Barcellona, passando per il Backstage di Monaco, l’Arena di Vienna, l’Astra di Berlino, La Riviera di Madrid e il Melkweg di Amsterdam.

Il FREEK TOUR arriva in un momento particolarmente significativo per la band. I nuovi singoli hanno iniziato a delineare il sound e l’immaginario del prossimo disco, aprendo la strada a un nuovo capitolo della storia dei Talco senza perdere il legame con quella miscela di punk, folk e contaminazioni che li ha portati sui palchi di tutta Europa.

Sul palco, naturalmente, non mancheranno i brani che hanno costruito negli anni la storia della band, affiancati dal nuovo materiale di FREEK.

Per alcune delle date tedesche i Talco saranno accompagnati dai The Rumpled, mentre gli ON! saranno i main support dello show di Amburgo.

E il calendario continua ad allungarsi: è stata infatti aggiunta una nuova data in Belgio. Il 13 maggio 2027 i Talco saranno alla Kavka Oudaan di Anversa, con i biglietti disponibili dal 28 agosto alle ore 10:00.

TALCO FREEK TOUR 2027

09/01/2027 – HAMBURG, Grosse Freiheit 36

ON! (main support) + The Rumpled

15/01/2027 – MUNICH, Backstage

The Rumpled

16/01/2027 – WIESBADEN, Schlachthof

The Rumpled

05/02/2027 – VIENNA, Arena

06/02/2027 – PRAGUE, Palác Akropolis

19/02/2027 – COLOGNE, Live Music Hall

The Rumpled

20/02/2027 – BERLIN, Astra

The Rumpled

27/02/2027 – MADRID, La Riviera

12/03/2027 – SANTIAGO DE COMPOSTELA, Sala Capitol

13/03/2027 – BILBAO, Santana 27

22/04/2027 – ZARAGOZA, Teatro de las Esquinas

23/04/2027 – BARCELONA, Razzmatazz

24/04/2027 – IRUÑEA, Sala Totem

13/05/2027 – ANTWERP, Kavka Oudaan

14/05/2027 – AMSTERDAM, Melkweg

15/05/2027 – LUXEMBOURG, Den Atelier

Il FREEK TOUR 2027 sarà quindi il primo grande appuntamento dal vivo con la nuova fase dei Talco, tra nuove canzoni e una storia costruita in più di due decenni di concerti, dischi e chilometri macinati in tutta Europa.

Un nuovo disco all’orizzonte e quindici date già confermate: per i Talco, la strada continua. E sembra avere ancora parecchi chilometri da percorrere.

Guarda il video di “Tinca”:

https://youtu.be/_Cr81KLmkM4

Tutte le informazioni sul tour e sulle prossime novità sono disponibili sul sito ufficiale dei Talco.

Luke Style, fuori “Gangsta”: ironia e rock contro i cliché

Il nuovo singolo di Luke Style rilegge con ironia e spirito critico l’immaginario fatto di soldi, violenza e periferia, mettendo in discussione stereotipi e personaggi della scena contemporanea.

Sesso, droga, violenza, soldi, case popolari. Un immaginario che nella musica contemporanea torna spesso, soprattutto quando si parla di una certa narrazione trap e rap. Luke Style prende questi elementi e li porta dentro “Gangsta”, il suo nuovo singolo, scegliendo però una prospettiva diversa: quella dell’ironia, della provocazione e della critica agli stereotipi.

Il punto di partenza è una frase tanto semplice quanto significativa: «Anch’io vengo dalle case popolari, ma faccio rock».

È qui che “Gangsta” trova il suo centro, mettendo in discussione l’idea secondo cui la provenienza sociale debba necessariamente determinare un atteggiamento, un’identità o persino un linguaggio musicale.

Luke Style osserva così l’immaginario del “duro” e ne smonta alcuni meccanismi: ostentazione, violenza, denaro e trasgressione diventano materiale per raccontare quanto possa essere fragile, e a volte costruito, il personaggio che si nasconde dietro la posa.

“Gangsta” non è quindi soltanto una provocazione rivolta alla scena trap, ma una riflessione più ampia sulla necessità di costruirsi un’identità da esibire. Dietro l’immagine aggressiva può esserci qualcosa di molto più umano: insicurezza, bisogno di attenzione, ricerca di riconoscimento. Luke Style sceglie di raccontarlo senza prediche, lasciando che sia il brano stesso a giocare con quei codici e a ribaltarli.

La sua prospettiva nasce inoltre da una lunga esperienza nella scena rock italiana. Batterista e cantante, Luke Style è attivo dal 2000 con i The Styles e nel corso della sua carriera ha condiviso il palco con nomi come Deep Purple, Vasco Rossi, The Fratellis e Iggy Pop, oltre ad aver collaborato con J-Ax. San Siro, Stadio Delle Alpi, Heineken Jammin’ Festival e Festivalbar sono alcuni dei palchi attraversati nel corso degli anni.

Con il tempo, alla batteria si è affiancata sempre più forte l’esigenza di scrivere, cantare e mettersi in prima persona al centro della musica. Da questa necessità nasce il progetto solista Luke Style.

Un passaggio fondamentale arriva nel 2022, con la scomparsa di Guido Style, frontman dei The Styles. Da quella perdita prende forma un percorso artistico nel quale dolore, assenza e memoria diventano materia musicale, trasformandosi progressivamente in una nuova identità sonora.

Oggi Luke Style si muove tra rock viscerale e attitudine urbana, chitarre abrasive e ritmiche pulsanti, affrontando nei suoi testi rabbia sociale, disillusione, conflitti interiori e contraddizioni della contemporaneità. Queens of the Stone Age, The Mars Volta, Arctic Monkeys e The White Stripes fanno parte del suo universo di riferimento, ma vengono filtrati attraverso una scrittura personale.

Con “Gangsta” quella stessa attitudine incontra un immaginario apparentemente distante, che viene osservato dall’esterno e contemporaneamente da chi conosce bene la periferia. Il risultato è un brano che usa l’ironia come lente d’ingrandimento e trasforma gli stereotipi in una domanda: quanto c’è di autentico dietro il personaggio che scegliamo di mostrare?

“Gangsta” è disponibile sulle principali piattaforme digitali.

ASCOLTA "GANGSTA”!

Spotify: https://short-url.cc/1wPAV

YouTube: https://short-url.cc/1wPzm

Apple Music: https://short-url.cc/1CwTg

Deezer: https://short-url.cc/1CwTA

Amazon Music: https://short-url.cc/1wPCg

Lowinsky: fuori il nuovo EP, dal vivo e in acustico

C’è qualcosa di speciale nelle serate nate quasi per caso, lontano dai palchi affollati e dalle luci dei grandi concerti. È proprio da una situazione del genere che nasce “Lowinsky dal vivo in acustico”, il nuovo EP della band indie rock bergamasca, disponibile da oggi su tutte le principali piattaforme di streaming.

La storia comincia in una sera di febbraio, al bar di un tennis club di provincia. Una serata apparentemente come tante, tra pochi clienti abituali, sportivi diretti ai campi e il consueto sottofondo da aperitivo. Poi, nella saletta adiacente, si accendono le lucine e l'atmosfera cambia.

Dietro le vetrate, una ventina di persone si stringe in uno spazio accogliente mentre fuori cala il buio. Bicchieri e conversazioni lasciano gradualmente spazio alla musica. In fondo alla sala ci sono i Lowinsky, questa volta con strumenti acustici, pronti a trasformare quella piccola stanza in un palco.

Quello che potrebbe sembrare l'inizio di un film è invece una serata realmente accaduta, ideata e realizzata da Federico Inguscio, batterista dei Lowinsky, gestore del bar del tennis club e anima dell'FTS Studio di Almè, base logistica e creativa della band.

Da quella serata sono state recuperate quattro canzoni, registrate e mixate dallo stesso Inguscio, oggi raccolte in questo nuovo EP. Un documento live che conserva il carattere intimo dell'esibizione e restituisce ai brani una dimensione più raccolta, diretta e naturale.

“Lowinsky dal vivo in acustico” non è quindi semplicemente una versione unplugged della band, ma la fotografia di una serata particolare, costruita intorno alla musica e alla vicinanza tra chi suona e chi ascolta. Poche persone, uno spazio raccolto e quattro canzoni capaci di raccontare i Lowinsky da una prospettiva diversa.

L'artwork dell'EP è firmato da Lucia Pinchetti.

L'EP è disponibile sui principali portali di streaming.

ASCOLTA L'EP

I TURBO GOOO! tornano a tutto gas con “DOOOM DOOOM DOOOM”

Fermi tutti: I TURBO GOOO! sono tornati e, come suggerisce il titolo, non hanno alcuna intenzione di rallentare.

Il nuovo singolo “DOOOM DOOOM DOOOM”, uscito il 17 agosto 2026, arriva come una nuova accelerata nel percorso della band e anticipa quello che sarà il prossimo capitolo della loro storia sonora: “IL CULTO DEL PROCIONE”, il nuovo LP attualmente rinviato a data da destinarsi.

Il ritardo del disco viene raccontato dalla band con la consueta dose di ironia e nessuna voglia di fare troppi giri di parole: qualcuno ha messo i bastoni tra le ruote, ma il motore dei TURBO GOOO! continua a girare. E probabilmente è proprio questo il modo migliore per affrontare gli imprevisti: stringere i denti, dare gas e trasformare il problema nell'ennesimo pezzo da mettere nel carburatore.

“DOOOM DOOOM DOOOM” è un brano che porta con sé tutta l'attitudine sfrontata e fuori dagli schemi del progetto. Il titolo stesso è una dichiarazione d'intenti: una martellata sonora che non chiede permesso e punta dritta verso quel territorio dove punk, trash, follia e ironia possono convivere senza bisogno di presentazioni.

Ma i TURBO GOOO! non si fermano alla musica. In occasione dell'uscita del singolo è arrivato anche un videoclip psicotico e trash, realizzato utilizzando immagini legate al progetto Italo Trash DJ KissMazza?, protagonista anche di una festa di Radio Onda d'Urto. Un universo visivo perfettamente coerente con l'attitudine del brano, dove il confine tra videoclip, delirio audiovisivo e festa fuori controllo sembra essere stato allegramente demolito.

E mentre “IL CULTO DEL PROCIONE” resta per ora parcheggiato ai box, i TURBO GOOO! fanno quello che sanno fare meglio: continuano a premere sull'acceleratore.

La data del nuovo LP arriverà quando arriverà. Nel frattempo c'è “DOOOM DOOOM DOOOM”, il motore è acceso e il volume è già decisamente troppo alto.

Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=DqSaVki1rYQ

Spotify: https://open.spotify.com/intl-it/artist/4ryHSn8mWhj21d98MLlbxY?si=OXjgskKwTD6ctkpql7qhtA

Bandcamp: https://turbogooo.bandcamp.com/track/dooom-dooom-dooom

Instagram: https://www.instagram.com/turbo.gooo/

RETRY: è uscito l’album d’esordio del power trio vicentino

“Retry” è il primo album dei RETRY, power trio vicentino formato da Mauro (Derozer) alla voce e chitarra, Teo (Melt, Pyjamarama) al basso e cori e Greg alla batteria. Nove brani che attraversano post punk italiano, disillusione, memoria e quella voglia ostinata di provarci ancora.

Troppo vecchi per sentirsi giovani, troppo giovani per smettere di essere incazzati, troppo stupidi per non provarci ancora.

Potrebbe essere questa la frase perfetta per presentare “Retry”, l’album d’esordio dei RETRY, uscito oggi, venerdì 21 agosto 2026.

Nati a Vicenza nel 2025 da un progetto sviluppatosi quasi spontaneamente, i RETRY hanno trascorso mesi in sala prove alla ricerca di una propria identità. Le esperienze musicali differenti dei tre componenti confluiscono in un sound diretto e compatto, costruito su chitarre taglienti, bassi potenti e un drumming preciso e articolato, dove l'urgenza del punk incontra atmosfere e sensibilità post punk.

Il progetto era stato presentato nei primi mesi del 2026 attraverso i singoli “Senza Fretta” e “Mirella”, anticipando un disco composto da nove brani cantati in italiano.

Riprovare, senza tornare indietro

Il titolo dell'album racchiude l'idea centrale del progetto: RETRY significa riprovare.

Non cancellare ciò che è successo e nemmeno fingere di poter ricominciare da zero. Significa ripartire portandosi dietro gli anni trascorsi, le esperienze, gli errori, le persone incontrate e quelle perse lungo il percorso.

Il passato c'è, ma non diventa nostalgia. I RETRY guardano piuttosto a quello che è possibile fare oggi con tutto ciò che è già successo.

A rappresentare lo spirito dell'album è “VDM”, brano che concentra in pochi minuti molte delle contraddizioni alla base del progetto.

Cosa rimane quando non ci si sente più giovani, ma non si è ancora disposti a smettere di sbagliare, arrabbiarsi e ricominciare?

La risposta dei RETRY non è la rassegnazione. È continuare a provarci.

C'è la consapevolezza degli anni passati, ma anche quella dose di incoscienza necessaria per commettere nuovi errori. Ed è proprio questa contraddizione a diventare il filo conduttore del disco.

Nove canzoni, nove fotografie della vita adulta

Il resto dell'album amplia lo sguardo verso relazioni, aspettative, memoria e piccole contraddizioni quotidiane.

“Garage” parte da uno dei luoghi simbolo della musica suonata: uno spazio spesso tutt'altro che bello o ordinato, ma nel quale per generazioni sono nati gruppi, amicizie, discussioni e canzoni. In un'epoca nella quale buona parte della musica può essere costruita davanti a uno schermo, il brano sembra ricordare che alcune cose hanno ancora bisogno di persone chiuse nella stessa stanza.

Con “Eroi” arriva invece la necessità di liberarsi dai condizionamenti e dai legami che possono trasformarsi in gabbie. Essere eroi non significa compiere imprese straordinarie, ma trovare il coraggio di seguire il proprio istinto.

“Mirella”, già pubblicata come singolo, entra nel territorio della distanza, della memoria e dell'incomunicabilità. Le parole si interrompono, il silenzio prende il loro posto e alcuni sentimenti rimangono comunque lì, anche quando non si riesce più a spiegarli.

“Gianni” ribalta una delle nostre abitudini più comode: chiedere agli altri di cambiare. È facile individuare ciò che non funziona nelle persone che abbiamo davanti, molto meno chiedersi se, almeno qualche volta, il problema siamo noi.

Con “Polemiche” arriva invece un'impresa apparentemente semplicissima: stare zitti. Non rispondere, non alimentare lo scontro e non voler necessariamente avere l'ultima parola. Facile a dirsi, decisamente meno a farsi.

Non tutto il disco vive però di conflitti.

“Sorrisi” riporta l'attenzione verso le piccole cose, quei gesti e quei momenti che spesso diventano invisibili proprio perché sembrano troppo semplici. Un invito a riconoscere il valore di ciò che abbiamo davanti senza inseguire continuamente qualcosa di più grande.

“Giusto un po'” entra invece nel momento in cui le certezze iniziano a sgretolarsi. Rimangono dubbi, ostinazione, qualche bicchiere di troppo e la tentazione di sparire. Ma andarsene non significa necessariamente risolvere le cose.

A chiudere il viaggio c'è “Cartoline”, riflessione sulla memoria e sulla sua capacità di scegliere autonomamente cosa conservare. Alcune persone, momenti e cicatrici resistono al tempo e rimangono lì, come cartoline dimenticate in un cassetto.

Completa il disco “Senza Fretta”, uno dei primi brani con cui i RETRY si erano presentati al pubblico. Una canzone dedicata al tempo che passa, ai legami che resistono, agli errori e alla possibilità di ripartire senza l'ossessione di recuperare gli anni perduti.

“Retry” è quindi un album profondamente legato al tempo, ma senza cercare di tornare indietro.

Sul fondo ci sono il Nordest, la quotidianità, le radici, le amicizie, le distanze e la difficoltà di confrontarsi con ciò che siamo diventati rispetto a ciò che pensavamo saremmo stati.

Non ci sono grandi proclami generazionali. Ci sono persone alle prese con la propria vita, con i propri errori e con la necessità di continuare a cercare.

Perché Retry non significa ricominciare da zero.

Significa premere di nuovo quel tasto sapendo perfettamente perché la volta precedente non ha funzionato.

E premerlo comunque.

Try, try, RETRY.

Tracklist

VDM

Garage

Eroi

Mirella

Gianni

Polemiche

Sorrisi

Giusto un po'

Cartoline

“Retry” è disponibile dal 21 agosto 2026.

Ascolta "Retry"

Cereal Killer: “Devo Dirtelo” è il secondo estratto da “Veleno”

Dopo aver iniziato a svelare il contenuto di “Veleno”, il loro primo album in uscita a settembre, i Cereal Killer tornano con un nuovo assaggio del disco: si intitola “Devo Dirtelo” ed è il secondo estratto che anticipa il debutto della band trevigiana.

Nati a Treviso nel 2023 da un’idea di Diego Cecchetto, già nei Scacciapensieri e oggi chitarrista dei Bull Brigade, i Cereal Killer riuniscono musicisti con un passato comune nella scena punk e hardcore. Alla formazione si sono aggiunti Michele Mion alla batteria, Luca Ciani e Andrea D’Adamo alle chitarre, Filippo Falzier al basso e Unico Speranza alla voce.

Il risultato è un punk rock che non perde tempo in inutili giri di parole: veloce, diretto, energico, capace di alternare momenti più oscuri a aperture melodiche. Un’attitudine che trova la sua dimensione naturale soprattutto dal vivo, dove la band ha già accumulato circa 50 concerti, costruendo un set fisico e coinvolgente fatto di salti, pogo e interazione con il pubblico.

“Devo Dirtelo” arriva quindi come un altro tassello di avvicinamento a “Veleno”, un disco che rappresenta il primo capitolo discografico dei Cereal Killer e che vedrà la luce a settembre 2026.

Nel DNA della band si riconoscono le influenze di nomi fondamentali del punk e dell’hardcore melodico come Pennywise, Lagwagon, NOFX, No Use For A Name e Madball, filtrate attraverso l’esperienza dei musicisti e una forte vocazione live.

E il palco, per i Cereal Killer, non è certo rimasto un semplice dettaglio biografico: tra gli appuntamenti già affrontati figurano le aperture a Derozer, Peter Punk, Cattive Abitudini e Meganoidi, confermando una crescita rapida per una band nata appena tre anni fa.

Ora il conto alla rovescia verso “Veleno” continua. “Devo Dirtelo” è il nuovo pezzo da mettere nel mirino, mentre i Cereal Killer preparano il terreno per quello che sarà il loro primo disco.

Ascolta “Devo Dirtelo” su Spotify

PAINKILLER PARTY: estate, mare e stelle nel nuovo video di “Stargazer”

Nel pieno di un'estate rovente, mentre l'Europa sembra sciogliersi sotto il sole, i PAINKILLER PARTY hanno deciso di portarci direttamente al mare con il nuovo video di “Stargazer”.

La band tedesca, fedele al proprio universo fatto di Electronicore, ironia, provocazione e una buona dose di follia, ci conduce questa volta fino a Trieste, precisamente sulla spiaggia naturista di Sistiana FKK, trasformata nel naturale habitat del duo.

Il mondo continua a essere un caos e la vita, spesso, sembra diventare sempre più complicata. Ma quando i due protagonisti sono insieme, tra divertimento sulla spiaggia e occhi rivolti verso le stelle, tutto il resto sembra improvvisamente perdere importanza.

Ed è proprio qui che entra in gioco il titolo “Stargazer”, che nasconde un doppio significato particolarmente interessante.

Da una parte troviamo la figura degli innamorati dell'Electronicore, capaci di sostenersi e salvarsi a vicenda dal caos del mondo contemporaneo. Dall'altra, Stargazer è anche il nome di una particolare specie di pesce, conosciuta in italiano come pesce prete.

Un gioco di significati che diventa sempre più evidente andando a scavare nel testo della canzone e che contribuisce a trasformare “Stargazer” in un brano ricco di dettagli e sfumature, perfettamente inserito nell'universo fuori dagli schemi dei PAINKILLER PARTY.

Un video tra vecchi volti e nuove follie

Il videoclip è stato girato dal videomaker italiano Mike Tessari e prodotto dal filmmaker tedesco Sveno Meer di Butterwillfly Studios.

Per i PAINKILLER PARTY si tratta inoltre di un ritorno alla collaborazione con Sveno Meer, già regista di tutti i precedenti videoclip legati ai loro album.

E anche alcuni dei protagonisti del video non sono esattamente degli sconosciuti. Tra gli ospiti ritroviamo infatti il manichino, già apparso in precedenza, e Kurt dei PAULINA PANK, che aveva partecipato al video di “A good party starts once the idiots are gone”, tratto dal precedente album della band, “Electro-cute”.

Il risultato è un videoclip che mantiene intatto lo spirito dei PAINKILLER PARTY: colorato, assurdo, irriverente e allo stesso tempo sorprendentemente caldo e umano.

PAINKILLER PARTY: Electronicore senza freni.

Per chi ancora non conoscesse la band, i PAINKILLER PARTY nascono a Berlino e propongono una personale miscela di Electronicore, Grindcore, Nintendocore, Partycore, Pornocore e Deathcore.

La formazione è composta da Josefine Schulz alla voce growl e synth e Noel Sommerkamp a chitarra, basso, batteria e backing vocals.

La loro musica mette insieme breakdown pesanti, elettronica, melodie estremamente orecchiabili e growl brutali, il tutto accompagnato da un immaginario volutamente sopra le righe. Un mondo dove Deathcore e festa per bambini possono convivere tranquillamente nello stesso moshpit, tra unicorni, coriandoli, palloncini e testi decisamente poco adatti a una festa di famiglia.

Dopo “Welcome to the Party” del 2019, “It's Never Too Late to Have a Happy Childhood” del 2021 e “Electro-Cute” del 2023, i PAINKILLER PARTY tornano quindi con una nuova dose del loro Electronicore completamente fuori dagli schemi.

Quindi, niente paura: toglietevi la sabbia dalle chiappe e tuffatevi nel mare insieme ai PAINKILLER PARTY.

Il cielo è pieno di stelle. E, a quanto pare, anche il mare nasconde qualche sorpresa.

PAINKILLER PARTY sono:

Josefine Schulz – growl, synth

Noel Sommerkamp – chitarra, basso, batteria, backing vocals

Provenienza: Berlino

Genere: Electronicore, Grindcore, Nintendocore, Partycore, Pornocore, Deathcore

Discografia:

Welcome to the Party (2019)

It's Never Too Late to Have a Happy Childhood (2021)

Electro-Cute (2023)

Spotify: https://open.spotify.com/intl-de/track/3Ca9L0774dYKnSm9BLXiyV?si=0e5c72ec46274fd6

Video on YouTube:

https://youtu.be/HTr_5cZzU_M

PAINKILLER PARTY on Instagram: https://www.instagram.com/painkillerparty_official/

According To Jack rileggono un classico: il 7 agosto arriva "Bad Moon Rising", terzo singolo estratto da Plugged

Gli According To Jack proseguono il percorso di avvicinamento a "Plugged", il nuovo EP in uscita il 21 agosto, con un omaggio a uno dei brani più iconici della storia del rock. Da venerdì 7 agosto sarà disponibile "Bad Moon Rising", reinterpretazione in chiave punk rock del celebre classico pubblicato dai Creedence Clearwater Revival nel 1969.

La band padovana, nata nel 2022 come progetto acustico di Giacomo Rampazzo e successivamente evolutasi in una formazione a quattro elementi, continua così il viaggio iniziato con Reason To Exist e The Best I've Never Had. Plugged raccoglie infatti quattro brani registrati in elettrico e in presa diretta, dando nuova energia al repertorio delle origini e mettendo al centro il suono più autentico del gruppo.

Fin dalla sua nascita, "Bad Moon Rising" è stata una presenza fissa nelle esibizioni live degli According To Jack. Non sorprende quindi che la band abbia deciso di inserirla nel nuovo EP, trasformando un grande classico del rock'n'roll in un concentrato di energia punk rock senza tradirne lo spirito originale.

L'arrangiamento mantiene l'immediatezza che caratterizza il gruppo: chitarre graffianti, basso e batteria costruiscono una base solida e incalzante, mentre l'armonica, elemento distintivo del sound degli According To Jack, aggiunge un tocco personale che richiama le radici rock e folk della formazione. Il risultato è una versione fresca e coinvolgente, capace di rispettare l'identità del brano originale pur filtrandola attraverso lo stile della band.

Come gli altri brani di Plugged, anche "Bad Moon Rising" è stato registrato live in studio, una scelta che restituisce tutta la spontaneità e l'impatto della performance. Il mix e il mastering, affidati ad Angelica Gheller, valorizzano un suono diretto, dinamico e privo di sovrastrutture, perfettamente in linea con la filosofia del progetto.

Con questo terzo singolo, gli According To Jack confermano la volontà di costruire un EP che racconti non solo il loro percorso artistico, ma anche le influenze che hanno contribuito a definirne l'identità. In attesa dell'uscita di "Plugged" il 21 agosto, "Bad Moon Rising" rappresenta un tributo sincero a un capolavoro senza tempo, reinterpretato con l'energia e l'attitudine che contraddistinguono la band padovana.

Ascolta "Bad Moon Rising"

I THT ripartono con "Naked Man": il primo capitolo del nuovo album Try Harder Tomorrow

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I THT tornano a farsi sentire con "Naked Man", il nuovo singolo disponibile dal 24 luglio su tutte le piattaforme digitali. Il brano inaugura una nuova fase per la band punk rock, anticipando l'uscita del prossimo album "Try Harder Tomorrow", prevista per il 25 settembre 2026.

Attivi dal 2016, i THT riemergono dopo alcuni cambi di formazione alla batteria e a sei anni dall'EP d'esordio Inception. Il nuovo singolo mette subito in chiaro la direzione intrapresa: un sound più diretto e deciso, caratterizzato da chitarre più pesanti, una voce ancora più graffiante e un approccio che conserva la componente melodica senza rinunciare all'impatto.

Un'evoluzione che mostra una band cresciuta, sia dal punto di vista compositivo che interpretativo.

Dal punto di vista dei contenuti, "Naked Man" affronta un tema che molti appassionati della scena punk possono sentire vicino. Il brano racconta come l'identità costruita negli anni non venga cancellata dalle responsabilità dell'età adulta. Lavoro, famiglia e routine quotidiana convivono con magliette delle vecchie band, anfibi e spillette, simboli di un'attitudine che continua a far parte della persona anche quando la vita cambia.

Con questo singolo i THT aprono ufficialmente il percorso che porterà a Try Harder Tomorrow, un disco che promette di consolidare la nuova identità della band, mantenendo vive le proprie radici punk rock ma con uno sguardo rivolto al presente.

Informazioni

Singolo: Naked Man

Artista: THT

Genere: Punk Rock

Uscita: 24 luglio 2026

Album: Try Harder Tomorrow

Pubblicazione album: 25 settembre 2026

Registrato presso: Indiebox Music Hall (Brescia)

Mix e mastering: Icio presso La Distilleria (Bassano del Grappa)

Artwork: Nino, Motorcity Graphics

Contatti

Email: thtpunkrock@gmail.com Instagram: https://www.instagram.com/thtpunkrock/ 

Spotify: https://open.spotify.com/artist/5vJcxgm34i8p7M9OdDC43Q

YouTube: https://www.youtube.com/c/THTpunk 

Facebook: https://www.facebook.com/THTpunk/

Charlie and the Lobsters tornano con "90 (sorrisi e vecchie fotografie)", il loro primo singolo in italiano

Dopo una pausa forzata e una nuova formazione, i Charlie and the Lobsters sono pronti a riprendersi la scena con "90 (sorrisi e vecchie fotografie)", il nuovo singolo disponibile dall'1 agosto su tutte le principali piattaforme digitali. Per la band ska punk si tratta di una doppia ripartenza: non solo il ritorno alle pubblicazioni, ma anche il debutto assoluto con un brano in italiano.

La pausa era stata causata dalla mancanza di un bassista, un vuoto che oggi è stato colmato grazie all'ingresso di Chiara, nuova bassista del gruppo. Con una formazione rinnovata, la band torna a proporre il proprio mix di energia ska punk e atmosfere indie, senza rinunciare alla voglia di raccontare storie capaci di parlare a più generazioni.

"90 (sorrisi e vecchie fotografie)" è un tuffo nostalgico nell'infanzia e nell'adolescenza di chi è cresciuto negli anni Novanta. Tra Game Boy, Street Fighter, videocassette VHS e pomeriggi che sembravano non finire mai, il singolo ripercorre ricordi comuni trasformandoli in una fotografia musicale dal sapore dolceamaro, dove l'ironia accompagna la nostalgia.

Registrato presso Fico Studio Rec., il brano nasce dal desiderio di immortalare quei piccoli momenti quotidiani che, con il passare del tempo, acquistano un valore speciale.

La band racconta così la nascita del singolo:

"Volevamo raccontare quei momenti che sembravano normali ma che oggi sono diventati tutto: le giornate infinite, i giochi, le prime emozioni. '90 è il nostro modo di tornarci, anche solo per tre minuti e cinquantadue secondi."

Con questo nuovo capitolo, i Charlie and the Lobsters inaugurano una fase inedita del proprio percorso artistico, scegliendo la lingua italiana per dare ancora più immediatezza ai propri ricordi e alle proprie emozioni. Un ritorno che guarda al passato senza restarne prigioniero, trasformando la memoria in un brano dal forte impatto emotivo e dall'energia contagiosa.

Ascolta "90 (sorrisi e vecchie fotografie)"

Willy Wonka Was Weird chiude il viaggio di Riflesso con il videoclip di "Sottoscala"

C'è chi usa la musica per raccontare il dolore e chi, invece, prova a trasformarlo in qualcosa di nuovo. È proprio questo il cuore di "Sottoscala", il nuovo videoclip di Willy Wonka Was Weird, progetto solista di Paolo Modolo, fondatore di Karma Field Records. Il video arriva a diversi mesi dalla pubblicazione di Riflesso, album uscito il 2 dicembre 2025, e rappresenta la chiusura simbolica del percorso iniziato con quel disco.

Il brano vede la partecipazione di Tommaso Mantelli, autore delle parti di basso e batteria, mentre Modolo firma chitarre, voce e composizione. Una collaborazione che accompagna una canzone dal forte valore autobiografico, nata dopo un evento che ha profondamente segnato la vita dell'autore e della sua famiglia.

Il "sottoscala" del titolo non è soltanto uno spazio fisico, ma un luogo della memoria. Il ricordo del rifugio dell'infanzia diventa il simbolo di una ricerca di protezione e silenzio durante uno dei momenti più difficili della vita. Da qui prende forma un brano che attraversa la fragilità, il senso di perdita e la paura, per poi aprirsi gradualmente alla possibilità di una rinascita.

Anche il percorso spirituale di Modolo trova spazio nella composizione. La pratica buddista diventa infatti uno degli elementi che hanno contribuito a trasformare la sofferenza in consapevolezza, un tema che emerge chiaramente nei versi ricorrenti "E tu sei tutto ciò che ho" e "L'ansia che ho e il male che fa servirà", due frasi che racchiudono il senso dell'intero brano: riconoscere il dolore senza lasciarsi definire da esso.

Realizzato dallo stesso Paolo Modolo, il videoclip accompagna questo viaggio interiore con immagini simboliche e intime, lasciando allo spettatore la libertà di interpretarle attraverso la propria esperienza personale.

La pubblicazione del video coincide inoltre con un momento significativo per Karma Field Records, a ridosso del primo anniversario dell'etichetta, e segna anche l'inizio di una nuova fase creativa per Willy Wonka Was Weird.

A proposito del significato del brano, Paolo Modolo racconta:

"Per molto tempo ho pensato che il dolore fosse soltanto qualcosa da combattere o da utilizzare come semplice ispirazione artistica. Oggi credo invece che possa diventare un maestro. Se trovi il coraggio di attraversarlo, non ti indica chi sei, ma chi puoi diventare. Il dolore non cancella la speranza: spesso è proprio ciò che dissolve le nubi che coprono la mente, il cuore e la direzione che vogliamo seguire."

Con Sottoscala, Willy Wonka Was Weird mette il punto finale all'esperienza di Riflesso, ma allo stesso tempo apre una nuova pagina del proprio percorso artistico. Un lavoro profondamente personale che invita a guardare oltre la ferita, trasformando il vissuto in un'occasione di crescita e consapevolezza.

Videoclip ufficiale:

https://youtu.be/qklqgME3vdQ

Ascolta "Sottoscala" su Spotify:

https://open.spotify.com/intl-it/track/5isSz1AY6ZhqtYe1hEMRJ5?si=71fcddd03e2f433c

Ascolta l'album Riflesso su Spotify:

https://open.spotify.com/intl-it/album/2HWC2c81yucnXEG3jtAEFj?si=edYQ7N_kTD2s512MZHf0wQ

According To Jack pubblicano "The Best I've Never Had", secondo capitolo verso l'EP Plugged

Prosegue il percorso di avvicinamento a "Plugged", il nuovo EP degli According To Jack in uscita il 21 agosto. Dopo aver riacceso i riflettori su Reason To Exist, la rock band padovana presenta il The Best I've Never Had estratto, "The Best I've Never Had", confermando la scelta di dare nuova vita ai brani nati in versione acustica attraverso una registrazione elettrica, intensa e completamente in presa diretta.

Nati nel 2022 come progetto solista di Giacomo Rampazzo, gli According To Jack si sono evoluti rapidamente fino a diventare una formazione a quattro elementi. Il loro sound mescola il punk rock californiano con influenze rock'n'roll, blues e folk, mantenendo sempre un approccio spontaneo e autentico. Dopo l'EP Reason To Exist pubblicato nel 2024 per Sorry Mom!, un tour che li ha portati anche sul palco del Bay Fest al fianco di Descendents e Neck Deep, e il singolo The Ballad of the Monkey Man pubblicato con Sorry Mom! e Universal Music Italia, la band continua a consolidare la propria identità.

Con "The Best I've Never Had" il quartetto affronta un tema tanto personale quanto universale: la frustrazione di non sentirsi accettati, la rabbia che nasce quando gli sforzi sembrano non essere riconosciuti e quel senso di amarezza che resta quando ci si vede chiudere una porta in faccia. Un racconto emotivo che non indulge nel vittimismo, ma trova nel punk rock la forza per trasformare la delusione in energia.

Dal punto di vista musicale, il brano punta ancora una volta sull'essenzialità. Chitarre, basso e batteria costruiscono una struttura solida e immediata, lasciando spazio a melodie vocali efficaci e a un ritornello destinato a rimanere in testa. La registrazione live in studio restituisce tutta la naturalezza dell'esecuzione, esaltando il feeling tra i musicisti e mantenendo intatto l'impatto della performance. Il mix e il mastering sono stati curati da Angelica Gheller, che valorizza un suono diretto, dinamico e privo di artifici.

Con "The Best I've Never Had", gli According To Jack confermano la direzione intrapresa con Plugged: recuperare il proprio repertorio delle origini e reinterpretarlo con l'energia e la compattezza di una band ormai pienamente affiatata. Un altro tassello di un progetto che promette di unire l'immediatezza del punk rock melodico con la sincerità di canzoni nate per raccontare emozioni vere.

Ascolta "The Best I've Never Had"

According To Jack tornano con "Reason To Exist", primo assaggio del nuovo EP Plugged

Gli According To Jack tornano con nuova musica e riportano sotto i riflettori uno dei brani simbolo dei loro esordi. Da venerdì 24 luglio sarà disponibile "Reason To Exist", primo singolo che anticipa "Plugged", il nuovo EP in uscita il 21 agosto.

La band padovana, nata nel 2022 come progetto acustico di Giacomo Rampazzo e oggi formazione completa a quattro elementi, continua il proprio percorso all'insegna del punk rock californiano, contaminato da rock'n'roll, blues e folk. Dopo l'EP d'esordio e il passaggio definitivo alla dimensione elettrica con "The Ballad of the Monkey Man", gli According To Jack guardano al passato per rilanciarlo con una nuova veste.

"Plugged" raccoglierà infatti quattro brani originariamente scritti in chiave acustica, completamente riarrangiati e registrati in elettrico in presa diretta, per catturare tutta l'energia e la spontaneità della band.

Le quattro tracce verranno pubblicate con cadenza settimanale fino all'uscita dell'EP.

Ad aprire il percorso è proprio "Reason To Exist", un brano che racconta l'insicurezza verso il futuro, la difficoltà di trovare il proprio posto nel mondo e la nostalgia per un periodo della vita in cui ansie e responsabilità sembravano ancora lontane. Un tema universale affrontato con il giusto equilibrio tra malinconia e ironia, senza perdere quella leggerezza tipica del miglior punk rock melodico.

Dal punto di vista sonoro, il pezzo punta tutto sull'immediatezza: chitarre energiche, basso e batteria costruiscono una base essenziale ma incisiva, mentre le melodie vocali rendono il ritornello immediatamente memorabile. La scelta di registrare il brano live in studio restituisce un suono autentico e dinamico, valorizzato dal mix e dal mastering curati da Angelica Gheller.

Con "Reason To Exist", gli According To Jack inaugurano un nuovo capitolo che guarda alle proprie radici senza rinunciare all'evoluzione maturata negli ultimi anni. Se questo è l'antipasto di "Plugged", c'è più di un motivo per aspettare con curiosità le prossime settimane.

Ascolta "Reason To Exist"

AUT! torna con AUT/Takes: DEVO-lution Of An Egg, due nuovi brani tra ironia e post-punk DIY

AUT! amplia il proprio universo sonoro con AUT/Takes: DEVO-lution Of An Egg, una raccolta che affianca la produzione principale del progetto mantovano e diventa uno spazio dedicato a esperimenti, intuizioni e deviazioni creative. Un lavoro che mette in discussione le convenzioni ASCOLTA "DEVO - LUTION OF AN , giocando con i suoi cliché attraverso ironia, synth punk, attitudine DIY e una buona dose di autoironia.

Il progetto nasce da una domanda semplice: cosa accade quando anche l'anticonformismo diventa una formula prestabilita? AUT/Takes prova a rispondere raccogliendo tutto ciò che sfugge alle etichette, lasciando spazio a idee che non hanno bisogno di giustificarsi o seguire regole.

Il brano principale, "DEVO-lution Of An Egg", si presenta come una surreale ricetta per creare la perfetta canzone egg-punk: uova australiane, un registratore multitraccia malconcio, sinusite cronica, una tracolla portata altissima, mullet e baffi. Tra riferimenti ai DEVO, garage rock e cultura DIY, il pezzo prende in giro gli stereotipi della scena underground trasformandoli in un manifesto tanto assurdo quanto irresistibile.

Ad accompagnarlo c'è "Cold Dish", traccia che cambia completamente atmosfera. Qui AUT! esplora il senso di déjà-vu e la perdita dell'identità attraverso un post-punk ipnotico e alienante, in cui memoria e ripetizione si intrecciano fino a rendere impossibile distinguere l'originale dalla copia.

Dietro AUT! si cela un giovane operaio mantovano che trasforma il rumore e le contraddizioni della provincia italiana in un post-punk ruvido e pulsante. Dopo il debutto nell'ottobre 2024 con due EP, il progetto ha aperto un concerto degli Afterhours a Firenze, è stato inserito nelle compilation Carne Fresca e Tribal Cabaret n°12 e ha portato la propria musica sui palchi di Lombardia, Veneto ed Emilia-Romagna.

Nel 2026 è arrivato il primo album "No Attitude", seguito dal singolo "Sigma Circle Jerk", confermando la volontà di raccontare con uno sguardo tagliente le nevrosi della provincia contemporanea. Con AUT/Takes: DEVO-lution Of An Egg, il progetto aggiunge un nuovo tassello al proprio percorso, scegliendo di sperimentare senza rinunciare al sarcasmo e alla propria identità.

ASCOLTA "DEVO - LUTION OF AN EGG”!

https://youtu.be/PKqcQmF6kqw?is=05sIkySZEaHX1YPo

https://benext.lnk.to/devolution